Marsfield - Three Sunsets Over Marsfield (Farawar Press, s/n, 2010)

Dos místicos del sonido, Brendan Wallis y Andrew Chalk se reunirían en 2002 para recrear auralmente la historia del Teniente Wilson, un (¿imaginario?) soldado que, tras su participación en la Segunda Guerra Mundial, pasaría sus días en una unidad médica para excombatientes instalada en la pequeña población australiana de Marsfield. En sus notas al álbum, Brendan Wallis relata que este individuo poseía la peculiaridad de tener una placa metálica en la cabeza, producto de la reparación de sus heridas en combate. Con su cabeza fungiendo como receptor, Wilson era capaz no sólo de recibir transmisiones de audio, sino además de darles cauce, con su boca fungiendo como caja sonora/bocina, y de sintonizarlas mediante cuidadosos movimientos de su mandíbula.
"Three Sunsets Over Marsfield" retrata el homenaje del dueto a esta tierra, el "Campo Marte," población asediada por historias como ésta, donde apariciones, sucesos absurdos y avistamientos de ovnis son moneda de cambio desde mediados del siglo XIX. Su sonido, como debería esperarse de este tipo de documento, despierta inusuales sentimientos: nostalgia y temor; absurdismo y encanto romántico. Todos ellos quedan representados en desoladores, áridos yermos de sonido que constrastan con ensoñados paisajes.
De los confusos momentos iniciales del álbum se desprende un ensueño turbio, pesado, mezcla de danzantes imágenes elementales y de enredadas frecuencias metálicas -aparentemente producto del reiterativo vaivén de notas de guitarras repletas de delay-. Las transmisiones de esta radio imaginaria desandan yermos angustiosos, cargados de frecuencias saturadas, y de un drone contradictoriamente lleno de calidez. Conforme se pliegan más y más las capas de sonidos todo se comienza a convertir en una masa primordial, en una suerte de ventisca lejana, en reflejos de agua clara, en un cauce que se rompe, bello e intimidante a la vez.

La segunda selección de "Three Sunsets Over Marsfield" parece desprenderse exactamente de los mismos rincones; la instrumentación es la misma y muchos de sus movimientos son idénticos. Sin embargo, aquí el balance está mucho más cargado hacia las fluctuaciones más evidentemente ambientales de los teclados, que adquieren un peso medular profundamente inquietante. El vaivén de las más graves se vuelve casi inaudible de tan oscuro, aunque adquiriendo una cualidad eminentemente tangible, comunicando con su circular delirio a un nivel que supera lo aural. El cierre del tema es pura luz desbordándose, una suerte de epifanía, un desiderátum febril. Todo se convierte en un despertar incierto donde el sonido imaginado se alía al natural en un vacío morfológico, repleto de fantasmas e inarticulaciones.
"Three Sunsets Over Marsfield" es editado por primera ocasión en 2010 por la disquera de Chalk, Faraway Press en un magnífico lp de 180 gramos. A pesar de que no se trate del formato más conveniente para este tipo de documentos -dada la delicada naturaleza de sus sonidos- es difícil no rendirse a la majestuosa edición, que presenta un grabado por portada y viene con uno de los habituales obi-strips de esta disquera -tamaño lp, por supuesto-. Aún pueden conseguirse algunas copias en distribuidoras como The Helen Scarsdale Agency o Die Stadt, aunque sugiero que se apresuren porque no creo que siga disponible por mucho. (S.S.)

ScumEarth - Deranged Prototype (R.O.N.F. Records, RNF-046, 2010)

En "Deranged Prototype," Scumearth practica un noise nocturno, pesadillesco. Manando de la misma primordialidad imaginativa que Niellerade Fallisbilisthorstar y Hum of the Druid, el sonido de este proyecto español recoge rúbricas tradicionales del harsh noise pero volviéndolas imagenes concretas, pesadas. Un trasfondo lúbricamente oscuro se destiende como la base del primer tema, también llamado "Deranged Prototype." Esta tiniebla primordial funge como un sentido que se desarrolla a la par de granulares alaridos de estática. La combinación con toda su potencia y peso forja una tormenta de rugidos electrónicos, donde la lógica parecer ser inhumana -animal, elemental, instintiva, eterna-, como si se tratasen de grabaciones de campo arrancadas de algún desolado páramo que jamás hubiera pisado el hombre.
El segundo corte, "Acid Storm Degradation," parece en un inicio sostener un justo opuesto al anterior, pero tras apenas haber dejado correr un par de minutos, el artificio de una descarga de estática convertida en lluvia negra sesga tal posibilidad. Este corte intercambia la oscuridad de la síntesis más grave por la ya mencionada estática -muy probablemente también generada por síntesis- e imprime, nuevamente, una cualidad multidimensional a sus delirios. La lluvia cayendo al fondo, sin piedad, choca con los embates de una electrónica furiosa y plenamente dinámica, cuyos parámetros son violados con enérgica intransigencia harsher. Se vuelve evidente en este tema que las influencias a las que Scumearth acredita (Astro, MSBR, Bastard Noise) no son mera palabrería; existen en "Deranged Prototype" una concreción basada en el sobrio uso de equipo -no existe un rango amplísimo sino uno concreto y mesurado-, una consistencia que dota al trabajo de una plena naturalidad y una espontaneidad que indudablemente puede sólo desprenderse de la ejecución en directo.
Es algo así como la séptima ocasión consecutiva que escucho este 3" y no dudaría en volverlo a poner otras tantas. Así de bueno es. El diseño de Alonso Urbanos y la realización propia de R.O.N.F. Records merecen mención aparte; éste es el tipo de trabajos que aún me hacen valorar a los discos como objetos. (S.S.)

Hum of the Druid - Norse Fumigation (SNSE, SNSE077, 2010)

