Loopool - Break, Broken, Broke (Ilse, Ilse 2, 2011)

Sonidos sintéticos dan forma a una procesión de nueve noctámbulos temas en el más reciente trabajo de Jean-Paul Garnier, mejor conocido como Loopool. El andar de estos temas es parsimonioso y tiene por base, en su mayoría, las órbitas de oscuros loops. Las combinaciones impuestas sobre éstos son, a su vez, variables: desde los obligados giros de ingrávidas astillas sonoras puestos en marcha por delays, hasta las cautelosas intromisiones de voces susurrantes y de los graznidos y repiques electrónicos de sintetizadores.
El sonido de "Break, Broken, Broke" podría afiliarse periféricamente al dark ambient en cuanto a que las oscilaciones que lo constituyen remiten a ambientes graves profundos y densos. Aunque esto no debe ser confundido con las obviedades genéricas diseminadas post-"The Place Where the Dark Stars Hang." Loopool parece, en cambio, estar recurriendo a la retórica sónica de artistas como los primeros Nocturnal Emissions, Severed Heads o Coil -sería interesante comparar estos temas con los incluídos en el primer volúmen de la retrospectiva "Unnatural History"- en su creación de ambientes que son tan claramente industriales como atmosféricos. La conformación de los temas es sumamente rudimentaria; la base es clara en su trazado sin caer en las planicies, los overdubs son escuetos y puntuales y la gama tonal es somera. Todo este sincretismo devela un gran esfuerzo en aras de brindar un sonido turbio y granular que remita efectivamente a un ideario sonoro pre-era digital, pre-internet. Es decir, lo que el grupete de Sasha Grey quisiera poder hacer.
Cada vez que escucho un nuevo trabajo de Loopool me resulta obvio que este proyecto surgió en la era equivocada. Su registro y poética decididamente no coinciden con los del resto de los artistas experimentales de estos tiempos; a veces, su enfoque es decididamente inocente, como en el caso de "Preemptive Strike," en su seguimiento obsesivo de un sonido atractivo, otras sumamente cuidadoso siguiendo incisivamente patrones de revival, como en "Irruptions - Dead Mix" o en "Lost in the Murk" y en otras ocasiones siendo llanamente puntual en su producción de cortes deleitables, como en los casos de "Head Kick Headache," o de "How Long Would You Wait in Hell." En "Break, Broken, Broke" no quedan trazas del nihilismo que prevalece en el mundo post industrial, sino una disposición y un afán por buscar y lograr.
Dudo que este trabajo pueda llegar a consagrarse como un clásico algún día, pero, si hay algo que indudablemente puede leerse en esta serie de composiciones es que Garnier cree en el poder de las obras y en la necesidad de confeccionarlas con cuidado y empeño. Con la evidencia encontrada en este álbum, no me sorprendería que Loopool pronto llegara a hacer trabajos que bordearan en lo grandilocuente. Quizás lo único que le hace falta para ello es deshacerse de esa aplastante carga de nostalgia que lleva a cuestas, porque identidad y medios -lo más difícil de conseguir- ya tiene de sobra. Por cierto, buen trabajo en la edición de la joven y prolífica Ilse. (S.S.)

Custodian - The Weight of Tension (Phage Tapes, PT:126, 2010)

Abriendo con un loop totalmente maquinal, Custodian va sumergiendo a su escucha en su explosivo set de dinámicas en "The Weight of Tension." En los intermitentes y abruptos cortes realizados a lo largo de la cinta, los loops van estableciendo las rutas las más de las veces, pero el poder de Custodian en realidad no yace en su fuerza -que de por sí es notable-, sino en las descargas de estruendosos graves que contratacan y muchas veces nublan por completo la composición. Como complemento, el borde agudo es metálico, ácido y en él interviene poco la retroalimentación. El empleo de vocales guturales distorsionadas también es sobresaliente. En general, en la cinta no se dan excesos de frecuencias, pero, con todo, el espectro estudiado en ella se siente bastante completo y contundente. La segunda cara de la cinta, de hecho, avanza con tal precisión que se siente nivelada y secuenciada al grado de la perfección, desandando imaginarios telúricos de ruido y magnetismo usurpado como solo Hum of the Druid lo hace en el tiempo presente.
Con menos de una decena de publicaciones, Custodian se ha mostrado como una de las pocas voces del harsh noise actual que realmente tiene algo que decir. Su producción es muscular, estudiada y perfectamente discernible y, como muestra de ello, el cassette aquí reseñado es perfecto. Esta cinta, en buena medida ignorada ante la avalancha de producciones de HNW que aparentemente ocupa la imaginación de los escuchas de noise, es una referencia obligada. Ataviado en un ingenioso estuche de cartón con serigrafía en interior, exterior y cinta, éste es otro ejemplo de la incansable y generosa labor de difusión que Phage Tapes ha venido realizando. (S.S.)

Blue Sabbath Black Cheer & Irr. App. (Ext.) - Skeletal Copula Remains (Gnarled Forest/Errata In Excelsis, GF42/eie010, 2011)

La relación de trabajo entre los alquimistas aurales Matthew Waldron y Stan Reed ya es algo longeva; con todo, el que unieran fuerzas para realizar un larga duración no deja de ser inquietante. La interrogante de cómo se podrían conjuntar dos rúbricas sonoras tan divergentes es mayúscula; el sonido del proyecto de Waldron, Irr. App. (Ext.) es ampliamente onírico y, en mucho, basado en el pastiche, y el de Blue Sabbath Black Cheer, proyecto de Reed junto a wm. Rage, resulta más bien violento y propiamente harsher, en toda la extensión de la palabra. Aún tras múltiples escuchas de "Skeletal Copula Remains," sin embargo, la respuesta seguirá siendo imprecisa.
Siendo conciso, podría decirse que en este álbum persiste el juego con los implementos del estudio con el que tanto han experimentado Waldron -en su propio trabajo como irr. app. (ext.) y como parte de la actual formación Nurse With Wound- y Reed -en su antiguo y fantásticamente delirante proyecto Broken Penis Orchestra-. La senda que el álbum sigue, al menos en su primera cara, es la de la deconstrucción de lo que parecen decenas de muestras sonoras, de modo que la agresión queda un tanto supeditada aunque latente en muchos de los fragmentos sonoros que fueron hechos pedacitos.
Los dos cortes en la cara A -"Subterranean (Insurgence)" y " Brennschluss --> Extinction "- son temas primordialmente exploratorios. En ellos, voces indescifrables e intrumentos inusuales, sumidos en reverberaciones, son empleados para producir ominosas y extensas proyecciones timbrales. Los instrumentos convencionales también están allí -sintetizadores y guitarras eléctricas- pero su papel parece ser mayormente coyuntural, atando extensiones de sonido con otras o complementando alguna construcción para darle mayor peso. Del mismo modo, las grabaciones de campo están discretamente presentes fungiendo como un bizarro complemento; gruñidos de cerdos y graznidos de aves se posan cuidadosamente entre las tóxicas capas de sonidos grises.
Los dos cortes que forman la cara B de este vinilo son más concretos. La implementación de una secuencia a través de los acordes de una guitarra eléctrica otorga un aire percusivo y constante que se intercala con cuadros más amorfos, abiertos y delirantes. La combinación de una direccionalidad relativamente obvia con la de los vacíos formales de la musique concréte es bastante inusual y podría llegar a sentirse inadecuada, de no ser porque los compositores se tomaron su tiempo para establecer cada cuadro, explorarlo y dejarlo partir. Estos dos temas -"Crawling Eruptions" y "Gluttons," imposibles de desentrañar uno del otro- ofrecen una cara muy diferente de esta unión, una que ofrece un sentir mucho más orgánico y profundo. Las muestras a partir de las que se componen los cortes no resultan tan elusivas ni se sienten tan en necesidad de complementareidad; por sí mismas establecen imágenes y direcciones.
Mis palabras se quedan cortas. Puedo detallar, hasta cierto punto, los sonidos presentes en "Skeletal Copula Remains," pero esta descripción no podría, ni remotamente, enunciar las retorcidas y fascinantes conjugaciones imaginarías que sus registros persiguen. Para eso sugiero observar detenidamente la cubierta del álbum y el enorme póster incluído, diseñados por Reed o el inserto diseñado por Waldron, los cuales hacen de todo el asunto algo aún más significativo. Un trabajo impecable. (S.S.)

