Música para soñar: Entrevista con Steev Thompson de Roxanne Jean Polise

Steev Thompson es mejor conocido por su rol como artífice de la máquina de sueños que es Roxanne Jean Polise. Bajo este sobrenombre, ha sido responsable directo de algunas de las mejores entregas aurales que se han producido durante este año. Pero el que su música apenas vaya dándose a conocer más ampliamente no implica que Steev sea un novato en estas cuestiones. Thompson, de hecho, ya lleva varios años grabando placas sonoras que podrían insertarse en prácticamente cualquier género musical anómalo.
Su primer proyecto, llamado Athenian Mercury, junto a su amigo Chris Peebles, se remonta a 2002. El grupo fue, de acuerdo con el mismo Thompson, “un proyecto bastante duro, pero con mucha variedad, como con instrumentación rota. Picos y valles... no sólo puro martilleo.” Tras grabar casi una decena de discos en diversos formatos, Athenian Mercury se separa. Chris comienza a trabajar en su propio proyecto, Eat Your Makeup, y Thompson a dar forma a varios de sus muchos proyectos, entre los cuales, quizás uno de los más importantes sea el de la disquera X Died Enroute Y Records.
“Comencé X Died Enroute Y Records en marzo de 2003 como una manera de editar nuestras grabaciones y las de nuestros amigos de manera relativamente legítima. Poco me imaginaba, apenas internándome en la escena noise, que otras 47384737945734 compañías ‘diy’ ya existían en ese momento.”En X Died Enroute Y, Thompson comienza a trabajar en varios proyectos propios bastante esporádicos, como Oighsoi, Solder Teenage Daughter y My Game of Loving, así como una serie de colaboraciones. Para principios de 2005, X Died Enroute Y Records ya se encuentra en plena forma, editando más de media centena de discos de una sensacional gama de actos locales. Bandas con cierto culto, como Scissor Shock o Ruinhorse, editan algunos de sus discos allí. Sin embargo, el alcance de la disquera de Thompson parece no haber dejado de ser local sino hasta fechas recientes, en que bandas como Sick Llama, Anthony Milton o D Yellow Swans comienzan a publicar discos en ella. Con tantas buenas bandas alrededor resulta muy difícil comprender esta tajante cerrazón.
Al respecto, Steev comenta que, hace algunos años, no estaba demasiado informado acerca de lo que pasaba a su alrededor: “Chris era el que se mantenía informado y que estaba en todo. Yo era el chavo tímido que vivía en las afueras y realmente no le prestaba atención a ni madres.” Esta actitud resulta curiosa, tomando en cuenta que ya tenía algunos años dedicándose a producir música independiente en su hogar en Michigan, cuna desde finales de los noventas de una escena subterránea que, prácticamente sin difusión alguna, ha sacudido al mundo. Steev comenta que al comenzar sus proyectos “en Michigan ya había una escena bastante grande de la cual yo realmente no sabía.”
El descubrimiento, como para casi toda la gente que se ha topado con esta escena, tuvo tintes epifánicos: ‘Simplemente observé lo que todos estaban haciendo y eso abrió mi mente a muchas cosas nuevas. Ver a todo mundo poner las cosas en marcha por sí mismos, en cuanto a su propio sonido, producciones, conciertos, etcétera, es bastante inspirador siendo que antes ignoraras que todo aquello sucediera.’
Después de un tiempo, Thompson no sólo compartía locación, sino además medios con la escena de Michigan, aunque no necesariamente raíces ni sonido. En fechas recientes es común ver discos de Roxanne Jean Polise circular en disqueras tan variadas como Audiobot, Knife in the Toaster, Apop o Chondritic.
En el presente, Steev se encuentra viviendo en Chicago, lugar al que emigró hace apenas un par de meses. Desde allí sigue manejando su disquera al tiempo que pone en marcha sus muchos proyectos, de los cuales, sin duda, sobresale el intenso y prolífico Roxanne Jean Polise.