Hum of the Druid regresa con el long play "Norse Fumigation" en SNSE y, qué decir, para empezar, es inspirador ver las constantes mejorías en la calidad del material en que los trabajos del proyecto de Eric Stonefelt están siendo producidos: Vinil virgen, sin ruido, un inserto en papel couché y una perfecta funda adornada por la serigrafía del inquietante trabajo visual de Stonefelt. Luego, respecto a los contenidos sónicos: tras un año de espera, más le valía a este artista elaborar algo mejor que "simplemente bueno" y, para variar, tal resultó el caso.
Siguiendo la ruta de Akifumi Nakajima -Aube- Stonefelt ha comenzado a producir trabajos con una base cada vez más notablemente dedicada al empleo de la materialidad -nada mal para alguien cuyo sonido podría caracterizarse como telúrico y primordial-. En sus breves notas, Stonefelt señala que los sonidos con los que "Norse Fumigation" fue compuesto tienen por base metales, agua y cristales procesados, además de guitarras y vocales. Pero el empleo de metales en "Transcedental Criminal Behavior," primer corte del álbum, no se desprende de enérgicos aporreos como los de Grunt o Macronympha, ni el uso de los cristales se desprende de viscerales estallidos como los de Sissy Spacek, sino que se centran mayormente en un cuidadoso estudio de sus propiedades texturales. Los iniciales golpes maquinales del "Transcendental Criminal Behavior" apenas insisten en su violencia por algunos minutos, tras los cuales, el tema se torna meditativo, pesado, conformado hacia abajo por movimientos tonales gravísimos y mínimos, y en la superficie por crujidos granulares casi corpóreos.
"Norse Fumigation," tema que cubre la segunda cara del álbum, tiende hacia el lado opuesto: Si bien hacia el fondo pueden distinguirse atmósferas creadas por alguna guitarra con delay y, quizás, la grave manipulación de algún otro objeto, practicamente toda la superficie está cubierta por un extraordinario despliegue de sonidos concretos, algunos meramente modificados por el uso de algún distorsionador y ecualización, y otros, mientras tanto, exhibiendo sus cualidades naturales plenamente. Los aporreos a láminas, los repiqueos de metal pegando con metal, el sangrado de las frecuencias transportadas por micrófonos de contacto, la sofocación de la tierra amplificada: todo se destiende como una maquinal sinfonía que parecería seguir por lógica los preceptos del "Changez Les Blockeurs" de The New Blockaders. Todo apunta hacia el caos liberador, extático, ritual, hasta que Stonefelt deja ver, de nuevo, sus artificios: sus inesperadas vocales inevitablemente conectan con un idioma genérico -¿puede tratarse de power electronics, acaso?- aunque, -cabe señalar- de mejor modo que lo hacían en algunas de sus anteriores entregas. La voz, desprovista de efectos está desencajada; sus gritos, frenéticos, furiosos son incomprensibles. Asimismo, la salida del tema, volcándose de la nada a la musicalidad, parece querer ser un nuevo inicio, pero las cada vez más persistentes revoluciones del delay y las aparentes melodías -canceladas, fracturadas- efectúan justamente lo contrario: este camino no se trata sino de un abismo.
Cada trabajo de Hum of the Druid ha traído consigo una prueba más de la visión, perfectamente centrada, de su creador. Cada disco de este proyecto no solamente se ha apegado al meticuloso estudio de algún tema sonoro sino que además se ha entregado resueltamente a una metodología unificadora entre concepto y sonido: Los trabajos de Hum of the Druid no son muestras de un quehacer liberador, sino que están perfectamente ceñidos a una serie de reglas compositivas difíciles de desentrañar pero que evidentemente muestran una obvia predilección por los sonidos orgánicos y por una plenitud atmosférica, así como por una estructuración compleja y misteriosa En mi opinión, "Norse Fumigation" ha sido a la fecha el álbum que ve a Stonefelt llegar más lejos con respecto a su exploración de ambientes y cualidades sonoras y eso es bastante, sobre todo, considerando la incomparable calidad de sus más recientes trabajos. Disculparán la hipérbole, pero he resuelto comunicarles que este trabajo es fantástico y absolutamente obligatorio y que si no tiene sentido para sus orejas, corazones y cerebros, mejor compren el nuevo disco de Lady Gaga o de Metallica y que de paso dejen de leer este blog. (S.S.)

Fire In The Head - Confessions of a Narcissist (Cold Spring Records, CSR120CD, 2010)

Con "Confessions of a Narcissit," Fire In The Head cierra definitivamente su ciclo. El último trabajo de este proyecto de Michael Page -quien en estos momentos trabaja bajo el seudónimo de Sky Burial- se extiende casi una hora a lo largo de 13 cortes, proveyéndole el sentido de un final a este proyecto con una cierta explosividad. Cada uno de los temas en este álbum resulta un complejo microcosmos ruidista paradójicamente repleto de torcidos laberintos musicales. En la profusión sonora de cada uno de estos cuadros es plenamente visible cómo las extensas inversiones del artista en términos de composición y grabación rinden sus frutos; de manera similar al también recientemente concluido proyecto Navicon Torture Technologies, Fire In the Head ofrece en este trabajo temas que, si bien recurren permanentemente a los estándares del power electronics, no ceden a ajustar su complejidad compositiva a una serie de elementos redundantes y gastados. Particularmente hay que echar ojo a la capacidad de Page para incorporar una suerte de estructura primordialmente musical en composiciones que tienen por base la abstracción.

"Get the Rope," por ejemplo, con su turbio mensaje y sus psicóticas recurrencias, parecería, precisamente por su febril insistencia, una neurótica referencia a algún tema pop. Las vocales del artista visual Nick Blinko (también en Rudimentary Peni) en "Psychotic Underground M.K. II," asimismo, podrían querer representar las estrofas de alguna terrorífica canción de cuna. La cuidadosa estructuración de "Narcissist's Mantra," con su compleja combinación de drones dulzones, ruido fluctuante y atmósferas turbias, sobre todo, resulta un ejemplo de la grotesca musicalidad del trabajo; no es común escuchar temas en los que se subordine al ruido a una estructural musical formal sin hacerle perder su atractivo, pero tal es el caso con este colosal corte.
Con todo, no se debe asumir que éste es un álbum que bordee en una musicalidad chabacana, "Confessions of a Narcissist" es un furioso documento de los oscuros pensamientos que yacen en el mejor de nosotros, pero aquí exponiéndolos, haciéndolos dolorosamente transparentes. La necesidad de sostener las apariencias, el insostenible peso de las mentiras, los reproches hechos a uno mismo al descubrir la incosecuencia e inconsistencia de nuestros actos; éstos y más forman parte de esa suerte de catársis final que representa este álbum.
La violencia y explosividad de Fire In The Head se dejan sentir desde que inicia el primer corte -ese temazo que es "Gag Order"- y se siguen colando a través de piezas tan centradas en las convenciones del power electronics como "A Means to What Ends" o "Complacency Is Your Disgrace."Por su parte, los momentos de balance resultan ser muestras de la capacidad de Page de adoptar los muchos dialectos de los lenguajes del género al que representa. Un corte tan inusual como "The Machinery of Death" es un buen ejemplo de esta cualidad: en él las atmósferas y los ambientes oscuros constituyen una poderosa -y hasta melódica- ancla temática que no deja escapar a las tempestuosas descargas de ruido que se le ciñen.
Debo admitir, en cualquier caso, que "Confessions of a Narcissist" no se trata de un trabajo fácil, sino de uno de ésos que se quedan en el inconsciente hasta que el día menos esperado hacen click. Numerosas escuchas no me permitieron inicialmente observarlo en toda su complejidad y poderío. Así que si no se está dispuesto a rendirle una cierta atención, es mejor ni acercarse, aunque, en caso contrario, la recompensa es deleitosa. Cabe mencionar la además la presencia de Jay Randall de Bastard Noise en tres de los más férreos cortes así como el alucinante -¿y repulsivo?- diseño y arte de cubierta. (S.S.)

VRILnoise & Fear Konstruktor - Element of Steel (R..O.N.F. Records, RNF-053, 2010)