RUIDO HORRIBLE: KAYAKA (Japón/Inglaterra), ROLANDO APOLO (Perú) y STALAKTOS (México) en concierto el 30 de Septiembre en EX TERESA

Ruido Horrible se complace en invitarlos al recital de música experimental que se llevará a cabo este viernes 30 de septiembre en Ex Teresa Arte Actual. La entrada es libre:

Kayaka (Kaya Kamijo) es una artista de origen japonés que actualmente reside en Londres y que se dedica a trabajar dentro del contexto de la música experimental y el noise. Su trabajo se basa en la improvisación efectuada a partir de software, circuit-bending e instrumentos tradicionales, así como en la construcción de instalaciones sonoras. Con su particular estilo sonoro, que podría calificarse como psicodélico y trippy, Kayaka se ha presentado en festivales y conciertos en España, Alemania, Grecia, Bulgaria, La República Checa y muchos países más.

www.pigholemusic.co.uk
kayakaofpighole.blogspot.com

Rolando Apolo es un artista peruano cuyo trabajo audiovisual está basado en el uso de tecnología lo-fi y el reciclaje electrónico en prácticas como el circuit bending y la fabricación de herramientas caseras, utilizando transductores, osciladores y sensores, además del procesamiento de señales en entornos de programación gráfica.
En solitario y como miembro del colectivo TRIAC ha sido invitado a participar en eventos artísticos de diversa índole tanto nacionales como internacionales, ofreciendo conciertos de música experimental, sesiones stream, exposiciones, ponencias y dictado de talleres relacionados a la electrónica y el arte.

myspace.com/rolandoapolo

Stalaktos, proyecto musical de los hermanos Carlos y Marco Fierro, se remonta a 1993, cuando ambos participaron en numerosos proyectos de death metal, hardcore y jazz. Como Stalaktos, la música del dueto evoca pulsos electromagnéticos espontáneos, inmersivos y hasta subsónicos que emergen desde el subsuelo. Sus exploraciones prescinden de los genérico y se remiten a una amplia variedad de contextos sonoros, donde la pasión dicta la ruta a seguir.

stalaktos.com
myspace.com/stalaktos

K2 - Isodoping (Robert & Leopold, R&L013, 2011)

En estos días, K2 ha regresado a sus antiguos afanes prolíficos, editando seis álbumes en cinta y cd en apenas un par de años. Y a pesar de que lo prolífico en más de una ocasión se encuentra peleado con la calidad (sólo hay que pensar en las abrumadoras y no necesariamente excelsas direcciones que han tomado las carreras de Nurse With Wound, Merzbow y Boris, por ejemplo), es un hecho que pocos ruidistas hoy en día tienen la capacidad de producir harsh noise tan perfectamente invasivo y completo como Kimihide Kusafuka. En esta cinta, sobriamente editada por la aún joven disquera Robert & Leopold, no hay más que eso exactamente:
"Pollution Game in Secret" es una pieza de harsh noise que sorprende por cáustica, basada en la distorsión y complementada por violentos exabruptos; su sonido es absorbente y abarca terrenos extensos. Pero sus planes son ésos de morir joven y dejar un bonito cadáver; apenas tras poco más de un par de minutos, el tema se desintegra, dando paso a la parte más extensa y compleja de este trabajo. "Level 7" es un intenso track de más de 20 minutos de hiriente, hiperquinético ruido que corre veloz y ágilmente entre flujos de distorsión modulada y estrepitosas paredes de silencio. La gama sónica de la cinta se concentra en los medios, provocando un estruendo físico enervante; aunque, eso sí, las secciones baja y alta no quedan jamás inexploradas. La amalgama de cortes de ruido de K2 es dinámica y ácida; su sonido no tiene nada de psicodélico; en "IsoDoping" no hay tiempo de viajar, uno solamente puede sentarse a someterse a golpe tras golpe de férreas descargas de noise brutal.
Al método de composición de "Invisible Terrors in Fukushima" -tema que cubre la cara B- lo delata el frenético ritmo de la grabación con que comienza; la manipulación de cintas se hace evidente como el complemento a los inconstantes bleeps de electrónica en pleno abuso y a los frenéticos cambios de parámetros. El método de K2 aquí es uno de los clásicos en la constitución del harsh noise; la abrupta, casi aleatoria reconfiguración de segmento tras segmento de abuso sonoro en una suerte de collage extremo. A lo largo de la extensa pieza no existe nada a que asirse entre la furiosa tormenta de escombros de ruido blanco, saturaciones plenas y efectos desbocados. Kusafuka explora plenamente todo el rango aural en este tema, subiendo y bajando, cortando y pegando, dejando libre y sellando, contagiando como plaga una extrema sensación de ansiedad y frenesí.
Estilísticamente, "IsoDoping" es sumamente diferente de los trabajos por los que K2 es más conocido, aquellos en que el abuso sonoro de piezas de chatarra es más común; esta cinta guarda mayor semejanza con trabajos recientes como "Abdominal Electricity," en el cual el sonido delata el permanente empleo de efectos, sintetizadores y generadores de ruido. Sólo que esta cinta es aún superior. "IsoDoping" es un fantástico testimonio del paulatino resurgimiento de uno de los grandes del noise, un antídoto a la indolencia de otras planicies genéricas. (S.S.)

Cultus Sabbati - Descent into the Maelstrom (Buh Records, BR28, 2011)

"Descent into the Maelstrom" de Cultus Sabbati me resultó sorpresivo de principio a fin. Al comenzar a escucharlo, me parecio que no se trataba de una muestra más de drone de mediana/baja calidad. Y es que la abridora "Adrift at Sea" me resultó, sin más, plana, vaga, sin sentido. Afortunadamente, la subsecuente "Walls of the Abyss" casi inmediatamente comienza a dibujar algo más interesante. Vocales susurradas saltan inesperadamente del fondo a la superficie; guitarras se destienden discretamente acumulándose en su espesura mientras oscuro feedback, grueso y trepidante, repta enorme a través de la pieza, asentándose, consolidándose, dominando, devorando.
A pesar de la obvia proyección lo-fi, a cada instante se hace evidente la direccionalidad incontenible a la que este grupo se suscribe, combinando adecuadamente elementos de noise, doom sumamente trastocado, dark ambient, power electronics y drone para forjar una proyección redonda y totalmente orgánica -realmente me sorprendería descubrir que hubiera habido mucho tratamiento/edición a los originales-. Pero lo más sorprendente, en realidad, es cuán únicos suenan.
Los temas de Cultus Sabbati son eminentemente físicos, buscando una crudeza directa y una corporeidad inmediata. Sus composiciones son manifestaciones oscuras, fantasmas electromágneticos cobrando forma escuetamente. Sus sonidos no fueron creados, sino invocados.
La espontaneidad de Cultus Sabbati puede rastrearse, por ejemplo, en un corte como "Tempest Edge" y en algunos de los despegues y aterrizajes de las piezas, los cuales dejan entrever que la estructura de los temas -afortunadamente- no está pulida al cien.
En consecuencia valdría la pena comprender este trabajo como una selección de momentos álgidos, basados en las fortalezas de la banda. Entre estas fortalezas, sin duda, puede rastrearse un carácter compulsivo, una persistencia sonora casi enferma. El tema que da nombre al disco, por ejemplo, evidencia un enfoque instrumental obsesivo, rayano en la manía. Su descenso es profundísimo, abisal y su resultante es totalmente mesmérica. Pero, bueno, así es casi todo el disco, de cualquier modo.
Tenía tiempo que no me topaba con un disco que fuera bueno, precisamente por espontáneo; "Descent into the Maelstrom" es un buen augurio, definitivamente. Hay que mantener la fe. (S. S.)

