23.09.10 NINGUNA NÍNFULA, KATZEN & AMNIOSIS

NINGUNA NÍNFULA, proyecto alterno de Christian Galarreta junto a Sabrina Melenotte, hará su debut el jueves 23 de septiembre con nuestros amigos del SA-SÓN CULTURAL. Este proyecto mezcla intrincados juegos de electrónica y programación con un sonido etéreo en guitarras y sintetizadores. KATZEN, integrado por Mari de MELODIKLASTA y Daniel de MASACRE SENTIMENTAL, también se estará presentando con su sonido de psicodelia ritual/rural. AMNIOSIS también tendrá una participación con un set bastante más ambient que usualmente. La cooperación es de 10 pesos. El evento empezará a las 9 de la noche. El lugar es el SA-SÓN CULTURAL (Melchor Ocampo#234 Local 1B y 2B entre Marina Nacional y Villalongín, frente a Plaza Galerías).


RUIDEROS DISEÑADOS POR CHRISTIAN GALARRETA A LA VENTA


Un RUIDERO es una tarjeta ROM cuyas características han sido violadas. El resultado es un oscilador bastante práctico y funcional que produce sonidos sumamente radicales. Si han presenciado algunos de los últimos conciertos de Christian o de Los Heraldos Negros, habrán podido verlos en operación. Los modelos a elegir son los siguientes:

SantaNoise-2

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de una melodía navideña grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con una perilla y puedes jugar con la variación de las mismas con un sensor de luz que tiene en la parte de arriba (este es sensible al movimiento de tus manos en el aire debido a los juegos de sombras), a diferencia del SantaNoise-1 en vez de los puntos de metal generadores de interferencia, este modelo tiene un pulsador con el que puedes inducir cambios bruscos de voltaje lo que se traduce a sonido como una variación en rampa hacia frecuencias mas agudas o graves . Solo lleva 2 pilas L736 (tipo botón), las más chiquitas y baratas como las que se usan en un reloj pulsera.

Costo: 350 pesos

videos:

http://www.youtube.com/watch?v=DG8vvFGCsY4

http://www.youtube.com/watch?v=Hpq-L61Kpzc

Violador-1

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de la melodía “Canción de Cuna” grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con 1 perilla que puede producir variaciones de altura, ritmo y ruidos muy estridentes. Solo lleva 1 pila L736 (tipo botón), la más chiquita y barata como las que se usan en un reloj pulsera.

Costo: 250 pesos

http://www.youtube.com/watch?v=0bPoLTaC1yk

http://www.youtube.com/watch?v=08op06ADpqU

Violador-2

El aparato juega con una onda sinusoidal generada por la descomposición de la melodía “Canción de Cuna” grabada en una memoria ROM (con un oscilador de 8 bits). Las alturas se modulan con 4 perillas que puede producir variaciones de altura, ritmo y ruidos muy estridentes, las perillas funcionan por pares: una selecciona el rango de frecuencias y la otra permite generar variaciones dentro de ese rango. Los pares de perillas son seleccionados por un switch, lo que hace posible que conserves un comportamiento en uno de los pares mientras exploras con el otro. A diferencia de los otros modelos este también cuenta con un switch selector para que funcione solo con perillas o con perillas + sensor de luz (este sensible al movimiento de tus manos en el aire debido a los juegos de sombras) este ultimo hace variaciones en el ritmo y la dinámica del sonido. Solo lleva 1 pilas L736 (tipo botón), las más chiquitas y baratas como las que se usan en un reloj pulsera.

http://www.youtube.com/watch?v=Ed6sLD8sQdk

http://www.youtube.com/watch?v=ni7j7WEfkjI

SI LES INTERESAN, DIRECTAMENTE A CHRISTIAN EN: galchrs @ gmail.com

RUIDO HORRIBLE PRESENTA: JUSTICE YELDHAM , KEVIN SHIELDS, MELODIKLASTA & I/C/O/C

miércoles 11 de agosto, 19:00 en EL SASÓN CULTURAL: MELCHOR OCAMPO 234 (entre Marina Nacional y Villalongín frente a galerías de las estrellas) cooperación 15 pesos