Dream Music
Al escuchar algunos de los más recientes trabajos de Steev bajo el alias de Roxanne Jean Polise, su proyecto principal, se entra en contacto con música de naturaleza sumamente divergente al de las más de las bandas de Michigan. La música reciente de Roxanne Jean Polise es de inspiración material, plenamente evocativa y llena de imágenes, cuyas raíces son sobre todo ‘experiencias, pensamientos extraños al azar, imágenes, sonidos incidentales, sueños, parálisis durante el sueño y epilepsia’.

¿Cómo es que los males que mencionas influyen en tu trabajo? ¿Es posible verlos representados en tu música? ‘Es difícil describirlo... Después de tener un ataque (de epilepsia), vives en una neblina absoluta por las siguientes dos o tres semanas. Eso podría explicar por qué mi música suena distante y nebulosa.’
‘Con la parálisis durante el sueño... uno se encuentra bastante consciente, pero no te puedes mover. Tiendes a alucinar porque aún estás en un estado parcial de sueño. Es algo realmente jodido y confuso... aunque bastante sorprendente también a veces. El hecho de no poderte mover o hablar o hacer nada puede hacerte sentir extremadamente ansioso y atemorizado. Algo de mi trabajo refleja esa sensación.’
Y no es exageración. Esa sensación de claustrofobia y horror se vuelve inmediatamente verosímil ante las experiencias sonoras ofrecidas en producciones como ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ y ‘Changing the Light Patterns of the Underwater Forest 1 &2’. Pero no todo es pesadilla y parálisis en el mundo de Roxanne Jean Polise. En muchas de sus grabaciones se encuentra latente una sensación de taciturnidad y profundidad características del ensueño, de ese momento intermedio presente entre la realidad y el reino de Morfeo. Es claro que el factor inconsciente pesa muy, muy fuerte sobre la obra de Thompson, y, además, que el balance entre ambos lados del espectro es a veces demasiado frágil.
La música de Roxanne Jean Polise es música en tensión constante por su angustiante falta de polaridad. Esta ambigüedad le ofrece un carácter de androginia patente a su música, una fascinante falta de definición. La música capturada en los trabajos de Thompson no es ni calma ni brutal y mucho menos parece ajustarse a la cuestión genérica. Precisamente, la tensión entre estados y géneros parece ser lo que ofrece mayor novedad con respecto a ella.