Militia - Power! Propaganda! Production! (Neuropa, NRP29, 2011)

"Power! Propaganda! Production!" es el trabajo que lentamente parecía irse delineando a partir los más recientes trabajos compilatorios de Militia, esa anacrónica delicia marcial-industrial proveniente de Bélgica y liderada por Frank Gorissen. Como podría esperarse, la mera existencia de este trabajo resulta paradójica, mostrando al sexteto enarbolando una especie de idealismo izquierdista eco-anárquico, el cual resulta inequívocamente manchado por la tinta indeleble de códigos de barras, maquilas y herramientas de distribución. Y aún con el cinismo que implica tomar estos inevitables detalles en cuenta, la ingenuidad y la energía de este álbum me parecen refrescantes, un afortunado elíxir contra el desbordante pesimismo que sacude al mundo y, particularmente, al de la música post-industrial.
Militia remonta sus orígenes a mediados de los noventas, iniciando precisamente en la época en que los estandartes de la izquierda industrial -siendo los más obvios Test Dept.- comenzaban a decaer. Leyendo la entrevista que Mikko Aspa hizo a Gorissen para el último número de Special Interests, podría incluso parecer que el líder de Militia no está plenamente consciente del final de aquella era, sosteniendo su afiliación a un movimiento entrañable, pero decididamente muerto. Y es mediante este idealismo -o necedad- que Militia produce este álbum, por el cual no pasa filtración alguna de drone, noise o de los soundscapes más característicos de la música post-industrial actual. Lo que queda en cambio es un álbum que es sólido, sin espacio ni calma para devaneos, y que resulta eminentemente musical, con temas basados en un inflexible modelo compositivo que por algunos momentos se siente torpe, cansado y que en algunos otros ayuda a producir deleitosos instantes de genialidad.
Algunos temas de "Power! Propaganda! Production!" resuenan a los presentados en producciones anteriores de la banda. Sus loops, sus elementos propiamente musicales, si no son los mismos, al menos establecen una triste recurrencia. Las limitantes características de los anteriores trabajos de estudio de Militia persiste aquí; la línea central viene dictada por el poderío percusivo de la banda y las vocales secas y militantes de Gorissen, pero las líneas melódicas se basan en formulas exhibidas hasta el hastío. Como muestran apabullantemente sus producciones realizadas en vivo, Militia se trata primordialmente de una banda que debe apreciarse en directo; es más que evidente que su potenciación no ha sido, hasta el momento, propiamente capturada en estudio.
Temas como "Cash, Crash and Crisis" -pieza instrumentalmente eficiente, pero entumecida por el excesivo uso de consignas-, " Üb Immer Treu Und Redlichkeit" -tema en el cual el acompañamiento electrónico musical es tan llano que debilita la potencia de lo percusivo- o " A Kite Of Glass In A Blood Red Sky" -el cual parece haber sido compuesto por números- son muestra de las dificultades que Militia aún debe superar. Por otro lado, aquellos temas en que la banda se decide a imprimir su identidad con mayor fuerza son decididamente fascinantes. "Power to the People," con su prístina representación del brillo metálico de los instrumentos que aporrean y la cuasi tribal gravedad de sus tambores, tiene una dinámica cuando menos contagiosa. El empleo de sampleos en su construcción es rudimentario y reminiscente de la época de más exposición de las bandas post-industriales. La subsecuente "Power! Propaganda! Production!" busca ser igual de entrañable e indudablemente logra, mediante su hipnótica mezcla de ambientes y repetición mecánica, atrapar la atención del escucha.
"Power! Propaganda! Production!" probablemente no sea el mejor álbum de la banda ni el más logrado dentro del género. Pero con todo, posee una cierta pureza sónica, una paradójica ingenuidad en plena era de la comunicación que hace que su proyección sea más que afortunada.
Un regreso más que bienvenido. (S.S.)

1. Dave Phillips, Mark Solotroff y Los Heraldos Negros en ExTeresa

2. Nuevas producciones: Karkowski+Galarreta+Paruro, Prisionero13 y Vulgar Disease

3. Dave Phillips en gira mexicana/latinoamericana junto a Rolando Apolo, David Kontra, Jaime Lobato, La Función de Repulsa y más.

4. La Función de Repulsa en el MUAC de la Ciudad de México

1. ruido horrible se complace en invitarlos al recital de noise, performance y música experimental/extrema que se llevará a cabo el día 1ero de septiembre en Ex Teresa Arte Actual (Licenciado Verdad 8, Centro Histórico, a un constado de Palacio Nacional, Metro Zócalo) a las 20:00. La entrada no tiene costo. En este evento participarán los artistas Dave Phillips, Mark Solotroff y Los Heraldos Negros. Acontinuación, una breve semblanza de sus carreras.

Dave Phillips es un artista suizo que ha sido parte, desde mediados de los años ochentas, de las escenas hardcore y noise, tanto en sus proyectos dentro de la comuna Schimpfluch-Gruppe como en la banda Fear of God. Para su presentación en este recital, Phillips realizará una acción física y confrontacional, cuyo objeto es comunicar visiones, preguntas, pensamientos y críticas existenciales, íntimas y personales a niveles sociales, personales y globales a manera de catarsis humanística y polémica, una curación chamánica basada en el espíritu de lo empático.

www.tochnit-aleph.com/dp/

Mark Solotroff es un artista que reside en Chicago y que desde 1984 realiza sus obras a partir de medios visuales, sonoros y performáticos extremos. Solotroff es fundador de las legendarias agrupaciones de power electronics, noise y doom Intrinsic Action, BLOODYMINDED y Anatomy of Habit. En su método performático, Solotroff crea patrones sonoros a partir del uso y abuso de feedback y loops empleando nada más que su voz, un puñado de micrófonos y un sistema de direcciones públicas.

bloodlust.blogspot.com

Los Heraldos Negros de México D.F. es un proyecto sónico que aborda la acusmática a partir de una diversidad de herramientas, tales como el empleo de grabaciones de campo (field recordings) y grabaciones encontradas (found recordings), el looping y el sampleo. Los Heraldos Negros conformará una composición mezcla de catarsis e invocación, abordando la temática de la violencia, para lo cual hará empleo tanto de proyecciones como de material sónico cuya base provenga de contextos de este tipo.

myspace.com/heraldosnegros

Para más información, visita ruidohorrible.blogspot.com o la página de Facebook del concierto.

2. En este concierto, además, ruido horrible estará presentando 3 títulos nuevos de nuestro catálogo:

rh060/alo33 Zbigniew Karkowski + Christian Galarreta + Paruro - Ruido al Paso 1 DVDR. Este dvdr documenta la colaboración entre estos tres experimentalistas llevada a cabo a lo largo de distintas ciudades del Perú y contiene video, audio, fotografías y escritos explicativos del concepto del Ruido al Paso. Primera colaboración entre Aloardi y ruido horrible.

rh065 Prisionero13 - Reporte de Guerra CDR. Violento y cáustico debút del proyecto de power-electronics/harsh-noise mexicano Prisionero13, retratando la enfermiza espiral de violencia que sacude a México a través de audio robado de narcovideos, narcocorridos y furia vocal y ruidística.

rh066 Vulgar Disease - Peyote CDR. Fascinante y delirante proyecto de experimentalismo que circunda las periferias del dark ambient y el noise. Pueden escuchar una muestra de este intoxicante trabajo aquí.

Próximamente: Francisco Lopez + Jorge Reyes, Kikiilimikilii, Isidro Reyes y Tica.

3. Dave Phillips también se estará presentando en una gira a lo largo de Latinoamérica, con varias fechas en México.

El día 2 de septiembre se estará presentando en un recital más directamente performativo junto a Rolando Apolo (Perú) y Jaime Lobato (México) y David Kontra (México) en Volta. Para más información da click aquí, o visita la página oficial de VOLTA.

Desgraciadamente, el concierto en Toluca ha sido cancelado por cuestiones logísticas.

Información acerca de los conciertos en Tamaulipas puede encontrase aquí. Éstos se estarán realizando el día 3 de septiembre (junto a La Función de Repulsa, Deathcrush, Disgoreanized y Cielo / Infierno!) y el día 5 en la Cineteca del Centro Cultural Tamaulipas.

El 8 de septiembre, Dave regresa al D.F. para presentarse en el Centro ADM.

Finalmente, el 9 del mismo mes, se presentará en la Galería 904 de Mérida, Yucatán, y el 10 en el Museo Macay.

A continuación un detalle (no muy actualizado) del tour.

4. Finalmente, me gustaría invitarlos al concierto que se estará realizando el día 27 de agosto, con la Legendaria banda tamaulipeca La Función de Repulsa en el MUAC de la Cd de México, junto a Huixtralizer. El costo de la entrada es de $100

ruido horrible

s.s.

Entrevista a Christian Galarreta por Jorge Gutiérrez

(elec(hrs)tromagnetismo - Homenaje a lo efimero
31-05-2010 México DF - Fabian Cadenas)

Jorge Gutiérrez, conocido en la escena tijuanense por su trabajo con Claudia Morfin, tuvo ocasión de entrevistar a Christian Galarreta justo antes de que éste partiera hacia Europa el año pasado. Jorge generosamente ha decidido compartir esta entrevista con ruido horrible; así que, sin más preámbulos, aquí queda con ustedes. Agradecemos a Jorge y a Christian por la entrevista así como a Fabián Cárdenas y a Sabrina Melenotte por las fotografías que han servido para ilustrarla.