"Element of Steel" es el trabajo colaborativo entre el proyecto español VRILnoise y el ruso Fear Konstruktor, editado en 2009 por R.O.N.F. Records. Ambos proyectos se han mantenido prolíficos desde sus inicios,trazando curiosos paralelismos y optando por rúbricas sónicas relativamente similares. El estilo atmósferico, nocturno de ambos proyectos tiende a ser complejo, discretamente cargado de una rabia contenida, profundamente intimidante.
"Element of Steel" conjuga los registros de ambos artistas de manera interesante. Las atmósferas elaboradas por la dupla, desde el primer momento, se sostienen como un auténtico trabajo de conjunción en donde cada pieza va dibujándose cuidadosamente sin obstruir la visión de los otros elementos flotando en el ambiente. El primer tema, "Antiestablishment," ostenta la rúbrica de lo que será el total del trabajo: un background digital hipnótico, como un manto oscurecido en el que se dibujarán, con esmero y paciencia, constelaciones de ruido, oscilaciones y profundas reverberaciones. Ecos distantes del Organum de "Sphyx" e incluso del Roxanne Jean Polise de "Amniotic Tide" abundan, aunque, cabe señalarlo, con una proyección menos orgánica.
Por momentos, "Element of Steel" bordea en el ruido, como en el caso de "Double Shot" -densa épica en miniatura a la C.C.C.C. aunque con un registro no necesariamente tan abrasivo - o la más belicosa "Boiling Point," la cual por momentos se acerca al power electronics, con un uso portentoso de distorsión en vocales y de cacofónicas pulsaciones. En otras ocasiones, la dupla se sumerge plenamente en el caos, como en el caso de "The Prime Elements" -que observa una paulatina y eventualmente plena desintegración estructural- y, sobre todo, en la final "The Steps," donde la evolución del ruido blanco llega a grados tan sórdidos que parecería tratarse de una contribución externa.
Sin embargo, aún los temas más violentos poseen una ingravidez atmosférica que los hermana con los más contenidos. "Pulverize," sobre todo, se acerca resueltamente a un drone nocturno que poco tiene en común con el harsh noise. La propia "The Steps" no puede escapar un cierto remanente de tonalidades fantasmales. El constante empleo del ruido blanco, ejercido a través de la distorsión característica de los procesos digitales, inevitablemente refuerza una cierta pasividad poco común a combos más dedicados al ruido más espasmódico de los ambientes orgánicos. Ello no permite que las descargas de esta dupla sean resueltamente sórdidas y esquizoides, pero sí que los ambientes conformados sean sustanciales y poderosos.
Este trabajo, afortunadamente, muestra la potenciación de las cualidades de estos artistas. La calidad de la grabación es excelente y la diversidad de los registros sonoros es más que prominente. (S.S.)

Loopool - Arrogance Is Bliss (Hipster Death, s/n, 2010)

Con su inconfundible aura de extrañeza, Loopool vuelve a aparecer en estas páginas virtuales gracias a una nueva producción en la también nueva disquera de su artífice, Jean Paul Garnier, bautizada con el provocativo nombre de Hipster Death. "Arrogance Is Bliss" es una breve muestra de la peculiar identidad de este proyecto: diez temas que se sienten de una inusual forma como canciones, paradójicamente preñados de una claridad estructural plena y una alucinante extrañeza.
"Wickedness," la abridora, se siente perfectamente industrial, oscura, con el spoken word de Garnier oscilando con perfecta regularidad a través de los caudales de oscuros sonidos sintéticos que la conforman. Algunos otros momentos de este minialbúm están cubiertos por la incierta y ensoñada visión de Loopool, conjugada a través de esa combinación de vocales fantasmales y turbios crisoles atmosféricos: "For Whatever Reason" y "Send More Waves" con sus etéreas voces femeninas chocando de lleno contra una serie de proyecciones proto-industriales; "Suffer Proper" y "Where Is the Future" con sus devaneos entre monotonía y cacofonía y la confusa, casi compulsiva, reiteración de vocales a través de efectos.
Pero sin duda los que se pelean la corona en este freak show de temas bizarros son la enferma "Arrogance Is Bliss - A Million," en la cual el crooning como recién prófugo de algún episodio de Twin Peaks hace juego a un collage de voces e interferencia, y "Somebody," en la cual parece que Martin L. Gore se apodera del alma del albúm con una sentimental balada acompañada al piano -no es broma-.
Los temas incluídos en "Arrogance Is Bliss" son fuertes y denotan una clara vocación compositiva: ¿qué mejor muestra que el ya mencionado "Wickedness" o el tema que cierra el álbum, "Melting on Black Pavement," con su pesadez industrial primordial y su electrónica enferma, coilesca? Pero quizás el mayor mérito a evidenciarse en este trabajo no sea éste, sino la integridad del proyecto, obviada en un deseo por satisfacer visiones y convicciones personales más allá de meramente buscar complacer a un cierto público. Tras experimentar estos -quizás demasiado breves- temas, queda claro que la visión de Garnier es, curiosamente, mezcla de extrañeza y simplicidad formal y ciertamente única. (S.S.)

Christian Galarreta - Computer Music Is Dead (Free Software Series, , 2010)

Contrariando el tema que inspiró la serie a la que este cdr pertenece -la "Free Software Series" de Mattin-, Christian Galarreta decide nombrar a su contribución "Computer Music Is Dead."Mientras la idea que Mattin sustenta con su colección aparentemente obedece su deseo de unión entre los compositores que emplean software libre como medio para realizar sus creaciones, Galarreta da la vuelta a esta premisa componiendo, cuando menos parcialmente, sonido a partir de equipos habilitados con este tipo de herramientas, aunque no necesariamente a partir de las funciones para las cuales éstas son intrínsecamente empleadas.
Ambas grabaciones que componen el álbum son registros del intermitente trabajo en vivo que Galarreta ha realizado a partir de la exploración de los campos electromagnéticos producidos por equipos electrónicos (i.e. computadoras) durante -su adecuado o inadecuado- funcionamiento mediante transductores. Muchos de los equipos electrónicos empleados durante los performances contenidos en estos trabajos ya se encontraban en un estado de plena decadencia, por ello, el título no es necesariamente mera ironía.
A este equipo, muerto, vuelto prácticamente chatarra, Galarreta le roba sus últimos alientos apenas ligeramente modulando los transductores para buscar alguna frecuencia y hacerla permanecer o mínimamente fluctuar entre sus envolventes cualidades naturales. La paulatina sobreposición de frecuencias produce una casi corpórea conjugación tonal de variaciones sumamente mínimas en el primer corte, "No S.O.", grabado en vivo en el MUAC de la Ciudad de México. Este tema se trata de una colosal unión de deshumanizada pasividad y feroz abrasión electrónica, que lo mismo puede adentrar al escucha en los terrenos de un delicado ensueño cuasipastoral -como en los ambientes con que el corte se acerca a su conclusión- que en el infierno de la recurrencia incesante -como hacia los primeros diez minutos, donde los picos de los tonos llegan a volverse filosos y rugientes-. Meramente mediante la modulación tonal y la eventual superposición de frecuencias se genera una composición sustancial en la cual las frecuencias alcanzan magnitudes intimidantes, de resonancias tan profundamente plomizas que inhiben cualquier otro sonido que pretenda interferir en el espacio.
El corte que da nombre al álbum, extraído de un recital ofrecido en el natal Perú de Galarreta, nuevamente parte del drone producido por las frecuencias extraídas de la alimentación de algún aparato, en este caso en particular de una laptop, la cual es puesta en marcha para hacer que sus procesos de lectura provean al tema de material. Los crujidos como de fuego repicando a lo largo de la pieza van cobrando sentido como aleatorias secuencias y apabullantes líneas tonales, haciendo juego a la estática tonal de los zumbidos. La dinámica adquiere un papel más sustancial que la inmanencia en este corte, gracias a los mecánicos quebrantos amplificados; sin embargo, las fluctuaciones también parecen traer consigo una cierta precipitación. El punto final del tema es tan abrupto que parece irreal, dejando clavadas al silencio algunas de las frecuencias más persistentes. ¿Espejismos de acúfenos o prolongaciones del mundo de frecuencias fantasmales que habitamos? Este trabajo podría entenderse como un cuestionamiento del espacio modernizado, de la presencia de una envolvencia electromagnética de la que dependemos al grado de estar sumergidos en ella. Los conciertos en los cuales Galarreta exploró estos sonidos parecían parcialmente sesiones síquicas en las cuales los cadáveres aún frescos de estos aparatos respondían con sus espasmos a sus conjuros. Un trabajo inquietante, diferente e inusualmente musical, expresamente hecho para reproducirse muy fuerte. (S.S.)