A mi parecer, ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ es el disco que mejor balancea el sonido material, acuático de tu trabajo con tu lado más ruidoso y violento. ¿Posee tu trabajo una naturaleza ambigua?
“Estoy de acuerdo. Me siento muy orgulloso de ese álbum y parece ser que ha sido el mejor recibido por la crítica de todos. Creo que si fuese a mostrarle a alguien lo que hago, ése sería el disco que le sugeriría (escuchar). Espero poder volverlo a poner en circulación en algún momento."
¿Cuál de tus discos crees que esté más polarizado, es decir, que posea un sonido más fuertemente delineado?
"En cuanto a cuál es el (álbum) más polarizado, probablemente lo sean los dos volúmenes de ‘Changing the Light Patterns of the Underwater Forest’. Ambos permanecen bastante en el fondo del espectro ensoñado, húmedo y acuoso de las cosas -aunque intenté hacerlos un poco diferentes… el primero, para Chondritic, es realmente oscuro y el segundo, para Russolo, suena más ligero. Eventualmente pondré a la venta una tercera parte que esté en la misma vena, pero ligero y que suene bonito… como si se pasara lentamente de noche a día a través de tres discos.”
¿Cuáles son tus influencias principales en cuanto a música?
“My Bloody Valentine, Nurse With Wound, Glenn Branca, White Noise, Black Cat #13, Slowdive, SPK, Stars of the Lid.”
¿Clasificarías tu música como noise o drone –ambient quizás? ¿Consideras que exista algún término que pueda definir tu música?
”Creo que podrías decir que mi música tiene elementos de todos esos géneros en sí. Pero no creo que se me pueda encasillar en ninguno de ellos –claro que a todo artista le gusta pensar eso. Yo llamaría a muchos de mis trabajos ‘dream music’ (música de sueños). (La música) es realmente nublada y nebulosa y suena como suena la música en los sueños... puede ser bella o sucia, llena de sonidos oscuros -tiene esa vibra distante y nublada. ¿Cómo catalogarías mi música?”
Nunca pondría una etiqueta a tu música, pero tus discos parecen balancear muy bien elementos de los tres géneros que mencioné. De hecho, la definición que ofreciste (‘dream music’) me parece muy adecuada. Quizás podría decirse que algunos discos de bandas como Mirror, Organum e incluso Nurse With Wound comparten esa misma cualidad surreal, profunda.
“Si, creo que (el término)‘dream music’se ajusta a la mayor parte de mi trabajo bastante bien, de cualquier modo, también tengo algunos álbumes bastante abrasivos...
Nurse With Wound probablemente sea una de mis mayores influencias... sólo piensa en aquel mundo torcido al que eres arrojado al escuchar sus discos. Además, realmente admiro cómo (Steven) Stapleton mantiene su trabajo variado disco tras disco. Muchos artistas no prueban cosas nuevas lo suficiente y creo que evolucionar y ramificarse en nuevos sonidos es muy importante. (Stapleton) mantiene una vibra característica de Nurse With Wound en cada álbum y, aún así, todos son muy diferentes. Creo que yo intento y hago algo de eso, sin embargo, no me molestaría hacer un disco que realmente saque de onda a la gente. Iba a hacer un álbum colaborativo con un cuate que hace synth-fuzz, pero aparentemente ya no se hizo. Ésa pudo haber sido una muy interesante mezcla de estilos. Con un poco de suerte quizás se pueda dar luego.”
La música de sueños reposando en los discos de Roxanne Jean Polise es todo menos idílica. Al escucharla, uno tiene la doble impresión de estar presenciando algo que es a su vez en extremo bello y sórdido, atemorizante. La música de Roxanne Jean Polise revela un lado oscuro y primitivo fluctuando constantemente en las pulsiones artísticas de Thompson.

¿Cómo percibes tu propia música?
‘Mi música, en mayor medida, es una extensión aural de mí mismo. Sea lo que sea que esté experimentando o sintiendo, (mi música) es la banda sonora registrada para encuadrarle. Puedo escuchar algunas de mis canciones viejas y éstas activarán en mi mente emociones y sensaciones que estaba sintiendo al momento de grabarlas. En lo que respecta a los sueños, muchas de mis piezas son bandas sonoras para ciertos sueños que siento que encajarían perfectamente en ese sueño o pensamiento’.
¿Podrías comentar algo con respecto a tu discografía?
“He hecho demasiada mierda (risas). El hecho de ser algo introvertido y haber estado desempleado por un periodo de tiempo relativamente largo ayudó. Todo lo que quise hacer por meses fue sólo estar sentado en mi cuarto grabando.”
¿Cuáles de tus discos podrías decir que son cruciales para entender tu trabajo?
“Probablemente ‘Projecting the Universe...’, ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’, ‘Changing Ligh Patterns of the Underwater Forest 1 & 2’ y ‘Thought Pattern Not Well Worn’. También definitivamente la caja para Audiobot cuando salga. Cinco discos con todo tipo de cosas que te harán sentir completamente harto de mí, incluyendo un par de los álbumes que acabo de mencionar.”