Entrevista a Christian Galarreta (Perú)

Conocido por ser un transgresor estocástico y caudillo laptopero, para Christian Galarreta la creación sonora es una forma de desobediencia y reorganización social.

Explorador sonoro, artesano del ruido/silencio y uno de los compositores de la música contemporánea más arriesgada de Latinoamérica, podrían ser solo un puñado de etiquetas demasiado complicadas para un personaje como Christian Galarreta (Perú, 1976), para quien lo único importante es el poder crear música y vivir todo el tiempo metido en eso sin que lo de afuera lo toque. Como resultado de esa búsqueda y desde 1995 el peruano es responsable de facturar más de 50 producciones en sellos disqueros de todo el mundo, ya sea en colaboración con otros artistas, así como en solitario. Galarreta es reconocido por protagonizar la escena experimental limeña desde los noventas hasta la fecha con tres de sus proyectos más importantes: Dios me ha violado; Evamuss; y Tica, entre otros. Es fundador del sello independiente Aloardi, una comunidad de artistas multidisciplinarios que se dedica a promover la investigación del sonido y la cultura tecnológica. Actualmente se dedica a la exploración de interfaces y sistemas autorregulados plasmando de esta manera abismos de ruido y silencio mediante el aprovechamiento del mal funcionamiento de los aparatos, la fabricación casera de instrumentos sonoros y la inducción controlada de error en el software.
Luego de una residencia en la Ciudad de México, otorgada por haber ganado el premio 2008 por su instalación sonora Amarus, junto a 33 trabajos más dentro del marco del primer concurso Residencias Artísticas de Iberoamérica, aprovechamos para hacerle una entrevista antes de su partida hacia el viejo continente.

Jorge Gutiérrez: ¿Cómo fue que descubriste que tu lenguaje personal estaba en el sonido, en la música?

Christian Galarreta: Primero, mucho antes de hacer música, ya estaba experimentando más que nada con mi vida. Desde mi adolescencia la búsqueda siempre fue como una actitud ante la existencia. Siempre había una búsqueda muy fuerte hacia algo, no sé qué pero creo que era simplemente la búsqueda por sí misma, ya sea desde algún aspecto de la creatividad o desde la autodestrucción como una experiencia total. Fue así que encontré en el sonido un refugio ideal en aquella época.

JG: ¿Dos de tus proyectos anteriores más representativos Dios me ha violado y Evamuss, fueron desde los noventas una consecuencia de esta búsqueda de la que nos hablas? ¿Qué los hace diferentes al uno del otro?

CG: En realidad los nombres de los proyectos no importan, todos son lo mismo, son simples palabras. Uno va creciendo y evolucionando. En cuanto a Dios me ha violado, el nombre lo eligió un amigo al ver una frase que escribí en las paredes de un cuarto al que le llamábamos La Fábrica de Sueños. Era una habitación en cuyas paredes buscaba generar las atmósferas que busco también en el sonido, un lugar muy vaporoso, con las paredes pintadas en tintas rosadas, como entrar en las nubes, en otro estado de conciencia. Lo de Evamuss vino después. Había muchos problemas en esa época, yo quería hacer una banda con Dios me ha Violado pero eso era imposible no solo por lo económico, estaba el problema de los instrumentos, también había que buscar a la gente, reunirse a ensayar, entrar a un estudio de grabación, etc. Poco después, en esa búsqueda de poder plasmarlo todo y con los pocos recursos que tenía empieza a nacer Evamuss. Solía decir en ese entonces que yo era como una oruga, una crisálida que una vez que tuviera la posibilidad de experimentar más me convertiría en una mariposa. Hubo un proceso entre estos dos proyectos, una metamorfosis, aunque al final el sonido y la búsqueda venía siendo lo mismo.

JG: ¿Cómo explicas el proceso de maduración en el sonido de Evamuss a través de sus seis producciones?

CG: A medida que iba conociendo gente que valoraba la música que estaba creando en la época de Evamuss, también me iba animando más a publicarla. Por ahí fue donde salió el contacto con Peter Rehberg (jefe del sello austriaco de música electrónica experimental Mego). Empezamos a intercambiar tracks, el pata me dio mucho valor ya que yo sabía lo arriesgado que era su sello. Fue así que me di cuenta que estaba haciendo muchas cosas en esa línea pero que por alguna extraña razón no me había animado a publicar. Aunque en el disco Noika-koita (1999) hay un gran avance con respecto al E.Muss (1998), la forma de trabajo sigue siendo muy primitiva, todo lo que se oye ahí está grabado en directo, lo ensayaba y lo ensayaba hasta que quedaba, entonces me ponía a grabarlo. Por lo menos hasta el Puertas de ruido (2000) de todo lo que se escucha nada está secuenciado. Yo era mi propio secuenciador, creaba algo así como momentos y pedazos de sonido.

JG: Noto un propuesta sonora muy especial en el disco Noika Koita, de hecho he escuchado comentarios y comparaciones con algo que va más allá de lo que hacía Autechre y Experitental Audio Research (E.A.R) en alguna época. Con qué medios tocabas en ese entonces, con qué equipo estabas produciendo tu música?

CG: Era un casiotone de juguete; un par de pedales DOD (por cierto muy malos pero que a mí me servían muy bien); un flanger; un chorus; y un distortion. Estos pedales iban conectados al tecladito. La idea era sacar sonidos como de synthes ya que comprar un sintetizador era imposible, así que de ese modo me hacía de mi propio synthe poniéndole filtros o efectos. También me construí algunos amplificadores y algunos potenciómetros para variar ciertas dinámicas.

JG: Y en qué momento surge la transición entre Evamuss y esto que estás haciendo actualmente ya con tu nombre de pila, ósea como Christian Galarreta?

CG: La palabra Evamuss era como pensar en sonido. En esa época todos los títulos que inventaba eran como piezas sonoras. Me gustaba hacer como poesía, palabras que al pronunciarlas no te llevaran a ninguna parte. Entonces Evamuss salió así, el nombre representó lo que se percibe en el sonido del proyecto. Pero llegó un momento en que me di cuenta de que Evamuss me estaba encerrando en algo, en ciertos patrones que me estaban aburriendo, estaba dejando de lado el riesgo. Decidí entregarme a la experimentación del sonido por sí mismo, a explorar más en las referencias del ruido que en crear canciones. Me arrojé a eso y cambié de nombre, fue más práctico, al final la idea era evitar encasillar el sonido. El nombre del proyecto es solo para situarme en un momento específico. Para mí la música es lo mismo en Dios me ha violado y en Evamuss. En Christian Galarreta todos mis proyectos se reencuentran. Siento que todo está sucediendo ahí al mismo tiempo.

JG: ¿La instalación sonora y el field-recording, es también otro lenguaje en tu trabajo, otra forma de abordar el sonido?

CG: Es parte de lo mismo. Lo he estado haciendo desde hace mucho tiempo, solo que antes no tenía grabadoras. Desde que tuve un mini-disc en mis manos y empecé a escuchar las cosas que nos rodean, me tiré a grabar. Por ejemplo, para el disco E.Muss, de Evamuss, me iba a los parques a escuchar a los cuclillos. Me influyó mucho el sonido de esos pájaros que en las tardes limeñas hacen como una atmosfera, una textura especial en loop, imagínate varios de esos pero superpuestos uno encima del otro, te crea una situación interesante ahí. En el primer track del disco E.Muss hay unos sonidos parecidos a eso, supongo que si entonces yo hubiera tenido una grabadora lo hubiese registrado ahí mismo. Solo es eso, ahorita estoy utilizando guitarras más etéreas porque he tenido la posibilidad de hacerme de un efecto que antes no podía comprarme. Creo que la clave es llegar a algo y cómo entonces lo plasmas así, como puedas, con lo que tengas a la mano. Son las circunstancias y cómo ellas te van marcando la pauta.

JG: ¿Qué tanto te ha influido radicar en el DF? ¿Qué papel juega el DF en ti como individuo creativo?