Kevin Drumm - Sheer Hellish Miasma (Editions Mego, eMEGO 053V, 2010)

Cuenta la leyenda que, a pesar de que su autor ya contaba con una sólida reputación desde finales de los noventas en el circuito elctroacústico, "Sheer Hellish Miasma" surgió como de la nada, invadiendo las mentes de más de uno y desmoronándolas a placer. Este trabajo, tan difícil de encontrar en estos días, ve su primera edición en formato de vinil en este agonizante año y quién mejor para tener el honor que Editions Mego, heredera del catálogo y la labor de su alma mater, la original Mego.
Desde el momento que inicia la gigantesca "Hitting the Pavement" con toda su carga física revolviendo por los aires uno sabe que el vinil fue una excelente decisión. El crudo y lento fluir de capa tras capa de feedback reptando como veneno a través de las bocinas evidencia el perfecto control que Drumm ejerce, haciendo uso de aquella incontrolable combinación de guitarra y distorsión al tope frente al amplificador. El vaivén estertóreo de este tema es portentoso y angustiante, sofocando las frecuencias y anulando, estrangulando tus pensamientos. Un tema bello y terrible, que haría llorar de miedo a cualquiera de los trabajos de Sunn O))).
Su continuación, la portentosa "Inferno" queda dividida en dos partes, cada una de la extensión de la cara de un disco. La primera expandiéndose a lo largo de la cara B es una iracunda, frenética descarga de feroz ruido, donde el feedback guitarrero hace frente a los extraños embates en trompeta de Greg Kelley y a la electrónica analógica y digital del propio Drumm. La contundencia de esta pieza yace en los rasgos compositivos de la misma; a pesar del despliegue casi pirotécnico de bleeps y frecuencias encontradas, se encuentra siempre presente un tema establecido por los monotonalismos de Kelley o por los cacofónicos loops de Drumm. Estos temas, a su vez, pasan de poseer cualidades casi acuáticas a volverse tan cerrados como barreras de concreto, haciendo que, hacia la mitad del tema, no quepa absolutamente nada más que la sofocante densidad de las asfixiantes dinámicas industriales de Drumm. La cara C comienza en el cenit del tema, donde toda la tensión queda capturada en una gigantesca muralla de ruido. La evolución de la pieza ve un descenso lento pero constante de ese ápice sónico, la guitarra de Drumm, rayana en lo melódico y ciertamente en lo rítmico, se conjuga con el torrente en descenso de la estática amplificada mientras juntos se dejan caer hacia la inmanencia. Al final sólo sobrevive el crisol generado por los colores de la guitarra y un cierto y preciso final, indicativo del enorme control de su creador.
"Cloudy" sigue, como un lejano precedente a los recientes trabajos que han caracterizado la más reciente etapa en la carrera de Drumm, un tema droner/ambient brumoso, de movimientos parsimoniosos y furtivos, tan inquietante como dulce; un epílogo, que, como se verá a continuación, queda ahora mal ordenado.
La controvertida "Impotent Hummer" inaugura la última cara de este trabajo. Éste fue un adendum colocado como primer tema en la reedición en cd de este trabajo en 2007. Su sustancia, de una naturaleza relativamente menos contundente que la de las demás, se decía interrumpía la cualidad tempestuosa de la secuencia original. En lo personal, a mí me parecía un buen preámbulo, y qué más, en el vinil, la encuentro fabulosa, caracterizada por una cualidad cuasi oceánica que está evidentemente ausente en los demás temas. Además, para ajustarse a los tiempos del vinilo, la organización original de los tracks ha sido totalmente desarticulada, así que no hubiera tenido ningún sentido dejarla fuera de esta edición.
En donde puede observarse más claramente las consecuencias del reacomodo de los tracks es en el útimo corte, "Turning Point" y en la ya mencionada "Cloudy," la cual inicialmente cerraba el disco. "Turning Point" queda relegada de su labor como abridora para convertirse en el punto final de esta edición, con su esquizofrénico beat, que inicialmente indicaba la demencial pauta a seguir. Esta brutal pieza, sumida en una gravedad pesadísima, queda desgraciadamente convertida en un aperitivo mal colocado, pero ni hablar, algunos sacrificios debían hacerse para conseguir el cambio del formato.
Como podrá inferirse, el gran inconveniente de esta reedición, prácticamente idílica, de "Sheer Hellish Miasma" es la secuenciación de sus temas. Pero si uno está dispuesto a permitir esta invasión a la memoria -o si se trata de la primera vez que se uno se encuentra con este trabajo-, entonces se trata de material absolutamente obligatorio: probablemente el mejor disco de Drumm y sin duda uno de los mejores de la década pasada. (S.S.)

Airway / Hijokaidan (Harbinger Sound, HARBINGER099, 2010)

El noise no surge de la nada. Existe una historia del noise, a pesar de que ésta sea insistentemente ignorada o erosionada por generalidades y la falta de convicción de muchos pretendidos ruidistas, evidenciada en su ignorancia con respecto a dónde y cuándo origina lo que dicen interpretar. Cuando se habla de los combos y artistas que formalmente crearon las primeras entregas y registros de noise como subcultura -con lo cual no me refiero ni a Russolo, Xenakis, Stockhausen, ni a ningún otro tipo de artista culto- generalmente tiende a señalarse a Lou Reed con su sobadísimo "Metal Machine Music," a las primeras presentaciones y sus registros de Borbetomagus, e incluso a los primeros trabajos de Boyd Rice. Pero de acuerdo con el que muchos consideran el padre del noise japonés, Jojo Hiroshige, el gérmen del noise verdaderamente surge con Airway, la multiforme, infernal orquesta que en los setentas desencadenara la Los Angeles Free Music Society (LAFMS).
Airway solamente editaron un disco, el volcánico "Live at Lace," y éste apenas ha contado con tres ediciones oficiales -limitadas-, pero ha poseído el ímpetu de contagiar a generaciones enteras de su febril poder y locura. Hoy, 32 años después de su primera publicación, Airway celebra con una nueva edición en vinil el aniversario de este documento. Asimismo, LAFMS celebró su propia existencia e influencia con The Lowest Form of Music, un magistral evento en Londres que comprendió una serie de conciertos, charlas y otras actividades, en las cuales, además de contar con presentaciones de bandas y artistas clave de esta organización, como Smegma, John Duncan, y Tom Recchion, se contó con la presencia de admiradores de la talla de Raionbashi y Kutzelina, Incapacitants, John Wiese y, por supuesto, Hijokaidan.
Estando tan lejos, la única forma en que me pude hacer partícipe de esta celebración fue adquiriendo este disco, inicialmente limitado para su venta exclusiva durante el evento, pero que afortunadamente ha logrado colarse a tiendas alrededor del mundo. Este documento presenta a los iniciadores del noise, Airway e Hijokaidan, unidos en una orgía absoluta de distorsión, retroalimentación, gritos, espasmos, electrónica e instrumentos torturados que se extiende lo suficiente para proveer suficiente evidencia del porqué la génesis del noise, como tal, ocurrió.
El primer combo en ofrendar sus delirantes sonidos en este vinilo es Airway con un tema en vivo capturado durante el concierto que dieron en el Gramercy Theatre de Nueva York el 22 de octubre de 2009. La alineación que se presentaría en esta ocasión fue simplemente enorme: Rick Potts, Dennis Duck, Aaron Moore, John Duncan, Linda Pitmon, Fredrik Nilsen, Joe Potts, Tom Recchion y Vetza. Esta sensacional orquesta centra la mayor parte de su set en una infecciosa descarga rítmica, con percusiones que van construyendo dinámicas en las cuales la potencia y la intensidad reinan. Las contagiosas líneas de un bajo se entrelazan con una rítmica predominantemente grave y constantemente explosiva, como la de Swans o la de Pigface en sus mejores momentos, dando espacio para deambular a los gritos y los alientos free-jazzeros. La contundencia de la pieza, sobre todo en sus primeros minutos es fascinante, con su energía motórica esparciéndose y llenando el espacio por completo.
En este corte, difícilmente queda algo de la abigarrada abrasión que caracteriza a "Live at Lace," restando, en vez de ello, una paquidérmica mole de sonido, precisa y contundente. Sin embargo, en la inigualable capacidad de Airway de encapsular el caos y hacerlo funcionar gracias a una dependencia plena en la intuición y en la necesidad de empujar los límites hasta donde se dejen arrastrar, puede rastrearse, inequívocamente, el gérmen que dio sentido e inspiración a los primeros e incomparables primeros artistas del noise, como Hijokaidan e Incapacitants.
Hijokaidan pueden leerse, en su contribución a este álbum, como el reflejo perfecto de Airway, llevado a las extremidades que tan a destajo tienden a explorar los japoneses con su ruido. La alineación de Hijokaidan en esta ocasión es perfecta, sin más: además de Jojo Hiroshige, Junko y Toshiji Mikawa, se encuentran Fumio Kosakai y Sabu Toyosumi, legendario baterista nipón que ha colaborado con Arthur Doyle, Keiji Haino y Makoto Kawabata entre muchos otros. Desde el momento en que entra el audio es difícil no rendirse ante el muscular, brutal ruido que sostienen. Ante este ímpetu es inevitable preguntarse, como el mismísimo Haino le dijo alguna vez a Hiroshige, si tanta potencia no acabará por consumirse a la brevedad. Pero no, entre los embates musculares de la improvisación libre de Toyosumi, surgen y persisten hasta el final los aullidos de la guitarra de Hiroshige y los gritos de Junko y la electrónica sórdida de Kosakai y Mikawa, todos, como si pertenecieran a confines inmemoriales de un ruido cósmico infinito. Si bien se trata de un tema mucho más articulado que usualmente -sobre todo gracias al consistente trabajo percusivo-, este corte es pura adrenalina electrónica, caos y éxtasis.
Este lp, editado en la clásica Harbinger Sound, es una excelente oportunidad para gozar del frenesí alquímico de estos dos monolítos del ruido y la música experimental como se debe hacerlo, en vinil. Fenomenal. (S.S.)