El músico tras el experimentalistaLos sonidos de muchas de las producciones de Roxanne Jean Polise parecen contener tanto elementos compositivos, como aleatorios. Sin embargo, la sensación de complitud y redondeo que su música ofrece debe obedecer a una idea y una meta claras. En cuanto a si su música es composición, improvisación, o ambas, Thompson aclara que ‘muchos de mis trabajos son ambas cosas. Algunas partes pueden estar compuestas de muchos fragmentos compuestos diferentes, otras tantas pueden ser sesiones de ‘jam’ completamente improvisadas.’
El elemento del azar, situaciones como los sonidos incidentales, ¿cómo afectan tu trabajo?
‘Los sonidos incidentales me hacen pensar en la capacidad al completo de un sonido si fuese arreglado o mezclado con otros sonidos –transformar sonidos no musicales en algo más musical. Creo que se me clasifica como un tipo ‘noise’ o experimental, pero sigo pensando musicalmente.’
Precisamente en cuanto a la cuestión musical, las raíces musicales de Steve parecen centrarse en la guitarra. Entre toda la densidad y bruma, por momentos es aún posible observar las notas del instrumento paseando por los oscuros paisajes de sus proyectos.

¿Qué fue lo que te llevó de ser un guitarrista a volverte un músico experimental?
‘Evolución natural. Después de cierto tiempo, todo mundo se cansa de una cosa y comienza algo nuevo. Entre más descubría, más eran las cosas que quería intentar y crear. Tan solo la cuestión de “cómo sonaría esto si combinara estos instrumentos.”
Aún hay un chingo de cosas que me gustaría incorporar a mi música, sólo que no tengo el dinero o los medios para conseguirlos.’
¿Has considerado hacer música para películas o algún otro tipo de performances?
“¡Si! Iba a comenzar a estudiar para dedicarme a eso pero no pude seguir. Lo haré cuando pueda costearlo. Supuestamente, debía musicalizar una película de horror que se estaba filmando en los alrededores de Chicago pero perdí contacto con el cuate que estaba moviendo toda la cosa. Mucha de mi música es accionada por imágenes y escenas extrañas que llegan a mi cabeza, así es que hacer que escenas e imágenes raras de una película produzcan música en mi cabeza sería realmente genial.”
Recientemente te mudaste a Chicago, ¿cómo te ha afectado hasta el momento?
“Mi cerebro está congelado. En definitiva no estoy acostumbrado a estar aquí. La mayor parte del tiempo me siento muy ansioso y deprimido así es que estoy teniendo problemas para sentirme motivado, aunque estoy comenzando a hacer cosas de nuevo. El hecho de vivir en un departamento pequeño con otras dos personas tampoco ayuda. Es muy difícil encontrar el tiempo necesario para grabar sin fastidiar a alguien más. Necesito conseguirme un buen sótano por allí.”
¿Es posible para ti sobrevivir siendo un artista underground?
“Por supuesto que para mí no, pero conozco gente que lo hace y me parece fantástico que sea posible.”
¿Por qué producir tantos discos distintos en números tan reducidos?
“Constantemente grabo y evoluciono, así es que edito muchas cosas. Las variables son cuántas copias se hacen, la demanda, abastecimiento, dinero, etc. Es difícil hacer ediciones de unos cuantos cientos de cada título cuando no tienes ni el tiempo ni el dinero para hacerlo, sobre todo si no hay siempre mucha demanda –viene y va. Si realmente algo me gusta mucho, intentaré como sea posible mantenerlo editado.”
¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato -proyectos de estudio, tocadas en vivo, proyectos a lanzar en tu disquera?
“En cuanto a mis cosas, un split en 12” con Hive Mind que sale a la venta este invierno, un 3” para Apop en diciembre, el box-set para Audiobot para antes de navidad, y otra caja super-limitada para Knife in the Toaster. Probablemente algunas otras cosas que en este momento no puedo recordar.
Tocadas... no por el momento. He tenido ofertas, pero desgraciadamente todas han sido por lo menos a tres horas de camino de aquí y estoy muy pinche jodido para hacer cada uno de los viajes. Uno pensaría que hay cosas chidas ocurriendo en Chicago, ¿no?Para XDEY, ¡Un montón de cosas fregonas! Cdrs de Knife City, Quilts, PBK, Evening, De Fenestra y 3” de 7/13 (Moons), D Yellow Swans, Dream Things, Lapdancer, Robedoor y más cosas, muy probablemente, puesto que siempre estoy fastidiando a la gente para que me pase sus discos.”