CG: A diferencia de la ciudad de donde vengo, aquí sí se puede acceder a ciertas facilidades para hacer música. Algo muy importante para mí es el caos que hay en esta ciudad. El nivel de autogestión que puedes tener en el DF es importantísimo. El hecho de poderte escapar del control de las instituciones culturales y usarlo para tus fines es buenísimo. También el cielo del DF me gustó muchísimo, la lluvia, su relación con la naturaleza a pesar de ser una urbe tan jodida. La Ciudad de México tiene una energía muy especial. También está la relación que he ido haciendo con muchas personas de por acá, por ejemplo con la gente del colectivo Ruido Horrible, así como con Rogelio Sosa del Festival Radar y Héctor Flores quienes trabajan desde el lado institucional.


También algo bueno fue alejarme de Lima, el estar lejos y renunciar a ciertas comodidades me dio mucho valor para aprovechar esa lejanía de una forma más creativa porque ahora Lima se me hace más presente que nunca, pero no en una forma de nostalgia, sino como una especie de abstracción real que se convierte en sonidos, busco mucho el mar en los sonidos que hago, lo extraño mucho pero sé que puedo hacer mi propio océano aquí encerrado en mi cueva.

JG: ¿En el momento de estar creando música, en dónde estás ubicado espiritual, mental y físicamente? ¿En qué piensas cuando construyes, qué es lo genera tu creatividad?

CG: Yo creo que todo está en lo físico, en el contexto físico del sonido. Se trata de poner en jaque a la realidad y a nuestra percepción por medio de él. En mi opinión todo lo demás y cualquier conclusión posterior deriva de esa relación que se retroalimenta.

JG: ¿Cuáles son los discos que más te han influido?

CG: Es una pregunta difícil. Definitivamente My Bloody Valentine, pero no solo el Loveless, también está el Isn´t anything y todos sus Ep´s. Hay una revelación total ahí. Lo tenía en cassette y lo tocaba en una grabadora muy mala, entonces yo no sabía si sonaba así porque estaba descompuesto el cassette o por otra cosa. Es una banda que me hacía pensar en mi estado presente en relación con el sonido. Antes, en mi adolescencia, fue el Appetitte for destruction de Guns n´Roses. Todavía me sigue gustando mucho ese disco. Me gustaba su actitud y una cierta fuerza en su música, aunque ahora se hayan vuelto unos imbéciles. Últimamente he estado escuchando mucho el Fantasma Parastasie de Aidan Baker (guitarrista de Nadja) & Tim Hecker, ese disco está increíble. Dos discos que me reventaron algo en cierta época fueron el Bloweyelashwish de Loveliescrushing y el Soccour de Seefeel. Por otro lado también está la chicha (cumbia peruana) y el huayno (música tradicional andina), que aunque es una música que no escucho muy seguido es algo a lo que siempre vuelvo porque crecí rodeado de esos sonidos. Inclusive cerca de mi casa siempre había grandes conciertos de huayno y me llegaban por el aire esas armonías andinas pero en forma de reverberación, esto me causaba ciertos efectos psicodélicos cuando niño. Pensaba en el sonido como una entidad, como un ser que volaba, un alebrije o un ser imaginario que me invitaba a otro mundo. De hecho he remezclado arpas andinas en mis discos, muy influido por aquellos sonidos.
Creo que a esta pregunta podría contestar citando a personas, grupos o proyectos, en ese caso tendría que mencionar a: Fiorella16 y Jab Lemur, quienes sacaron un disco juntos llamado “Atomic” el 2008 , aprecio el trabajo que hacen individualmente ellos también. El trabajo de organización que esta haciendo Marco Valdivia con su festival ASIMTRIA en Arequipa, igual el que hace en Rancagua (Chile) Sebastian Ortiz y Amigos de la Contaminacion Sonora. Las plataformas autogestionadas y bandas que mueven en México Antonio Rotuno (Taladro, Genital Records, La Función de Repulsa) y Sergio Sánchez (Ruido Horrible, Los Heraldos Negros, Amniosis) . Admiro mucho la composición algorítmica de Luis Enriquez Pelucho de Ecuador , lo escuché dos veces en vivo y fueron muy interesantes las texturas , estructuras y los niveles de interacción que manejaba...igual hay que hechar el ojo/el oido a la movida de música experimental independiente ecuatoriana. Hay mucho de lo que no te enteras por Internet a primera vista. Desde hace mucho admiro el trabajo de colectivos como APO33 (Francia) y el trabajo individual de ex-miembros y miembros actuales de Aloardi como Gabriel Castillo, Felipe del Aguila, Alejandra Pérez, Dennis Pastor. Además de la influencia que ha ejercido en mí la actitud personas tan especiales como Fabiola Vásquez, Walter Peña, Wilder Gonzáles y ahora último Sabrina Melenotte. Mención aparte se merece la movida de Rock Subterraneo de los 80, Silvania y la movida de Hip Hop independiente peruano.

JG: En cuanto a literatura. Qué libros has leído que te hayan marcado?

CG: He leído bastante filosofía alemana, me gustan específicamente Nietzche y Horderlin. Ahorita estoy clavado con Blanca Varela y Eielson. Ha sido un redescubrimiento porque ya los conocía pero no los había valorado antes. Blanca Varela es una escritora peruana muy valiente para enfrentar esta cosa que tenemos enfrente cuando estamos solos con la realidad y lo escribe sin tanta cursilería, te voltea la torta, te coloca, es muy bacán su trabajo.

JG: Cuál es tu opinión sobre las nuevas generaciones de músicos o artistas que están haciendo cosas en Perú actualmente?

CG: En lo que se refiere a musica experimental o afines hay cosas muy interesantes, como lo que hace una banda llamada Puna. También está Fabiola Vázquez, con quien formé el proyecto de etheral-noise-pop: Tica. Ella está actualmente haciendo un proyecto con uno de los integrantes de Puna. Hay en ellos una búsqueda de un sonido propio, una mezcla de viejas influencias pero dirigidas hacia otra cosa distinta. También algunos de los que formaron parte del colectivo Crisálida Sónica, ahora están haciendo cosas más radicales como Wilder González, quien produce y difunde constantemente lo que sucede en el underground peruano o lo que hizo Daniel Caballero con su proyecto Paruro. Los proyectos intermitentes que aparecen en provincia como Fiorella16 o Ragholetis Fractal de Arequipa. Los experimentos en computer music e interfaces interactivas de Jaime Oliver. Tambien entre las bandas que está moviendo Buh Records puedes encontrar algunas cosas buenas. Hay muchísima gente activa en Perú, gente nueva con un lenguaje fresco como Jab Lemur o Dennis Pastor. Creo que en general hay como una actitud hacia el riesgo, ya que no hay mucho que perder en realidad; lo haces como puedes, con lo que tienes y al final arriesgas más porque no es premeditado, así es como te nace. No hay metas ni compromisos comerciales u otros intereses que vayan más allá del hacer/ser.

JG: ¿Cuál es tu opinión con respecto a este nuevo auge o creciente interés por el "arte sonoro", el ruidismo o la música experimental?

CG: En cierta forma supongo que eso funciona en la medida que sirva para promover el trabajo de algunas personas que nos dedicamos a ello y si eso también sirve para poder darnos de comer, pues todavía mejor. Creo que etiquetar nuestra obra como un "arte" me parece muy reducido, discriminador y castrante. Para mí esto no se reduce a lo estético, al "buen gusto" o a enaltecer el "espíritu humano". Para mí esta relación que tengo con el sonido es una forma de vida, una manera de asumir la vida cotidiana y de evadir ciertos atavismos que nos hemos creado los seres humanos o que nos inculcan desde la niñez a través del lenguaje, la educación, los medios de comunicación, el entretenimiento, la moral, la arquitectura, la música, etc.

JG: ¿Cuales son tus próximos planes?

CG: Actualmente estoy tratando de terminar algunos discos que publicaré en colaboración con otros artistas. Espero también hacer presentaciones y algunas instalaciones en Europa que me den cierta estabilidad económica para seguir haciendo lo mío. Ahora me encuentro trabajando en nuevos tracks para Tica (dúo con Fabiola Vásquez de Perú), en la música de Miasma (banda de noise-doom que formé en el DF con la gente de Amniosis) y estoy produciendo el EP de Ninguna Ninfula (dúo con Sabrina Melenotte de Francia) proyecto con el que también espero poder dar algunos conciertos pronto en París. La verdad prefiero no hacer muchos planes, eso nunca funciona del todo para mí.