IRM - The Cult of Young Men (Annihilvs, APEX005, 2007)

IRM es uno de los más interesantes proyectos en emerger de los submundos industriales nórdicos durante la parte final de la década de los noventas. De manera por demás escueta, el objetivo de IRM, dice Erik Jarl, fue inicialmente el de establecerse como un proyecto de power electronics, una alternativa a los más tóxicos ambientes que exploraría con su otro proyecto, Jarl. Y efectivamente, IRM adquiere su fundación en la configuración más esencial del p.e.: Jarl interpreta una electrónica agreste y asfixiante que es complementada por los gritos repletos de flangers y delays de Martin Blahd. Dos personas -solamente- dando forma a pesadillas sonoras en el molde del género que pretendían representar.
"The Cult of Young Men" es muestra explícita de cómo IRM logra dibujar una complejidad inusual en sus trabajos operando desde un género que tiende a ser visto como uno severamente limitado. Este álbum es una suerte de pesadillesca banda sonora que desanda una extensa variedad de oscuros y decadentes caminos sónicos. La temática es dictada por Bladh, quien, con un evidente influjo del accionismo vienés, estudia lo humano desde su muy peculiar visión del cuerpo, vuelto mero recipiente de impulsos y pasiones que poco tienen que ver con la racionalización. Crucifixiones, mutilaciones autoinfligidas, extirpaciones y procedimientos quirúrgicos tienden a ser algunas de los procesos que Bladh explora en su discurso desesperado y violento.
Jarl, por su parte, genera un complejo tejido aural que combina masivos momentos de inmanencia sónica con los recurrentes elementos que caracterizan al industrial escandinavo: atmósferas gélidas, pulsaciones en vez de percusiones, sonidos sintéticos ríspidos y ferrosos. "Stage of Crucifixion" y "Euphoria" son ejemplos idóneos de esto, con sus rítmicas maquineras, pesadas y lentas, forjando cuadros sólidos, exactos, perfectamente delimitados ante cuya falta de variaciones se vuelcan las palabras de Bladh. Otras piezas se salen un tanto de esta dinámica, gracias sobre todo al inédito empleo de drones del que IRM echa mano en esta ocasión. "Aktion Anthem,""The Cult of the Young Man" y "Limelight" evidencian la particular persistencia de este elemento. La disposición de estos temas acusa una obvia alternancia con los temas más típicamente apegados al modelo estereotípico del p. e., otorgando un cierto balance y una fluidez cuasi-cinematográfica al total del álbum.
Los temas que rehuyen el patrón del álbum son "Here Are the Young Men," inusual y potente cover de Joy Division, que se siente perfectamente integrado en el lenguaje caústico de IRM y la rendición en vivo de "Sebastian," tema que cierra su anterior obra, el magnífico y colosal "Virgin Mind." Una versión más de la canción de Joy Division cierra el álbum, aunque en este caso se trata de una bastante -más- inusual, que incluye el empleo de algún piano y una vocalización mucho más clara de lo habitual para esta banda.
"The Cult of Young Men" posee muchos elementos que harán -y han hecho- protestar a los puristas: el empleo de motivos característicos del accionismo le ha costado al trabajo de Bladh haber sido calificado como "accionismo light" en más de una ocasión; asimismo, los temas explorados en sus álbumes han sido acusados de ser un tanto artsy en un movimiento que tiende a renegar de las faltas de convicciones en el arte contemporáneo y en la de sus medios de expresión y difusión. Con todo eso, es innegable que este álbum ofrece una contribución sumamente personal y consistente a un género sumamente cerrado. La calidad del álbum en grabación, composición y mezcla reitera el evidente compromiso que IRM tiene con su trabajo; después de todo, uno no debe andarse cortando miembros o bañándose de sangre para hacer buenos discos.
"The Cult of Young Men" es un gran disco pero no es un disco para cualquiera: sus atmósferas sofocantes, su registro, constantemente bordeando en el ruido, y sus hipnóticos paisajes de sonido generan pura tensión contenida. Si eso es lo tuyo, adelante, no quedarás decepcionado. (S.S.)

RUIDO HORRIBLE presenta: CONCIERTO DE SORIAH y VERTEX GERM

MIÉRCOLES 15 DE DICIEMBRE, 19:00. ENTRADA LIBRE

Soriah es el proyecto del músico y performer Enrique Ugalde, quien practica música experimental con tintes ambient y rituales. Sus presentaciones generalmente incluyen elementos de danza Butoh, performance, electroacústica y, de manera muy prominente, canto tuvano. Enrique ha practicado este arte de forma extensa a lo largo de su carrera, la cual se extiende a través de diez años, y cuatro producciones de larga duración: Ofrenda...s de Luz a los Muertos, Chao Orgánica in A Major para la disquera de Portlands Beta-Lactam Records, Marakame para Ruido Horrible y su colaboración con Ashkelon Sain, Atlán, para la disquera estadounidense Projekt. Durante su carrera, Soriah ha realizado colaboraciones en vivo o en estudio con artistas como Perry Farrell (Jane's Addiction), Psychic TV, The Dresden Dolls, Blixa Bargeld (Einstürzende Neubauten), The Legendary Pink Dots y Jarboe (Swans) entre muchos otros.