Dos grandes exponentes del ruidismo más abrasivo y físico a
nivel mundial, acompañados de dos grandes bandas de ruido mexicanas por sólo 15
pesitos. Sin más palabras, un poco de lo que podrán ver si nos acompañan esta
noche:

http://www.youtube.com/watch?v=nuuSTtkqWek

http://www.youtube.com/watch?v=wGql2BaRPS4

Jason Crumer – Ottoman Black (Hospital Productions, HOS215, 2008)

Extendiéndose apenas poco más de media hora, “Ottoman Black” echa mano de una sumamente diversa gama de elementos de manera más que efectiva. Lo mismo dejando pasar momentos de una calma mesmérica que las más virulentas erupciones de feedback, Jason Crumer formuló en este trabajo un intrincado plano de sonidos que funcionan como una perfecta aleación de ruido, experimentalismo y sonido extremo.
Los cortes, sucediéndose sin pausa alguna entre sí, son mutaciones de formas reunidas bajo la perfección de una edición cuidada y trabajada. Cada descarga de distorsión, cada quiebre de frecuencias, cada momento de solaz armónico viene perfectamente ubicado como contrapunto a algún otro movimiento insospechado. Los instantes de tensión gutural y de electrónica quebradiza entre “Self Deceiver” y “Where Were You” son fabulosas muestras de una compulsiva locura concatenante. “Betrayal After Betrayal” se contrapone con dureza infernal, dejando salir de su seno violentas ráfagas de distorsión, repeticiones cerradísimas de delays en frenesí y mares de ruido blanco. “Certified Blue” es una inquietante caída hacia la calma, que parte de la belleza tonal en una lenta huída hacia el silencio.
No hay más que decir, “Ottoman Black” es un disco obligado para todos aquellos que gusten de los sonidos extremos aunados a la complejidad compositiva. Un trabajo corto, sumamente meticuloso y fascinante. (S.S.)

Werewolf Jerusalem/Wasp Honeymoon – Próximas Víctimas (R.O.N.F. Records, RNF-029, 2008)
“Próximas Víctimas” es el trabajo colaborativo de dos proyectos basados en el HNW, Wasp Honeymoon y Werewolf Jerusalem, constante alias de Richard Ramirez. Las capas de estática adormecedora y hasta relajante que conjuran en el minúsculo primer corte en realidad son descargas de frecuencias altísimas puestas en una constante tal que podrían llegar a confundirse con un sonido relativamente ambient. Esta irresoluble ambigüedad entre brutal y estático se ve tanto más evocada en el segundo corte, en el cual la dupla se deja caer en ambiente amniótico por apenas unos instantes. La presencia de este ambiente dulzón, que pareciera desintegrarse automáticamente, en realidad se extiende a lo largo del corte, a pesar de que al frente sigan desmembrándose frecuencias altas y filosas. De este tema, podría incluso decirse que es relativamente dinámico en cuanto al noise de este tipo, ya que los cambios se dejan caer intempestivos. Lo paradójico es que conduzcan a ambientes relativamente simétricos en su abuso de la estática.
El tercer y último corte es el que más declaradamente se queda en los muros de ruido, formulando un gigantesco edificio de estática que resuena con el poder de las fuerzas naturales. Hay movimiento a todo lo largo, sí, pero es tanto y ante el marco general cada fragmento de éste se ve tan diminuto, que pareciera que se tratara de una pieza sin variación alguna. El sonido es similar al de una lluvia fuerte, duro, resuelto, pero a la larga incluso reconfortante. (S.S.)