Gregg Kowalsky - Tape Chants (Kranky, KRANK131, 2009)

Gregg Kowalksy es un droner que abiertamente le profesa amor a las cintas. La generación de su material sonoro la realiza a partir de cuidadosas combinaciones de grabaciones reunidas en este medio. Los resultados de sus manipulaciones, como pudieron evidenciar quienes asistieron a su reciente presentación como parte del Festival Aural de este año, no tienen mucho que ver con la preservación de un ideal lo-fi, sino más bien con la cuidadosa exploración de las texturas siempre mutantes en su persistente degradación de las cintas magnéticas.
"Tape Chants" reúne seis sentidas invocaciones a Morfeo, construidas a partir de la lenta y minuciosa sobreposición de los registros contenidos en los cassettes. Las herrumbrosas expresiones de los magnetófonos se alían, poco a poco, a los recónditos bajos emitidos por motores, osciladores y sintetizadores en un murmullo profundo, gigantesco, paralizante. Breves destellos de melodías adornan cada pieza, pero la constante es esa brillante sierpe tonal, invariable, como si se tratara de esa espectral musicalidad que a veces puede arrancársele a los resuellos de máquinas cansinas, a cables que zumban delirantes, a las voces de tuberías que murmuran distraídas. "Tape Chants" devela con dulzura la belleza incorpórea de los fantasmas del electromagnetismo, de la música que se escapa a través de las paredes y que con sus musitaciones nos arranca los pensamientos. (S.S.)

Le Syndicat - Propagation (BKO Media/La Nouvelle Audience, BKOMCD02/LNA-E-004, 2010)

"Propagation" comprende el regreso definitivo del combo francés Le Syndicat tras más de una década sin editar un trabajo original de larga duración. Para quienes no estén aún familiarizados con el grupo, baste señalar que se trata de uno de los fundadores del sonido industrial hacia principios de la década de los ochentas. Dueños de una rúbrica sonora sumamente cruda y aguerrida, Le Syndicat produjeron cintas como "Relikat," "Corrumpate," "Rectitude" y mucha otras, que hoy se consideran clásicas del sonido industrial más transgresivo y primordial.
La edición en 2007 de la antología "Broken Flag: A Retrospective 1982-1985" le brindó a Le Syndicat, una inesperada fama, al presentar a una nueva generación una excelente selección del trabajo que la banda produjera para la legendaria disquera de Gary Mundy. La banda parece haber sabido aprovechar esta súbita popularidad, estableciendo su sitio web, organizando una serie de presentaciones en vivo, reeditando algunos trabajos y, finalmente, decidiéndose a crear material nuevo. Y aunque se vuelve evidente al escuchar este nuevo trabajo que hoy en día no persiguen sus fines con la misma beligerancia sónica, Le Syndicat deja claro con "Propagation" que se trata de un grupo que preserva y madura sus inquietudes artísticas y que es claramente capaz de producir obras sónicas perfectamente contundentes y vitales.
"Propagation" muestra a una agrupación que accede a toda una variedad de recursos para conformar sus trabajos: ninguno de los elementos empleados en su composición se vuelve permanente en su forma de ejecución sino que todos se establecen como herramientas pasajeras en la confección de un diseño complejo y constantemente cambiante. Desde la profundidad con que arremeten con el track abridor "1002 Nights" -con esos graves que parecen provenir de explosiones desde el subsuelo y la eventual conformación de un paisaje ruidista que mezcla percusiones metálicas con voces radiofónicas y un estremecedor collage de choques, sirenas y explosiones- se puede ver que Le Syndicat va en serio. Sus intrincados diseños de recurrencias, abruptos cortes, lúgubres atmósferas y desbordadas descargas de pastiches hacen de cortes como "Truth" o "Effondrement" inquietantes ejemplos de un quehacer sónico taciturno, perturbador e incluso absurdista pero, eso sí, sumamente cuidado.
Otros cortes, como "Cable" o "Do You Sleep?" son atisbos a un mundo totalmente mecanizado, delirantes fantasías industriales en donde la respiración humana o los trinos de aves se convierten en visiones de un engranaje más de un sistema milimétricamente exacto. La realización de estas pesadillescas imágenes sonoras es generada a traves de todo tipo de documentos sonoros, desde el empleo directo de instrumentos musicales y la amplificación de objetos inusuales, hasta la utilización de grabaciones de campo y la modificación de voces anónimas. Le Syndicat incluso se atreven con un contagioso remix de "Truth" en la más pura vena de Test Dept., dando un breve respiro al escucha que desande este delirio ruidista.
La colosal masa de detritos que es "Propagation" queda así conformada como un esquivo delirio formal, dotado de un particular sentido del humor que no deja de ser estremecedor. Le Syndicat logran en este trabajo reafirmar su fe en el ruidismo en un sentido prácticamente vanguardista, deshaciéndose en buena medida de su lado más áspero aunque no por ello mostrándose, ni remotamente, condescendientes. Un excelente trabajo, perfecto para (no) soñar. (S.S.)

Kazumoto Endo and Kazuma Kubota - Switches and Knobs (Phage Tapes, PT:133, 2010)

El estilo de hacer noise de Kazumoto Endo bien podría definirse con una sola palabra: espasmódico. En los trabajos que firma bajo su propio nombre, así como en los de sus proyectos como Ryke o Killer Bug, Endo tiende a generar composiciones a partir de concatenamientos frenéticos y virulentas dinámicas que inevitablemente son seguidas por cortes abruptos. "Switches and Knobs" presenta en formato de cd la colaboración entre este monstruo del ruido y Kazuma Kubota, parte de la nueva generación de harshers provenientes de Japón.
El primer corte, grabado en estudio, es pura precisión: los silencios se ajustan perfectamente a las ruidistas intromisiones de ambos participantes. Los masivos golpes que el dueto da al silencio están conformados por plomizas capas de distorsión modulada y aparecen tan súbitamente como se desintegran en el aire. Tras cada andanada de severas descargas de ácidos, férreos sonidos aparecen crudos instantes de vacío ineludible; el silencio se posa como un enorme monstruo, dispuesto a aplastar hasta el más mínimo movimiento. Mientras tanto los intercambios se vuelven cada vez más virulentos, cada vez más hostiles y fugaces, como si con su compulsiva brevedad buscaran dictar la muerte de cualquier estructura.
El segundo corte abunda sobre la misma dinámica pero extrapolada a una presentación en directo. Me cuesta pensar en pocas situaciones tan difíciles como intentar llevar esta carga de discontinuidad formal a un ambiente como éste, sobre todo sabiendo que se trata de una situación en que ambos performers deben operar bajo una precisión tan puntual. El resultado es una recrudescencia que raya en el absurdo, con disparos sonoros de registros aún más sórdidos cuya misión parece ser la destrucción de cualquier tipo de convencionalismo musical. Las incómodas reacciones del público hacen evidente que el de Kubota y Endo se trata de un ideal sónico difícil de abordar y de dar seguimiento y remiten a esos momentos en que el noise solía comprenderse como una perversión, un gusto adquirido incomprensible, absurdo para los adeptos a los rincones más obvios de la melomanía. En este corte cada silencio se vuelve una suerte de abismo cageiano donde las risas y los murmullos tienen su parte proporcional de protagonismo.
Este trabajo conjunto de Kazuma Kubota y Kazumoto Endo resulta más que bienvenido en el contexto actual del noise, mostrándose como evidencia de que aún puede producirse ruido que posea un carácter único y que se aleje, afortunadamente, de las convenciones. (S.S.)