Para más información, (en inglés):

http://soriah.net/
http://www.myspace.com/soriahmusic
http://www.mynewsletterbuilder.com/email/newsletter/1410228333

Vertex Germ

Vertex Germ es un elusivo dueto proveniente de Puebla, México, que basa sus delirantes composiciones en el ambient, el noise y el glitch. Sumamente influidos por la cultura ritualista mexicana, Vertex Germ apenas ha hecho contadas apariciones en vivo y publicado tres trabajos, Alphatoxin para Ruido Horrible, un split llamado Día de Muertos junto a Vulgar Disease y el proyecto audiovisual Siddharta. Para esta presentación, Vertex Germ propone un trabajo audiovisual inquietante e hipnótico.
A continuación, una muestra del trabajo audiovisual de Vertex Germ:

http://www.archive.org/details/VertexGerm-Siddharthavideo

Durante el evento estaremos presentando los más recientes trabajos de ambas agrupaciones así como títulos selectos del catálogo de ruido horrible. La entrada es libre.

Incapacitants - 73 (Alchemy Records, ARCD-180, 2007)

La energía de Toshiji Mikawa y Fumio Kosakai -los inigualables Incapacitants- es tan incomparable que se ha vuelto legendaria. Y cada instante de la maníaca construcción electrónica que es "73" está rotundamente infectada de ella. Caos frenético y control minucioso son parte del oxímoron sónico de alta tensión que constituye "What a Stupid Bureaucrat!!!," primer tema de este larga duración. Siete minutos y medio de un huracán de espasmódica libertad ruidística. El segundo corte, "Please Don't Try this at Home" recoge la totalidad de la primera presentación que el dueto realizara en vivo en los Estados Unidos -en el No Music Fest de 2003- y, a pesar de la que la calidad de grabación no sea la mejor, permite ver la magnitud del infierno de ruido que estos dos empleados bancarios pueden llegar a generar posicionados tras sus prodigiosos aparatos electrónicos. Poco más de veinte minutos de exorbitante agonía de circuitos, bocinas y cables al borde de la fundición . Hacia el final todo se vuelve insostenible; un inesperado zumbido corta las frenéticas dinámicas y a pesar de que la dupla regresa desgarrándose las gargantas la visión infernal se niega a reaparecer.
El tercer corte, "Fund Trap" es uno de esos increíbles y volátiles ataques donde Mikawa y Kosakai se dejan ir con todo sin el más mínimo miramiento. La intimidante, excesiva descarga de feedback, pulsos electrónicos y gritos apenas dura unos minutos, pero es suficiente para dejar en claro porqué estos hombres son los más enormes amos del juego que ellos mismos inventaron, primero como miembros de Hijokaidan y luego, de forma más certera, como Incapacitants.
El cuarto corte "Dedicated to Koji Tano" es una excelente ofrenda de ruido a la memoria de aquel enorme ruidista que tras MSBR -proyecto y disquera- fuera compañero de muchas batallas de Incapacitants como parte de la primera generación del llamado japanoise. En este extenso corte, grabado en vivo en el Club Lush de Tokio, el dueto se da tiempo para cimentar su obliterante masa de ruido en el espectro grave. Los cavernosos rugidos de la distorsión embotan la atmósfera, se cuelan por cada recoveco y se dispersan colmándolo todo lentamente como en una inundación. Poco a poco, Kosakai y Mikawa separan sus registros: uno anclado en la densidad y el otro conjugando demenciales explosiones de ruido. Súbitamente, uno se da cuenta hasta qué grado todo ha crecido, como un humo tóxico que ha devorado por completo el aire. Entonces entran las dinámicas convulsivas. Todo se empieza a quebrar y se fragmenta. Al final sólo queda el feedback opresivo y el ruido de las máquinas que lentamente colapsan.
Quizás no sea uno de sus más grandes trabajos -como "Feedback of N.M.S." o "As Loud as Possible" o "El Shanbara Therminosis"-, pero, aún así, "73" tiene material de una factura tal que podría humillar a la gran mayoría de sus competidores. "73," editado en Japón en la legendaria Alchemy Records de Jojo Hiroshige, ofrece lo que todo buen disco de noise debe: intensidad y sustancia. Y, por qué no, también algo de alegría. (S.S.)

Kreuzer - L'Armée Secrète (R.O.N.F. Records, RNF-054, 2010)

Kreuzer es un acto industrial israelí activo desde 2004. En "L'Armée Secrète," su más reciente producción, este proyecto centra su sonido en las convenciones que forman el sonido característico del industrial europeo: sampleos con temas políticos, rítmica marcial, ominosos ambientes sintéticos, e incluso el tema de la Segunda Guerra Mundial, aunque, claro, en esta ocasión visto del lado de los alíados.
Desde una primera escucha me quedó claro que "L'Armée Secrète" no posee gran valor como novedad. Sin embargo, lo que pierde Kreuzer en innovación, lo gana en contundencia. Kreuzer consigue establecer en el limitado tiempo que ofrece el formato del disco de tres pulgadas -veinte minutos- un trabajo bien redondeado y consistente que explora adecuadamente los principales géneros del industrial más estereotípico -power electronics, dark ambient, industrial marcial, etc.- Incluso podría sostener que llega a producir temas que rayan en lo brillante, como "La Libération." Este corte, más que cualquiera de los cinco que componene este mini-álbum, muestra la exactitud con que este proyecto se acerca a los patrones habituales de la old school, con un seguimiento dinámico y trepidante que gana fuerza con la seca persistencia de sus percusiones y la voz de ultratumba de Charles de Gaulle sustituyendo los usuales aullidos del gritante de power electronics. En lo personal, me sobran un poco los teclados tenebrosos del dark ambient, pero aquí, incluso, no parecen estar tan fuera de lugar. Por cierto que el arte, con su mezcla de propaganda e idealización partisana, es excelente. (S.S.)

Peter Christopherson (1955-2010)

Peter Christopherson falleció la noche de ayer. Su música, especialmente cuando daba color a las palabras de Jhon Balance, cambió mi vida totalmente. Sé bien que no soy el único que lo extrañara terriblemente.

(foto tomada de http://industrialrevolution-gr.blogspot.com)

Darksmith - Total Vacuum (Hanson Records, s/n, 2010)