Aaron Dilloway - Door with No Handle (Hanson Records, HN213, 2009)

En “Door with no Handle” Aaron Dilloway sigue desandando caminos inciertos en la creación sonora. Notablemente alejado del ruidismo por el cual usualmente se le identifica, Dilloway juega en la confección de esta cinta con grabadoras de carrete abierto en la creación de loops extraños y sumamente fragmentarios.
El primer lado de esta cinta reúne atmósferas herrumbrosas cercanas a lo industrial, a las cuales Dilloway conjuga con sus característicos loops, en este caso de ruidos metálicos que, tras una formulación un poco más extensa, terminan poseídos por un espíritu plenamente mecánico y pesado. Una edición brusca introduce como tercera parte de este tema un fraseo en sintetizadores que absorbe el golpear maquinero anterior y que dota al total de la pieza de un dejo de tecno sumamente primitivo, similar a los experimentos más oscuros de Cabaret Voltaire, pero que eventualmente acaba por sucumbir a un más usual noise libre.
La segunda cara comienza con un estallido de repeticiones. Claramente tomado de alguna pieza musical pop, el sampleo empleado aquí es tan corto y ha sido tan deformado por la velocidad que es prácticamente imposible de identificar. Detrás de la solidez de este sampleo, se deslizan descargas de ruido que buscan complementar su cauce. Cuando el sampleo cesa abruptamente, este ruido y otro sampleo más ferroso y discreto se vuelven el centro del tema. Los loops se siguen unos a otros, sucediéndose, amontonándose, descomponiéndose, siendo modificados por erráticos cambios de velocidades. El resultado es que el total del trabajo se trate de una estructura siempre mutante, en extraño y persistente movimiento.
Como bien se puede ver en “Door with No Handle,” la bien conocida afición de Dilloway por el avant-garde y por el experimentalismo sonoro cada vez deja ver más su influencia y su paulatina emancipación del radicalismo del noise. (S.S.)

Macronympha - Amplified Humans (Industrial Recollections, s/n, 2009)

Durante los noventas, Macronympha se constituyeron como los reyes absolutos del ruido en los Estados Unidos. Heredando la abrasión del japanoise, la dupla de Rodger Stella y Joseph Roemer -a menudo, como en el caso presente, apoyados por Tim Oliveira, alias Stimbox- crearon algunos de los más grotescos ejemplos del ruidismo extremo. "Amplified Humans," originalmente producido como una cinta en 1997, conjuga idóneamente sus dos cualidades sonoras más intensas: el empleo abusivo del noise con pedales y el intenso ejercicio del embate a tambos y otros objetos metálicos.
El primer corte reúne alternativamente ambos elementos. Los furiosos ataques contra objetos metálicos, sordos, violentos, suenan como descargas explosivas que se complementan por el grotesco empleo de distorsión modelada en extremos graves, siguiendo un dinamismo parecido al de otros clásicos como Incapacitants. La edición permite a Macronympha optar por alternar dos temas resueltamente distintos en ambos canales o por embotar al escucha con una desquiciante masa de ruido en ambos extremos. El seguimiento parecería caótico, permitiendo todo tipo de dinámicas cobrar sentido, pero tras las consecutivas, obliterantes descargas puede entenderse un seguimiento cuasi-musical, asignando momentos de mayor y menor tensión alternativamente o simplemente disparando hacia los extremos.
El segundo corte nuevamente se sirve de la edición, casi en forma de collage, para formar momentos de alta intensidad en un complejo juego de maniobras ruidísticas. Los golpes se sienten como disparos y las atmósferas, sobreponiéndose entre sí, hacen a la alternancia de sus sonidos fascinantes imágenes de ruido post-apocalíptico.
"Amplified Humans" es parte de la serie de reediciones de material industrial clásico que Industrial Recollections ha puesto en marcha desde el año pasado. Estas reediciones buscan preservar en lo más posible el sonido original de las cintas alejándose de cualquier tipo de masterización digital y dejándoselo todo al sonido gastado, ríspido de la reproducción análoga. Se trata de material excelente en una edición sumamente austera, diseñada para preservar en la forma más fiel posible estos escasos y fascinantes documentos del pasado del underground. (S.S.)