Uno podría llegar a darse una idea muy equivocada con respecto a X Died Enroute Y Records si se le juzgase exclusivamente tras sólo escuchar un par de las grabaciones que tiene en su catálogo. La disquera de Thompson es otro aspecto muy importante de su trabajo, la cual refleja en mucho su interés por la música de otros artistas y por la gama sonora que se produce en el subsuelo. La variedad es impactante. De los alucinantes y retorcidos cánticos superpuestos de Giggle the Ozone, al divertido metal industrial de Ruinhorse, pasando por el sensacional folk cargado de loops de Our Brother Native y la abierta ofensiva aural de Nkondi, no es difícil apreciar como X Died Enroute Y es más propositiva que muchas otras disqueras en la tradición del cdr.

Como jefe de tu propia disquera, ¿qué requisitos tiene un artista que cumplir para que pueda sacar algo en X Died Enroute Y Records?
“Me tiene que gustar mucho. El artista no debe ser un huesero. Lo que más me agrada es que (los artistas) tengan una vibra propia e ideas y que no sólo estén intentando sacarle varo al sonido de moda.”
¿Qué disco de un artista que hayas publicado en X Died Enroute Y Records con quien no hayas colaborado te ha hecho sentir más orgulloso?
“Giggle the Ozone es encabronadamente bueno. El tipo es un jodido genio loco. También Ruinhorse, definitivamente. Me gustaría que esos tipos ya dejaran de cogerse a sus hermanas y que empezaran a cogerse uno a otro y que hicieran otro fantástico álbum. Definitivamente, más gente debería escuchar los discos de esos cuates que he sacado.”
Con las nuevas tecnologías, los artistas independientes han prácticamente eliminado al intermediario. Esta situación ha tenido buenas y malas consecuencias en definitiva tanto para los artistas como para el público. ¿Cuál es tu opinión al respecto?
“Es genial porque es tan sencillo llevar tu trabajo a la gente. Sólo tienes que ponerte a trabajar y ser creativo con el paquete completo para que se te pueda separar de los otros tantos cdrs en estuches delgados y arte mal impreso. Ese es el problema con los cdrs, cualquiera puede producir algo, así que mucha gente se ha vuelto más escéptica y no dan un segundo vistazo a las cosas porque piensan que podría ser basura convencional. ¡Quizás lo sea!”
¿Qué estarías haciendo de no ser por esta situación?
“¡Siempre puedes usar cassettes! Probablemente me estaría quebrando el culo enviándole demos a toda compañía disquera de la cual pudiera conseguir la dirección.”
Para finalizar, estás por estrenar una caja de cinco discos en Audiobot, ¿qué incluirá?
“Demasiadas cosas. Carlo me convenció de hacerla hace un par de meses, así es que intenté hacerla tan bien y variada como fuera posible. Contiene toneladas de cosas descatalogadas y super limitadas, como lathes viejos, splits, tracks para recopilaciones, un montón de material que jamás fue publicado por una u otra razón y un disco de grabaciones en vivo de nueve o diez shows distintos. Probablemente sea el mejor lugar para comenzar si no has escuchado nada mío. O Soulseek. Lo que sea que prefieras.”