El primer lp de Darksmith, Total Vacuum sorprendió al desaparecer de los estantes virtuales casi inmediatamente después de aparecer. Ante su inusitado éxito, Hanson Records ha decidido reeditarlo en formato de cd.
Total Vacuum es un álbum que aborda la tradición de la musique concrète desde una perspectiva sumamente orgánica y ríspida. Cada uno de los cortes deja a su paso ese gustillo ferroso a cinta magnética y los distantes ecos de la degradante infinitud que produce el vaivén del carrete que corre en un loop. Los siete cortos temas contenidos en este trabajo fueron producidos con un evidente desdén por la alta fidelidad y las buenas costumbres sónicas, estableciendo, en vez de ello, escalofriantes descomposiciones de sintáxis melódicas y rítmicas. Shared Empty Space, el corte abridor, es buena muestra de ello. Con una sobrecarga de voces paneadas, golpeteos a micrófonos y chirridos de procedencia misteriosa, este corte es generado de una manera tan arbitraria e intuitiva que uno puede ver, claramente, como los posibles errores van abriéndose paso, adquiriendo sentido súbitamente. Six Interiors con su andar mecánico y metálico podría haberse desprendido de algún álbum de Chop Shop.
Éste último parece ser una referencia obvia, como parecen serlo Yeast Culture y Hands To. Sin embargo, la configuración del trabajo de Darksmith es mucho más parca que la de éstos. Temas como Now, A Blue Period y The Phantom Other Half poseen un elemento fantasmal, mezcla de melancólico y lúgubre, que podría haber llegado a tornarse en hipnótico de no ser por su brevedad. Por lo mismo, el aspecto meditativo y cuasi ritualista de sus predecesores no se encuentra en este trabajo más que por algunos instantes, diluyéndose rápidamente.
En lo personal, esta brevedad y concisión me hizo pensar en Total Vacuum como en una especie de catálogo de sonidos que, con cada tema ofertado, traza una hipérbole insostenible sólo para, inmediatamente después, precipitarse al olvido. La marca de Darksmith es, sin embargo, plenamente distintiva y peculiar y sus cuadros sonoros, aunque efímeros, son decididamente complejos y deleitosos, sobre todo, por ser evidentemente lejanos a la obviedad y a las convenciones incluso del propio género en que se les podría llegar a ubicar. Mi segundo encuentro con este artista decididamente me ha intrigado aún más. (S.S.)

Vomir/Animal Machine - Testicular Freedom (Invaginity, INVS-2, 2010)

Invaginity (¿referencia a Merzbow, quizás?) es la nueva disquera de Ernesto Bohorquez de Animal Machine, la cual presenta con "Testicular Freedom," la segunda parte de lo que será -aparentemente- una serie de splits de ruido devastador entre Animal Machine y otros ruidistas selectos. En este caso además del proyecto de Bohorquez, se presenta el radical noisero francés Vomir.
Sin más, Vomir comienza su intervención intempestivamente al construir de la nada un túnel de rugidos electrónicos oscuro y férreo. Un tono al fondo da más peso a la masa de herrumbre apocalíptica, al tiempo que traza un sendero hipnótico y engañoso. Con su corte, Vomir nuevamente explota la incesante involución de la inmanencia aural, forjando a partir de su trabajo una oscura y degradada cinta de Moebius que, de manera garantizada, proveerá al escucha de un delicioso adormecimiendo neuronal.
Animal Machine, por su parte, continúa con su propia racha prolífica -con más de 30 producciones sólo en este año- en esta cinta con tres devastadores bloques de ruido fuera de control a los que agrupa bajo el título de "Disposable Masochrist Doll." Desde su comienzo, convulsivas capas de ruido blanco toman control del rango medio mientras una obliterante masa de fecuencias bajas se apodera de la gravedad en la primera sección de este corte. La siguiente parte tiene una dinámica más harsh, concentrando sus variaciones en una velocidad y una abstracción espasmódicas, en clara referencia a la furiosa locura del cut-up ruidista. Hacia el comienzo del tercer corte, prácticamente toda la estabilidad del rango grave se ha perdido, dejando a su paso solamente los zigzageantes vaivenes de pulsos electrónicos fuera de control, desbordados y frenéticos. El final trae de vuelta, al menos en apariencia, a la potencia grave; pero apenas poco después, Animal Machine decide ir de lleno contra todo, desmembrando e hilvanando caóticamente todo rango de frecuencias en una maraña anárquica de ruido.

La idea tras la cinta es evidentemente referencial del mismo modo que la mayoría de las disqueras europeas de noise más radicalmente underground contemporáneas lo son con sus producciones -véanse Symbolic Prod o Underground Pollution Records para más ejemplos-, al emplear cintas recicladas, arte minimal en fotocopias y pornografía explícita, y al desentenderse con vehemencia de cualquier cercanía con conexiones pseudo artísticas o cultas. Ruido por el gusto de hacer ruido.

Animal Machine/DMAH - Sangre, Tierra y Oro (Vomit Bucket Productions, VBP 048-2010, 2010)

"Sangre, Tierra y Oro" es la cataclísmica tormenta de casi 40 minutos que invocan el colombiano DMAH y el peruano Animal Machine en ésta, su primera colaboración. La clásica distorsión digital de Animal Machine, cada vez más cercana al abandono del HNW, se topa con la incesante descomposición de pulsos y chirridos electrónicos de DMAH. Mientras la parte más dinámica se encuentra secamente confinada a los rangos medios -de manera casi permanente-, dando peso y ataque al tema, la obliteración de frecuencias en los espectros grave y alto genera una atmósfera expansiva y abierta. La combinación se siente complementaria y efectiva.
"Sangre, Tierra y Oro" no es trabajo opresivo, sino más bien uno libre e ingrávido. Su estructura es la de un caudal donde el flujo es constante y los movimientos tan furtivos que pasan muchas veces desapercibidos al oído. Éste es un tema más que para oírse para sentirse y cargar las baterías. Noise de verdad.

Animal Machine - Post-Coital Fetus (Smell the Stench, s/n, 2010)

La entrada de "Post-Coital Fetus" no posee la más mínima discreción, sino que por el contrario va a por todo con el abrupto desencadenamiento de una gigantesca marea de ruido que bordea en la estática. La excesiva deformación de las frecuencias llevadas al tope extiende su distorsionado siseo a lo largo de todo el corte, dotando al tema de una paradójica inmovilidad que contradice la furiosa velocidad de cortes y violentos cambios de densidades que ocupa, también, el total de la pieza. En vez de ver el total de movimientos fundirse en una gama de frecuencias demasiado delimitada, -lo cual generalmente deviene en un caos torpe y sin mucho contenido valioso- los dos aspectos consiguen operar de una forma prácticamente independiente, implementando, de forma consistentemente complementaria, excesos sónicos de órdenes totalmente distintos. El resultado final es un tema sumamente enérgico que, sin llegar a los extremos espásmodicos del japanoise, fluye y contagia su interminable ímpetu al escucha. La edición, a cargo de Smell the Stench, es como generalmente puede esperarse de esta disquera, más que minimal: apenas un cdr desposeído de cualquier tipo de marca de identificación o arte que es apenas acompañado por una fotocopia de un collage porno bastante simplón. Afortunadamente, el ruido contenido en él sí vale lo que el disco. (S.S.)

irr. app. (ext.) - Josephine & Elsewhere (Errata In Excelsis, eie08, 2010)