Mark Solotroff & Jason Soliday - Soliday/Solotroff (Whitechapel Records, WC-08, 2007)

Esta colaboración entre los excompañeros en Animal Law, Mark Solotroff y Jason Soliday, es totalmente directa. Estos dos ruidosos residentes de Chicago se entregan de lleno a un ruidismo filoso, donde el feedback constituye la parte más esencial. Los quebrantos de los micrófonos en el primer corte son tan agudos que prácticamente no dejan pasar nada, atacando con sus enervantes frecuencias y siendo apenas contradichos por una electrónica igualmente aguda y recurrente. Conforme se acerca el final del tema, los embates se vuelven cada vez más abiertos pero también más intensos, haciendo al escucha, más de una vez, víctima de los puntiagudos bordes, casi inaudibles, del campo magnético en absurda, absoluta saturación. En comparación, el desenlace, mecánico y pesado, se siente como un alivio.
El segundo corte, contenido en un disco aparte, recoge los sonidos de metal golpeado, conversaciones, juegos con distorsión extrema y, nuevamente, la desquiciante malevolencia del feedback. Sin darse descanso alguno, la dupla comienza su ataque directamente con una mole de ruido que mezcla todos los elementos recién mencionados con una pasmosa simultaneidad. El efecto es un ataque sensorial tan extremo que aún a avolúmenes bajos es increíblemente abrasivo. Hacia la mitad, la cautelosa inserción de un drone hace del total algo similar a lo que sería un tema de Glenn Branca llevado al extremo, con el cauce tonal señalando el camino a la masa de ruido que se destiende en toda su longitud.
A pesar de ser claramente un disco de noise, "Soliday/Solotroff" se sale bastante de la norma, ofreciendo invenciones ruidísticas que no recurren a los elementos más comúnes del género y que tienen una capacidad sorprendente de ser extremas y agresivas como pocas. Éste es un trabajo lleno de energía y fuerza. "Soliday/Solotroff" fue editado por Whitechapel Records como un cdr doble empacado en una funda de cartón hecha a mano y con una excelente calidad de impresión. (S.S.)

Lngtché - Recordings for Osip Mandelstam (Phage Tapes, PT32, 2008)

Lngtché es un misterioso proyecto canadiense que practica una suerte de ambient oscuro y asfixiante. Desde el primer corte de "Recordings for Osip Mandesltam I-IX," la gruesa, aplastante atmósfera de ventisca primordial parece querer engullir al escucha con su envolvente magnitud. Y ésa es la constante del álbum: Sonidos fincados en el borde grave del espectro se convierten en un edificio imaginario que alberga en sí los abstractos juegos de síntesis proveniente de un sintetizador Doepfer. Nueve temas de fascinantes juegos de sombras producidos con una calidad impactante rinden homenaje al poeta polaco. No se dejen engañar por el discreto empaque; éste es un gran trabajo. (S.S.)

GENETIC TRANSMISSION

Genetic Transmission es una de esas bandas de las cuales uno no se puede explicar por qué han sido ignoradas por tanto tiempo. Incluso, mínimamente, la propia calidad de sus ediciones tiende a superar las convenciones sin problemas. Sónicamente, su producción es cuidada como pocas. El material de Genetic Transmission parece sacado de lo más profundo de un onirismo delirante, tanto en lo musical como en lo visual. Las presentaciones de sus discos responden a algún proceso de extrañamiento, como si hubiesen sido traídas de otra dimensión, aún cubiertas de una naturaleza enigmática e inquietante.

Recientemente, Tomasz Tardawa, el hombre tras Genetic Transmission, concedió una entrevista a ruido horrible, en la cual nos habló un poco de la naturaleza de su sonido y de los pormenores de sus planteamientos artísticos:


Ruido Horrible: Para aquellos que aún no estén familiarizados con tu trabajo, ¿podrías por favor presentarte y hablarnos un poco de éste?

Genetic Transmission: He estado involucrado en la creación musical desde mediados de los ochentas. Comencé como bajista en una banda postpunk llamada BWR -sonaba como entre God's Gift y No Trend. En 1987 me uní a Zilch, la cual cambiaría de nombre a un proyecto llamado Ładne Kwiatki después de varios cambios de integrantes. Mi siguiente paso fue la instauración de una nueva creación, Genetic Transmission, manejado exclusivamente por mí para explorar ampliamente mi entendimiento de la música experimental a partir de 1996.

RH: Tu sonido es primordialmente orgánico, ¿cómo es que lo desarrollaste? Y, si es que existe alguno, ¿qué proceso sigues al grabar material nuevo?