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Discografía Selecta Roxanne Jean Polise:
Una alucinación, una profunda pesadilla de la cual parece por momentos has podido despertar y en realidad nunca lo haces, una caja china, un malestar que ha parecido eterno hacia el final de la noche, eso es ‘Changing Light Patterns of the Underwater Forest’. En apenas poco menos de veinte minutos, Roxanne Jean Polise recrea en este 3”cdr un ambiente portentoso cubierto de pesadas y lentas oscilaciones que pretenden –muy afortunadamente por cierto- fungir como las voces de las aguas oscuras moviéndose entre las corrientes subterráneas y abismales del mundo. Thompson logró preservar la ilusión gracias a la discreta inserción de elementos que realiza. En vez de embotar todo el espectro con frecuencias de todo tipo, cada uno de los instantes del paisaje acuático está adornado y enfatizado por breves detalles.

La segunda parte de ‘Changing the Light Patterns of the Underwater Forest’ rescata la idea de su antecesora aunque confiriendo sensaciones menos intensas. La composición, tanto más abierta, emplea sonidos que reflejan más lunas acuáticas y corrientes que abismos y aguas estancadas. Ésta es una obra con un espíritu vital muy fuerte e igual de poderosa que la primera parte.






A pesar de tener su carga ambiental bastante presente, ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ se aleja de la mera representación material para crear música llena de sustancia y ecos sobre una atmósfera surreal y ensoñada. Durante algún tiempo, la pieza se centra en profundos cristales sonoros reminiscentes de cantos infantiles, cajas de música, espectros maternales. Luego, todo se vuelve lucha. Las frecuencias noiseras entran a combatir con las ambientales y el caos se apodera de la pieza, que se transforma, abruptamente, en un sueño torcido repleto de visiones deformadas. Tras algunos minutos de escucharle, queda claro que ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ es un sube-y-baja emocional, que recurre a la calma, a la introspección, a la catarsis y a la regresión en imágenes sonoras poderosas y constantemente cambiantes. Sin duda una experiencia muy intensa, este cdr para Audiobot es uno de los trabajos más balanceados y completos de la escena reciente.

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Discografía Selecta X Died Enroute Y Records:

Scissor Shock – How To Make a Scream Queen Cream (X Died Enroute Y Records, XDER53, 2005)


Scissor Shock es un esquizofrénico proyecto sonoro que combina elementos de experimentalismo, noise, rock ácido y hasta garage rock con manipulación de cintas y grabaciones encontradas. Muy al estilo de algunos de los momentos más dedicados a los collages sonoros de Nurse With Wound, Scissor Shock ofrece música que no es ni pedante ni artsy-fartsy, sino declaradamente campy, inexpresiva y, sobre todo, absolutamente carente de sentimentalismos.
A través de toda esta densa bruma de inconstancia y debris sonoro hay sin embargo también algunos elementos sumamente persistentes, como son sin duda una buena dosis de sentido del humor y una carga enorme de valemadrismo. Y esto no quiere decir que ‘How to Make a Scream Queen Cream’ no posea sus instantes de belleza. Como en los trabajos de otros asalariados de las pesadillas, como Irr. App. (Ext.), en este cdr hay suficientes momentos rotundos de conjugación sonora como para dejar en claro que estos cuates conocen bien las reglas de su propio juego de shock y terror anti-formal. Totalmente ácido.

Wapstan – Trompe la Mort (X Died Enroute Y Records, XDEY55, 2005)
Wapstan es un proyecto que centra su sonido en el lado más oscuro y frío de los espectros. Su música emplea casi puras tonalidades graves y es de ésas que proyectan una gran calidad de movimiento y dinámica en un plano muy discreto. En abierta oposición a la música de los Pixies, ‘Trompe la Mort’ es un disco cuyo más claro objetivo es romper con la forma estricta. Las piezas son largas y sumamente independientes una de la otra.
Las dos primeras piezas son odas nocturnas, y éstas cantan las notas de los parajes más recónditos y oscuros del mundo. La tercera es una pieza con un ataque más abiertamente tonal y directo, empleando un violento teclado desnudo, apenas redondeado por las atmósferas del ambiente descuidado y sucio.
Hasta este momento, el disco es remarcablemente fuerte, sin embargo, lo mejor apenas está por venir. La pieza que definitivamente se lleva el disco es la cuarta, la cual pareciera ser una suerte de banda sonora para la ilustración de la portada: un paisaje gélido con vientos que soplan furiosos. Los detalles son minuciosos y los sonidos parecen tonos de grises fluctuando a lo largo del paisaje de un blanco estático, ensordecedor.
‘Trompe La Mort’ finaliza con una pieza centrada en los sonidos pesados de órganos, recordando bastante a los trabajos más taciturnos de Coil. Un final adecuado para un disco sumamente intenso y lleno de imágenes y poder.