Winters In Osaka - Mutual Collapse (W.K.F.E.W.R. , W.K.F.E.W.R. #1, 2010)

A través de los años, Winters In Osaka se ha consolidado como una agrupación poliforme, que habitualmente cambia de integrantes y muda estilos sonoros, en aras de adecuarse a las condiciones prevalecientes al momento de la interpretación. "Mutual Collapse" registra, precisamente, su diversidad sónica: momentos de experimentalismo puro convergen con cuadros de erosión ruidística absoluta, deviniendo, entre cortes, del grupo de jamming prácticamente instrumental al más habitual ensamble electrónico enfocado en las rúbricas industriales. Los siete cortes que integran este trabajo provienen de una diversidad de presentaciones en vivo que ocurrieron en locaciones de Estados Unidos y Europa y que ven a la actual alineación de la banda expandirse para poder albergar a numerosos invitados.
"Mutual Collapse," como álbum, desanda un camino inconstante. La violenta, dinámica apertura harsher que ofrece "Voyeur Pt.1" contradice a la subsecuente descarga de power electronics de "Baby Pop," en la cual Nicola Vinciguerra -Fecalove- ferozmente escupe sus decadentes vocales mientras la banda le acompaña con pulsaciones y laberintos de grabaciones modificadas. Las intensas descargas de interferencia rabiosa y anárquica a la Le Syndicat de "Toll" contrastan abiertamente con los embates cuasi metalosos del tema "Mutual Collapse," en el cual el baterista Rich Hoak le brinda una dimensión más convencionalmente pesada al ruido del cuarteto. Las oscuras manifestaciones industriales de "Waterweight" y "Voyeur Pt.2" componen una neblina insondable y maquinal que se ve inversamente reflejada en "Stairwell," jam de psicodelia ennegrecida en el cual se unen nuevamente al baterista Hoak y a Mark Solotroff e Isidro Reyes de Bloodyminded y The Fortieth Day en una extensa exploración de los abismos de la retroalimentación y la distorsión guiada por los feroces aporreos del percusionista.
"Mutual Collapse" inevitablemente resulta en su estructura algo más cercano a un acoplado de un puñado de bandas que un álbum en forma. Esto innegablemente puede constituir una desventaja para aquél que busque un disco temáticamente consistente, o precisamente lo contrario para aquél que prefiera aventurarse en los acervos más selectos de una banda con una excelente fluidez en diversos dialectos del experimentalismo industrial. "Mutual Collapse" es el primer trabajo en cd -no cdr o cdr pro- de la banda, editado por la nóvel y misteriosa W.K.F.E.W.R. (para más información: MeatalUlcer@aol.com) (S.S.)

Hamann/Astro - Limbo (Buh Records, BR16, 2010)

El split entre el músico peruano Hamann y el ruidista japonés Astro está dedicado a la exploración de las imágenes astrales a través del sonido. Ambos artistas coinciden en la composición de temas con base en temáticas supraterrenales, en la representación de los cuerpos celestes como objeto de sus sonidos. Sin embargo, los sonidos que ambos artistas ofrecen en "Limbo" no son necesariamente coincidentes en sus registros.
Los temas de Hamann son más cercanos a la exploración electrónica más estereotípica, dibujando órbitas imaginarias de un modo que recuerda vagamente algunos de los primeros trabajos de Tangerine Dream, como "Alpha Centauri" o "Zeit." El primer tema, "Urano," resulta claramente convencional en este aspecto, con su atmósfera lenta y pesada dibujando un brevísimo parpadeo en la vida de un circuito planetario. Su dinámica es lenta, colosal, circunférica, basada en las lentas secuencias oscilatorias de un sintetizador. "Aldebaran" -Alpha Tauri- igualmente presenta una dinámica pictórica de la majestuosidad y la profundidad espaciales; sorprende, sin embargo, la brevedad de estas imágenes sónicas, las cuales, sin duda, podrían funcionar como temas más extensos. Lo mismo puede decirse de "Imperceptible," quizás una irónica referencia a los lenguajes humanos, en la cual líneas de síntesis -que recuerdan a las de Coil o las de Cabaret Voltaire- pelean a través de paneos con sus brillos cristalinos. La contribución de Hamann a este split es, sin duda, deleitosa a pesar de estar innegablemente infiltrada por el pasado, lo cual queda plenamente de manifiesto cuando se contrasta con el explosivo material de Astro.
En un tema que por sí sólo se extiende por bastante más que los 3 temas de Hamann juntos, Astro presenta otra de sus características composiciones psicodélicas, basadas, al igual que las de Hamann, en un empleo incesante de los sintetizadores. Aunque de manera mucho más mecánica que usualmente, Hiroshi Hasegawa genera un mundo delirante de sonidos ácidos a partir de secuencias sumamente obstrusivas, casi marejadas de ondas electromagnéticas, las cuales apenas son contradichas por agudos chirridos, cuya constancia es a su vez violentada por la manipulación de parámetros. Quizás esa portada de un axis mundi menstrual con el mundo vuelto en su cenit una maraña de terminaciones nerviosas postradas ante un alucinatorio dios andrógino pueda describir su sonido un poco mejor que mis palabras. Contenido totalmente alucinógeno. (S.S.)

Ignacio Briceño / La Muchacha Loca - Split (Buh Records, BR07, 2010)

La delirante conjunción de ambientes y materiales sonoros de Ignacio Briceño hace de su trabajo una suerte de primo lejano de la histeria que protagonizaba Scissor Shock hace algunos años. Electrónica, guitarras, percusiones programadas, sampleos de porno y de sitcoms, melodías truncadas y hasta la voz del maestro Sábato son procesadas en los dos primeros cortes por Briceño en el famoso programa Live de Ableton, creando un ambiente sumamente enrarecido, como de post-rock-lo-fi de la era de la comunicación. La extensa "Ascención a la montaña invertida," de hecho, resulta disfrutable de una extraña e inexplicable manera, teniéndose como un pastiche de una cualidad bastante musical. El segundo corte de Briceño, tecladito bañado en delay y reverberación de por medio, confirma aquello del post-rock aunque ya no de manera tan grata, aunque al menos sirviendo como respiro ante el inminente ataque de La Muchacha Loca.
Los cánticos hacen obvia la intención de La Muchacha Loca -proyecto del músico peruano Diego Contreras- de crear música clavada en confines ritualistas, pseudo-chamánicos (y qué decir del nombre de la pieza: "one more Spirit in my soup"). Las vocales fantasmales son complementadas por cascabeles, percusiones y drones elusivos que, de primera impresión, no llegan a decir demasiado. Hacia la mitad del tema, sin embargo, todos los elementos comienzan a lograr una cierta consistencia. La grabación, de fidelidad absolutamente baja, le agrega un aire ríspido al asunto, como si se tratara del registro de una suerte de ceremonia pagana industrial arracada a la clandestinidad. Como en el caso de los cortes de Ignacio Briceño, la participación de "La Muchacha Loca" resulta ofrecer un trabajo plenamente espontáneo, basado en lo febril de la improvisación experimental, que indudablemente contiene el encanto del momento pero que inevitablemente carece del poder del trabajo compuesto. (S.S.)

OVMN - Optimum Volume Maximum Noise (Industrial Recollections, s/n, 2010)

A raíz de las reediciones que la recién resucitada Mother Savage hiciera de las cintas de OVMN apenas hace un par de años, muchos comenzarían a señalar a este proyecto alterno de Macronympha como uno de los primeros indicios de lo que ahora se conoce como HNW o Harsh Noise Wall. Pero mientras este llamado "subgénero" del harsh noise -como lo practican en la actualidad Richard Ramirez y Vomir por ejemplo- refiere a la más absoluta -y hasta absurda- inmovilidad, el harsh noise de OVMN -Optimum Volume Maximum Noise- se trata de uno multidimensional y dramáticamente dinámico.
La dupla de Rodger Stella y Joseph Roemer se desprende de la primera generación estadounidense en practicar, propiamente, el noise. Junto a proyectos como Mlhest, Intrinsic Action, Taint y el ya mencionado Richard Ramirez, el dueto estableció bajo los nombres de Macronympha y OVMN un paralelo sin precedentes al noise japonés, el cual, durante los noventas, se encontraba en plena ebullición. Como sus colegas nipones Incapacitants, MSBR y el Merzbow de aquella época, OVMN desarrolló una compresión intuitiva de las posibilidades del noise. lo cual es plenamente reconocible en su exploración de las diversas gamas del ruido y de las posibles interacciones de sus frecuencias y posibilidades tonales.
Su debut, Optimum Volume Maximum Noise, los ve aliarse a Akihiro Shimizu (mejor conocido como Thirdorgan) en 1996. Y, a pesar de la evidente hiperactividad que desbordan sus creadores, jamás se siente como una batalla de egos y volúmenes, sino más bien como el incesante flujo de una visión unificadora, como el producto del trabajo de tres frenéticos operadores que, absortos en su misión, dan cauce y sentido al más feroz, abrasivo caos aural. Las texturas ríspidas, grotescas se extraen en buena parte de la naturaleza analógica del equipo y del formato original en que fueron grabadas: cintas. La corrosión, el peculiar sangrado de las frecuencias que ofrece el empleo de la cinta magnética queda presente en la reedición que Industrial Recollections realiza. Ésta rehusa la masterización para ofrecer dos cortes de puro audio crudo, reminiscente de las versiones originales.
El sonido en los dos cortes jamás llega a los extremos: no hay gravedades cuasi-subsónicas ni agudos filosos, sino que el total se centra, casi exclusivamente, en las frecuencias medias, con su carga granular, coartada, viciada. Con dos temas idénticos, simétricos en su adecuación a la cinta original, OVMN destiende canales, túneles de frecuencia rugosas en una descarga de ruido psicodélico irrefrenable. Sin duda alguna puedo decir que éste es uno de los más asequibles clásicos ruidísticos producidos por Mother Savage Noise Productions y pieza clave de ese oscuro rompecabezas que es la historia del noise. Una deliciosa planicie de ruido lentamente fluctuante, abisalmente hipnótica. (S.S)