GT: Los sonidos con los que trabajo son mayormente grabaciones con micrófonos, instrumentos acústicos y objetos y sonidos aislados espacialmente. Utilizo sintetizadores análogos y algunos efectos viejos, entonces elijo los sonidos para procesarlos de manera electrónica y digital y para finalmente hacer una composición con sonidos preparados.

RH: ¿Qué inspira tus sonidos?

GT: No existe una regla general. A veces, tengo algunos sonidos en mente e intento conjurarlos, hacerlos posibles. Otras veces, el proceso creativo ocurre accidentalmente a través de la experimentación con sonidos procesados. Algunas otras, obtengo una idea a partir de la influencia de lo que me he encontrado escuchando, por ejemplo, la música de otros artistas. He grabado un par de álbumes a partir de ciertas reglas y limitaciones; "Strychnina," en el cual trabajé con sonido puramente acústico sin efectos ni filtros o "Plunderbruit," el cual fue completamente separado y preparado a partir de crujidos de vinilos.

RH: ¿Cuál de tus discos es tu favorito y por qué?

GT: El periodo entre "Garbage Substance Manipulations" y "Lullabies" es el que más me gusta. Probablemente fue uno de los mejores momentos en las actividades de Genetic Transmission. Tuve muchos problemas personales, muchas cosas ocurrieron, cosas más o menos buenas. Pero todo fue muy estimulante para mis actividades creativas. En contraste, no me agrada lo que hice al final de los noventas; por ejemplo, "Projekt 6" y los trabajos de Godzilla.

RH: La mayoría de tus trabajos han sido publicados por tu disquera Die Schöne Blume Musik Werk, ¿alguna vez produces cosas de otros artistas?

GT: Contrariamente a las apariencias, nunca estuve especialmente interesado en tener una disquera. La disquera en que pondría la mayor parte de mis trabajos sería exclusivamente para éstos. La razón podría ser básicamente que no tenía y, en esencia sigo sin tener, mucho contacto con muchas otras disqueras. Sin embargo, sí he sacado un trabajo de un viejo colega de los días de Zilch y Ładne Kwiatki, Krzysztof Ciesielski, "Struktury.”

RH: Eres presentado como uno de los grupos principales vinculados al grupo/disquera Tochnit Aleph. ¿Qué relación sostienes con éste? ¿Tienes alguna relación con la Schimpfluch-Commune?

GT: Es la primera vez que escucho algo parecido. ¿Quién lo dice?
Para mí Tochnit Aleph significa los trabajos de Rudolf (de Runzerlstirn & Gürgelstock), Dave Phillips y Raionbashi sobre todo. Sí, yo también aparezco allí, pero, después de todo, se trata mayormente de una relación amistosa. Únicamente he sacado dos CDs en Tochnit Aleph.
Me he mantenido en contacto con Dave y Daniel (Löwenbrück) por más de diez años, hicimos un split juntos, otro estaba planeado pero no ha pasado nada con él hasta el momento.

RH: ¿Cómo se relacionan tus trabajos sonoros con sus respectivos empaques? ¿Los haces todos tú mismo? ¿Cuál es tu diseño favorito y por qué?

GT: Al hacer gráficas o empastados para mis álbumes, siempre intento establecer en cierto modo que éstos sean un seguimiento de la naturaleza de mi música. Los más sobresalientes probablemente sean "Concret Fruit Box" y "Untitled."

RH: Cuando contruyes un nuevo instrumento, ¿tienes algunos sonidos en mente o cómo es que sucede su composición?

GT: Los instrumentos que construyo son una suerte de instalación sonora hecha de chatarra y desechos. Están basados en resortes y resonadores; sus posibilidades sonoras son bastante limitadas y predecibles, por lo que siempre es importante encontrar las técnicas adecuadas para utilizar el instrumento.

RH: ¿Genetic Transmission se ha presentado en vivo en alguna ocasión?

GT: Hace algunos años, pero abandoné los conciertos. Prefiero la actividad en estudio. Además, mi música es creada empleando técnicas que no son prácticas en este tipo de presentaciones. Hice más o menos diez presentaciones como Genetic Transmission y algo así como una docena con mis otros proyectos (Ładne Kwiatki, Godzilla, Hated Bruit Kollektiv).