Lap Dancer/AODL - Carpet Hag (X Died Enroute Y Records, 2005)

Creadores de abrumadoras forjas de estática abiertas y brutales, AODL y Lap Dancer ofrecen en Carpet Hag un terrible, violento split lleno de crueles contorsiones de retroalimentación y frecuencias altas. A pesar de que ambas bandas se puedan ubicar en zonas aurales más o menos igual de extremas, Lap Dancer es claramente más abrasiva y agobiante, gracias a su pulsión por hacer de cada momento un violento vendaval de óxido sónico.
AODL responden más a la cacofonía menos transgresora aunque igualmente violenta y desalmada. Sin duda, ‘Carpet Hag’, escuchándolo a detalle, tiene sus momentos. Desgraciadamente, desde que comienza el cdr hasta que acaba, es casi imposible dejar de pensar que cada fragmento es perfectamente predecible. De lo menos sobresaliente de XDEY, ‘Carpet Hag’ es desafortunadamente un documento de la gratuidad con que algunos proyectos actuales se llevan a cabo.


My Game of Loving -Prolongued Sunlight (X Died Enroute Y Records,XDEY67, 2005)

My Game of Loving muestra el lado más abrasivo del trabajo de Steev Thompson. En ‘Prolongued Sunlight’, el dueto crea atmósferas tanto más portentosas, hostiles y anárquicas, con pulsantes nubes de estática y drone en constante ensanchamiento. Los ambientes van del drone meditativo a la psicodelia en un viaje pesado, hipnótico largo y estático. En ‘Prolongued Sunlight’, My Game of Loving ofrecen un maleable trabajo de amplia carga anímica e introspectiva, el cual se presta incluso al absurdo jugueteo rockabilly del final. Ácido y sobrecargado, este 3”cdr es otra buena sacudida neuronal.


Quilts - Deep Pond (X Died Enroute Y Records, XDEY71, 2005)

Quilts es un combo de improvisación bastante indefinible, lo mismo echan mano de instrumentos acústicos que de secuencias rítmicas pregrabadas y percusiones llenas de efectos. Su énfasis en la percusión, mezclada con ligeros trabajos de power electronics y armonías rotas, parece hacer referencia a antiguos clásicos underground como 23 Skiddoo, A Certain Ratio e incluso SPK.
‘Deep Pond’ transmite una fuerte sensación de descuido, con su música incidental e inacabada serpenteando a lo largo de la grabación. ‘We’ es puro industrial primal abierto y amorfo, ‘Paper Mountain’, un retorno a lo asible, ‘Deep Pond’, la cual da título al disco, una fantástica jam en percusiones volátiles, las gemelas ‘Knees’ son violentas muestras de temperamento. En fin, ‘Deep Pond’ es un álbum que busca y encuentra la más extrema variedad en un sonido paradójicamente cerrado.
Sin duda, el mayor acierto de Quilts es hacer música con un eje percusivo tan fuertemente marcado en una época en la cual el énfasis está puesto, casi inexcusablemente, en la etérea divagación de la electrónica y el drone. ‘Deep Pond’ se siente original y logrado en bruto, pero, sobre todo, diferente. (S.S.)