The New Blockaders - Live at Hinoeuma (Hypnagogia, GIA04, 2011)

Las reseñas que describen el evento registrado en "Live at Hinoeuma" lo señalan como un recital brutalmente ensordecedor que sin piedad alguna ultrajó los oídos de los cronistas. The New Blockaders, tras haber formalizado en "Changez les Blockeurs" el modelo en que se basarían la gran mayoría de las producciones del noise, lleva, lógicamente, un peso descomunal a sus espaldas. Probablemente por ello mismo, se perciba la obligación de hacer de sus extremadamente esporádicas apariciones verdaderos acontecimientos que preserven las alturas de radicalidad a las que se han remontado a lo largo de su historia y discografía.
Abandonando un tanto el nihilismo y la teatralidad que les caracterizan (al menos en el audio, ya que durante el evento Phil Todd estuvo a cargo de un "anti-performance"), The New Blockaders en este trabajo concentran sus fuerzas en un par de explosivos cortes que, a todo volúmen, ciertamente no podrían haber parecido mucho más que una pared de ruido, pero que en este registro evidencian haber sido formulados a partir de una composición que sostiene un enorme peso a pesar de jamás dejar de presentar variaciones. Los sampleos a los que recurren para esta ocasión concentran ráfagas de metralla, tormentas, tonos invariables y estática a niveles brutales que, por lógica, producirían constantes estallidos de feedback. El resultado es una formidable masa de ruido en interminable movimiento, de convulsiones sónicas, de frecuencias que se disparan ingrávidas y circundan los aires como espíritus electromagnéticos.
Curiosamente, a pesar de que las crónicas señalan al evento como uno extremadamente hostil para los sentidos, "Live at Hinoeuma" resulta, a mi parecer, el más calmo de todos los registros en vivo que he escuchado de esta agrupación. A grandes rasgos, este trabajo guarda una similitud inquietante con lo que se ha dado por llamar harsh noise wall en cuanto a su aspecto meditativo, al forzar una introspección casi alucinógena en el escucha. La segunda parte, sobre todo, gracias a la cuidadosa sobreposición de capa tras capa de eólicos flujos de estática, apenas rematados por algunos pesados borbotones de ruido grave, consigue crear una apariencia de absoluta libertad formal que resulta, curiosamente refrescante.
"Live at Hinoeuma" hace que los aspectos más sórdidos de The New Blockaders se conviertan en fascinantes despliegues de coordinación dinámica. Sin duda se trata del complemento perfecto a sus registros en vivo más abrasivos como el temible "Das Zerstoren, Zum Gebaren" o el crudísimo "20th Antiversary Offensive." Este trabajo está limitado a 300 copias y marca la resurrección de la constantemente excelente disquera de Rupenus, Hypnagogia. (S.S.)

Mark Solotroff - Archive01 (Bloodlust!, B!131, 2010)

Desde el año pasado, Mark Solotroff trabajó en una retrospectiva que reúne en siete volúmenes el trabajo que durante la década de los noventas publicó en tirajes limitados para disqueras clásicas de la época, como Slaughter Productions del fallecido Marco Corbelli, G.R.O.S.S. de Akifumi Nakajima o su propia Bloodlust! Esta retrospectiva permite conocer un lado sónico de Solotroff de difícil acceso dada la escasez y los excesivos precios de los documentos originales.
Que la ruta que sigue Solotroff en esta serie es diferente a la que nos había habituado con sus producciones bajo las rúbricas de Instrinsic Action y Bloodyminded queda de manifiesto ante una escucha incluso superficial de "Archive01." En su primer corte, este trabajo presenta "45 Minutes of Rape and Murder," que resulta ser el primer tema que Solotroff produjera bajo su propio nombre, allá por 1995, y que originalmente apareciera como la cara A de una cinta llamada "Instrumental Demonstration of Death-Noise." En esta versión sin cortes, en su caústico flujo de 45 minutos, Solotroff realiza un estudio profundo de su muy particular visión del harsh noise.
Como un exacto paralelo al disco de OVMN que apenas he reseñado, "45 Minutes of Rape and Murder" posee cualidades de lo que puede identificarse como noise estadounidense -al que algunos llama americanoise en obvia referencia al famoso japanoise-, al ser parte de ese momento definitorio que representó la mitad de la década de los noventas para el desarrollo del ruido en el underground de aquel país. El más obvio punto en común que éste posee con el trabajo de OVMN es ese fascinante desprendimiento tunélico que se extiende a lo largo de la duración de la cinta. A pesar de que en la misma época los japoneses innegablemente tendían a trabajar sobre cauces de ruido sumamente extensos, los de estos dos proyectos norteamericanos poseen una dinámica que prescinde totalmente del espasmo -elemento intrínseco del japanoise, concentrándose casi exclusivamente en un movimiento desbocado, incontenible en su linealidad. El track de Solotroff está tan claramente orientado hacia ese extremo que podría decirse por momentos poseedor de una cualidad oceánica, inclusive estableciendo una cierta comunidad con el drone por su inmanencia hipnótica. Las dinámicas son mínimas y se desdibujan ante la enormidad de un tema que se extiende incontenible, como una corriente de lava o un tsunami en su flujo de estática dirigida. Hacia la mitad del tema, el empleo insistente del delay remite a lo que Maurizio Bianchi hiciera en sus primeros trabajos, a esos movimientos repetitivos mitad psicodelia, mitad película de horror que caracterizan esa primera etapa del trabajo del italiano.
En cierto sentido, la influencia de Bianchi se evidencia en este trabajo en la conformación de un sonido primal, sumamente físico -Solotroff señala no haber empleado teclados en su producción- y en su exhaustiva, cuidadosa exploración a través de los raquíticos filtros que proveen moduladores mínimos como son pedales de guitarra. "45 Minutes of Rape and Murder" es una pieza sumamente mesurada e hipnótica, un verdadero torrente de distorsión modulada.
El segundo corte, titulado "Instrumental Demonstration of Death-Noise (Edit/Remix 01)," consiste en una remezcla inédita de los dos temas contenidos en la cinta original y básicamente se trata de una edición del tema anteriormente descrito.

Mark Solotroff - Archive02 (Bloodlust!, B!132, 2010)

El segundo corte incluído en "Instrumental Demonstration of Death-Noise" comprende el grueso del material que se presenta como "Archive02." Este tema llamado "The First 45 Minutes After a Violent Death"sórdidamente juguetea con el nombre de un clásico tema de Coil. El modus operandi de Solotroff aquí es básicamente el mismo: el sonido contenido en el tema se divide en dos capas, una de distorsión en el borde agudo que sostiene un flujo anárquico, como de estática y otra en el borde grave -más grave que en el tema anterior- que se trata de algún tono contenido en los topes de los parámetros de un delay, cuyos eventuales despliegues sostienen la mayor parte del movimiento del tema. El movimiento es mínimo, nuevamente, pero el resultado vuelve a ser otro fantástico túnel de ruido alucinógeno, que complementa simétricamente a "45 Minutes of Rape and Murder." Nuevamente, Solotroff hace uso de un remix inédito en este caso para cerrar el segundo volúmen de esta colección.
Los dos primeros volúmenes de esta colección van de la mano; la evidente problemática que ofrecería la imposible publicación de ambos cortes en formato digital sin pasar por el terrible bisturí parece haber forzado a Bloodlust! a presentarlos por separado, aunque, cabe decir, como volúmenes subsecuentes con casi cincuenta minutos adicionales entre ambos cortes agregados. Sin duda es bueno que este tipo de documentos que pudieron llegar a considerarse perdidos de la historia del noise estén finalmente resurgiendo de entre el polvo. Trabajos como estas dos reediciones y la del debut de OVMN no sólo son plenamente disfrutables, sino que además sirven para cuestionar la originalidad de los sonidos que hoy en día se nos presentan como nuevos. (S.S.)