Con, "Looking for an Empty Gesture," irr. app. (ext.) inauguró el año pasado una serie de registros de su esporádico y accidentado trabajo en directo. Pero mientras aquel trabajo representaba el esfuerzo conjunto de un ensamble más o menos constante, la segunda parte de esta serie, "Josephine & Elsewhere" presenta a Matthew Waldron en solitario, ofreciendo una sorprendente serie de surreales temas repletos de una compleja instrumentación y una estructura delirante.
Esta colección reúne grabaciones de los tres recitales que Waldron ofreció en Washington durante 2009. Estos eventos, de acuerdo con las notas del propio artista -incluídas en el diseño-, fueron poco menos que satisfactorios. De acuerdo con su reporte, la ambiciosa idea de reunir suficiente material para ofrecer, en cada una de las presentaciones, un set diferente le exigió un control extremadamente minucioso del sonido y la ejecución. Esto lógicamente se trata de algo sumamente difícil de realizar, sobre todo, si el intérprete requiere tocar un ejército de instrumentos, juguetes, samplers y loopers y, por supuesto, además debe cantar de vez en vez. A pesar de la decepción que se apoderó de Waldron tras los eventos, los registros parecen contradecir su percepción: Si bien la edición es -declaradamente- persistente, los temas contenidos en "Josephine & Elsewhere" se entrelazan de manera deliciosa, fundiendo sus oníricas identidades en un sueño sónico vibrante y disparatado.
Lo más interesante de este documento quizás sea que su cauce se pueda sentir tan natural dada la diversidad de ambientes y estilos que Waldron decidiera emplear en sus presentaciones. Del sinsentido casi funky de "Caniad at Yr Annisgwyl Sbasm," a la plena abstracción seudo mecánica de "Spiralfederschlagen und Meckera" no hay más que segundos de separación y, sin embargo, ambos temas se sienten como universos sonoros totalmente divergentes. La maestría con que Waldron agrupa, separa y hace callar cuando es debido cada pequeña partícula de su instrumental es fascinante.
Sería insulso intentar describir cada uno de los temas; el total, a distancia, resulta una acumulación, al borde del estallido, de delirios y de conjugaciones visionarias de pesadillas audibles que corre a través de páramos contradictorios, inciertos, ilógicos. Si bien "Josephine & Elsewhere" difícilmente podría llegar a considerarse propiamente un registro en vivo después del profuso tratamiento y proceso quirúrgico, sí se trata de un delicioso vómito de la imaginación de ese gran -y aún largamente ignorado- artista que es Matthew Waldron, quien por cierto recién visitó nuestro país como parte de la alineación en directo de Nurse With Wound.
"Josephine & Elsewhere" es editado directamente por la disquera del artista, Errata In Excelsis y cada una de sus copias fue diseñada, manufacturada e impresa por él mismo. Sobra mencionar que cada copia está firmada, numerada y adornada por un dibujo a tinta exclusivo en cada copia. (S.S.)

23.09.10 NINGUNA NÍNFULA, KATZEN & AMNIOSIS

NINGUNA NÍNFULA, proyecto alterno de Christian Galarreta junto a Sabrina Melenotte, hará su debut el jueves 23 de septiembre con nuestros amigos del SA-SÓN CULTURAL. Este proyecto mezcla intrincados juegos de electrónica y programación con un sonido etéreo en guitarras y sintetizadores. KATZEN, integrado por Mari de MELODIKLASTA y Daniel de MASACRE SENTIMENTAL, también se estará presentando con su sonido de psicodelia ritual/rural. AMNIOSIS también tendrá una participación con un set bastante más ambient que usualmente. La cooperación es de 10 pesos. El evento empezará a las 9 de la noche. El lugar es el SA-SÓN CULTURAL (Melchor Ocampo#234 Local 1B y 2B entre Marina Nacional y Villalongín, frente a Plaza Galerías).


RUIDEROS DISEÑADOS POR CHRISTIAN GALARRETA A LA VENTA


Un RUIDERO es una tarjeta ROM cuyas características han sido violadas. El resultado es un oscilador bastante práctico y funcional que produce sonidos sumamente radicales. Si han presenciado algunos de los últimos conciertos de Christian o de Los Heraldos Negros, habrán podido verlos en operación. Los modelos a elegir son los siguientes:

SantaNoise-2

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de una melodía navideña grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con una perilla y puedes jugar con la variación de las mismas con un sensor de luz que tiene en la parte de arriba (este es sensible al movimiento de tus manos en el aire debido a los juegos de sombras), a diferencia del SantaNoise-1 en vez de los puntos de metal generadores de interferencia, este modelo tiene un pulsador con el que puedes inducir cambios bruscos de voltaje lo que se traduce a sonido como una variación en rampa hacia frecuencias mas agudas o graves . Solo lleva 2 pilas L736 (tipo botón), las más chiquitas y baratas como las que se usan en un reloj pulsera.

Costo: 350 pesos

videos:

http://www.youtube.com/watch?v=DG8vvFGCsY4

http://www.youtube.com/watch?v=Hpq-L61Kpzc

Violador-1

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de la melodía “Canción de Cuna” grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con 1 perilla que puede producir variaciones de altura, ritmo y ruidos muy estridentes. Solo lleva 1 pila L736 (tipo botón), la más chiquita y barata como las que se usan en un reloj pulsera.

Costo: 250 pesos

http://www.youtube.com/watch?v=0bPoLTaC1yk

http://www.youtube.com/watch?v=08op06ADpqU

Violador-2

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de la melodía “Canción de Cuna” grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con 4 perillas que puede producir variaciones de altura, ritmo y ruidos muy estridentes, las perillas funcionan por pares: una selecciona el rango de frecuencias y la otra permite generar variaciones dentro de ese rango. Los pares de perillas son seleccionados por un switch, lo que hace posible que conserves un comportamiento en uno de los pares mientras exploras con el otro. A diferencia de los otros modelos este también cuenta con un switch selector para que funcione solo con perillas o con perillas + sensor de luz (este sensible al movimiento de tus manos en el aire debido a los juegos de sombras) este ultimo hace variaciones en el ritmo y la dinámica del sonido. Solo lleva 1 pilas L736 (tipo botón), las más chiquitas y baratas como las que se usan en un reloj pulsera.

http://www.youtube.com/watch?v=Ed6sLD8sQdk

http://www.youtube.com/watch?v=ni7j7WEfkjI

SI LES INTERESAN, DIRECTAMENTE A CHRISTIAN EN: galchrs @ gmail.com

RUIDO HORRIBLE PRESENTA: JUSTICE YELDHAM , KEVIN SHIELDS, MELODIKLASTA & I/C/O/C

miércoles 11 de agosto, 19:00 en EL SASÓN CULTURAL: MELCHOR OCAMPO 234 (entre Marina Nacional y Villalongín frente a galerías de las estrellas) cooperación 15 pesos

Dos grandes exponentes del ruidismo más abrasivo y físico a
nivel mundial, acompañados de dos grandes bandas de ruido mexicanas por sólo 15
pesitos. Sin más palabras, un poco de lo que podrán ver si nos acompañan esta
noche:

http://www.youtube.com/watch?v=nuuSTtkqWek

http://www.youtube.com/watch?v=wGql2BaRPS4

Jason Crumer – Ottoman Black (Hospital Productions, HOS215, 2008)

Extendiéndose apenas poco más de media hora, “Ottoman Black” echa mano de una sumamente diversa gama de elementos de manera más que efectiva. Lo mismo dejando pasar momentos de una calma mesmérica que las más virulentas erupciones de feedback, Jason Crumer formuló en este trabajo un intrincado plano de sonidos que funcionan como una perfecta aleación de ruido, experimentalismo y sonido extremo.
Los cortes, sucediéndose sin pausa alguna entre sí, son mutaciones de formas reunidas bajo la perfección de una edición cuidada y trabajada. Cada descarga de distorsión, cada quiebre de frecuencias, cada momento de solaz armónico viene perfectamente ubicado como contrapunto a algún otro movimiento insospechado. Los instantes de tensión gutural y de electrónica quebradiza entre “Self Deceiver” y “Where Were You” son fabulosas muestras de una compulsiva locura concatenante. “Betrayal After Betrayal” se contrapone con dureza infernal, dejando salir de su seno violentas ráfagas de distorsión, repeticiones cerradísimas de delays en frenesí y mares de ruido blanco. “Certified Blue” es una inquietante caída hacia la calma, que parte de la belleza tonal en una lenta huída hacia el silencio.
No hay más que decir, “Ottoman Black” es un disco obligado para todos aquellos que gusten de los sonidos extremos aunados a la complejidad compositiva. Un trabajo corto, sumamente meticuloso y fascinante. (S.S.)