RH: ¿Escuchas a algún artista en la actualidad?

GT: Entre los muy pocos álbumes que han atraído mi atención en tiempos recientes que puedo mencionar están "Sketches from that Autumn" de Ad Lux Tenebrae y "s/t" de Bernd Spring.
Además de ellos, otros proyectos contemporáneos que me agradan son Dieter Muh, Chaos as Shelter, las cosas asociadas con Tochnit Aleph, especialmente G*Park y lo que produce la disquera Aural Hypnox, especialmente algunos de los primeros trabajos que publicó. Pero la mayor parte de lo que me agrada es básicamente música de los ochentas y del principio de los noventas. Ignorando obviedades como el primer SPK, aprecio muchísimo el trabajo de P16D4/RLW, Brume, Architects Office, Stenka Bazin, Abner Malaty, etc.

¿Podrías hablarnos un poco más acerca de Hated Bruit Kollektiv? ¿Quiénes forman parte de este grupo?

Hated Bruit Kollektiv somos Rafał de Moan, Dawid de Noisens y yo. Realmente no recuerdo como es que el grupo se formó. Es un proyecto que existe más en forma de colaboraciones que como una banda en forma.

¿Qué planes tienes para Genetic Transmission o para cualquiera de tus nuevos proyectos?

En New Nihilism, Hated Bruit Kollektiv editamos el concierto "Action 1" en CD, el cual acaba de presentarse en este año. También acabo de producir un CD de Genetic Transmission llamado "Selected Works 2007-2008" y estoy trabajando en mi nuevo CD.

¿Qué opinas respecto al hecho de no ser tan conocido a pesar de la gran inversión financiera, creativa y musical que tu trabajo implica? ¿Cómo observas tu trabajo con respecto al de otras, más conocidas y recientes bandas?

Nunca me ha importado ser famoso. No me promuevo ni a mi trabajo en forma alguna. Lo hago por mí mismo y por mi propia necesidad creativa. Me agrada mucho y obtengo placer de ello, y si alguien más también lo hace qué bueno. Tampoco pienso al respecto ni comparo mis creaciones con las de otros porque quiero hacer mi propio trabajo del mejor modo posible.

¿Dónde pueden conseguirse tus trabajos (además de Tochnit Aleph)?

De hecho, me quedan pocos, la mayor parte de mis discos están fuera de existencia, pero no son ediciones limitadas, así que en algún momento se encontrarán nuevamente disponibles. Muchos de mis discos se encuentran en distribuidoras como Beast of Prey y Nefryt.


ruido horrible desea agradecer a Tomasz Tardawa por su amable cooperación en esta entrevista. ¡Asimismo, en un tenor más personal, quisiera agradecer a mi amigo Kris Włodarczyk por haberme introducido en el mundo de este fabuloso proyecto!

A continuación, ruido horrible presenta una breve introducción a la música de Genetic Transmission, sugiriendo que visiten su sitio, para poder darse una idea del complejo mundo que este proyecto habita, así como para escuchar algunos fragmentos de sus trabajos. Realmente, pocos artistas actuales ofrecen tanto por el precio de un disco como Tomasz:

Genetic Transmission - My Inspiration Is You (Die Schöne Blume Musik Werk, s/n, 2004)



"My Inspiration Is You" parece estar fuertemente influída por el clásico de culto "Eraserhead;" un par de sampleos de las voces de Henry, personaje principal de la opera prima de Lynch, teje ciertas conexiones respecto a la posible influencia del filme en la composición del trabajo. Pero, como con todo lo demás, esto es todo; nada puede afirmarse ya que la información es tan mínima y las palabras son tan pocas. Del mismo modo, el empaque, totalmente hecho a mano, con lo que aparentan ser vendas manchadas -¿de qué?- pone la mente del que le observa a volar.
Eso, claro, sin contar la música; sumamente consistente y dinámico, el cuadro de sonidos que conforman las seis piezas contenidas en este trabajo jamás deja de evolucionar entre los tantos sonidos sintéticos empleados para reunir esos paneos desorientadores y los resuellos metálicos de los instrumentos que Tomasz Twardawa manipula para crear esos ruidos extraordinarios e inevitablemente atemorizantes. Cajas de música, ruido puro, cantos corales, pulsos inconstantes, toda una gama sónica que se repite y autodesecha para dar forma a una superestructura poderosa que demuestra gran maestría y contundencia. Difícilmente se puede pedir más de un disco.

Genetic Transmission - Untitled (Die Schöne Blume Musik Werk, s/n, 2006)




La segunda muestra del trabajo de este músico polaco que tuve oportunidad de escuchar, como para contrariar cualquier posible asomo de incredulidad, resultó igualmente sorprendente. Un sólo track de alrededor de cuarenta minutos adecuadamente llamado "Untitled" se presenta en una otoñal funda hecha de hojas y papel texturizado, como la cubierta de un libro. Incluso tiene una costilla anunciando el título y una página que describe con brevedad los créditos del álbum: "compuesto, interpretado y masterizado por Tomasz Twardawa. noviembre a diciembre de 2005."
Un track que emplea estrategias muy similares a las que se pueden observar en "My Inspiration Is You": Sonidos procesados en reversas, mayormente de origen mecánico -no cuesta demasiado trabajo imaginar a alguien manipulando láminas, resortes y cajas de metal-, drones cuyos volúmenes suben y bajan, osciladores muy abiertos, y los ocasionales gritos y chirridos. Todo en "Untitled" está presto para invocar ese inimitable espíritu europeo del post-industrial; y Twardawa se toma su tiempo para hacerlo en forma.

Genetic Transmission - Chrzaszcz Brzmi W Trzcinie (Tochnit Aleph, TA074, 2006)


Tiene sentido que además de presentar su trabajo en su propia disquera, Die Schöne Blumen Musik Werk, Genetic Transmission haya producido un par de obras en Tochnit Aleph, casa de Daniel Löwenbrück de Raionbashi, y usual refugio de otros trangresores sónicos como Runzelstirn & Gürgelstock, Sudden Infant y Dave Phillips entre muchos más. "Chrzaszcz Brzmi W Trzcinie" es un disco que hace uso de recursos similares a los de la electroacústica, pero sin caer en la pedantería ni en la supuesta medición exhaustiva de componentes. Su empleo de los medios es en ese sentido mucho más enérgico e instintivo, bordeando por momentos en la tensión y la violencia características de trabajos de gente como The New Blockaders.
Los primeros cortes de "Chrzaszcz Brzmi W Trzcinie"buscan la mesura en aras de forjar una concreción de ambientes. La imaginería sónica de esos primeros cortes es una retórica animalesca, de bestias y esfinges, repleta de susurrantes acertijos. El lenguaje de Twardawa es complejo; capa sobre capa de resuellos metálicos, de quebrantos mecánicos, va compenetrándose con los que le acompañan formando un híbrido impredecible de sonido casi netamente orgánico. Aún las manipulaciones posteriores buscan complementar esta complejidad, imitando y dando sentido.
El lenguaje de Twardawa sale por momentos de la oscuridad. En el segundo corte se distingue incluso un ligero dejo de kitsch a la Nurse With Wound; las constantes irrupciones de órganos, sonidos "incidentales," borboteos e instrumentos extraviados hacen inevitable pensar en la enfermera. Sin embargo, para Genetic Transmission, la lógica sigue siendo el sueño y, a diferencia de NWW, en su trabajo no hay cabida para el plunderphonics o algún otro extrañamiento estrictamente consciente.
Como en los más de sus trabajos, Genetic Transmission opta por el paulatino crecer. No es sino hasta los últimos cortes, el sexto en particular en este caso, que permite que el sonido llegue a sus niveles más inquietantes. Este corte final es puro ácido. Sus sonidos son derroches de golpes metálicos intermitentes que van sumándose hasta lograr un frenesí estertóreo.



Genetic Transmission - Spójrzcie Пожалуйста, Jakie Piękne Macie Gęby (Die Schöne Blumen Musik Werk, s/n, 2002)


Un perro ladrando, objetos descartados de metal siendo acariciados, golpeados, arrastrados, intentos de definición tonal en instrumentos inexplicables, estática convertida en atmósfera: todos ellos, elementos que forman parte de ese mosaico delirante que es el sonido de Genetic Transmission, quien en "Spójrzcie Пожалуйста, Jakie Piękne Macie Gęby," regala al escucha un espejo con el cual puede ver su torcido reflejo en un fabuloso juego diegético. Todas las imágenes de Tomasz contenidas en el librillo que hace las veces de estuche muestran, asimismo, su rostro deformado.
Grabaciones plenamente orgánicas chocan a toda velocidad con otras donde el pitch ha sido modulado, produciendo un embate de discordancias. Sampleos cortos se convierten en órbitas a través de las cuales corren fragmentos de mil sonidos diferentes arrebatados de sus contextos originales.
Tras unos cuantos cortes uno queda con la impresión de haber escuchado la edición al azar de una docena de situaciones sonoras totalmente distintas y sumamente lejanas entre sí; el inicio del quinto corte, por ejemplo, traza una clara referencia a las convulsiones de pastiches sonoros del clásico "One Day I Was So Sad That the Corners of my Mouth Met & Everybody Thought I Was Whistling" de Bladder Flask. Pero mientras este último trabajo no ofrece un terreno estable alguno, "Spójrzcie Пожалуйста, Jakie Piękne Macie Gęby" se siente perfectamente estudiado y encuadrado. Los destellos de noise, por ejemplo, son tan vibrantes y brutales como los de cualquier intérprete de harsh, pero, además, su corte, perfecto, y su acomodamiento son pasmosos por su naturalidad.

Hated Bruit Kollektiv - All Beauty Is Our Enemy (Die Schöne Blumen Musik Werk, s/n, 2005)



Con su portada, parodiando a "Nevermind the Bollocks," uno pensaría que "All Beauty Is Our Enemy" es un disco insulso. Y, bueno, definitivamente no es tan ridículamente solemne como la música experimental llega a serlo, pero más bien cae en la categoría de desmadroso, juguetón. Este proyecto colaborativo entre Dawid Chrapla de Antybiotix y Noisens, Rafał Sadej de Moan y Tomasz Tardawa se siente libre y espontáneo, basado casi puramente en la inmediatez con que resuelven las intrincadas combinaciones sonoras que formulan. Sampleos con velocidades modificadas, atmósferas frugales, zumbidos que habitan desde momentos plenamente surreales hasta cúspides de abrasión ruidística. "All Beauty Is Our Enemy" es un carrusel sónico que se mueve con agilidad a través del tiempo, sin jamás sujetarse a ningún tipo de conformación formal, un fantástico debraye. (S.S.)

Vomir/Mixturizer (R.O.N.F. Records, CSN-001, 2009)

La primera cinta en la historia de la disquera española R.O.N.F. Records corresponde a un split entre la banda de la casa, Mixturizer y el proyecto francés Vomir.
Con su inamovible pared de estática, Vomir, ataca sin piedad con un tema de poco más de veinte minutos de duración. El tema está centrado en el eterno retorcerse circular de frecuencias graves y medias y, bueno, nada más. Puro HNW, sin ninguna intención compositiva o seguimiento remotamente rítmico o tonal de ningún tipo. Estática pura convulsionándose hasta el hastío.
El tema de Mixturizer, "Negrativo," tiende, por su parte, al dinamismo, empleando también obliterantes paredes de ruido, aunque haciéndolas variar constantemente con ligeros cambios de frecuencia en los caóticos movimientos de su masa sonora. Los vuelcos hacia las frecuencia bajas son abismales y tienden hacia la proyección de zumbidos grotescos que van de estar cubiertos de gis a presentarse desposeídos de cualquier vestidura. Su alternancia va seguida de deslaves de herrumbre metálica, sofocante.
Dos visiones opuestas y complementarias del ruido más puro se presentan en este split. La exploración sonora en este trabajo se va, así, sin escalas, directo a los extremos, totalmente absorta en sus visiones de nihilismo sónico cerrado y radical. No hay más. Además, cabe señalar el fantástico trabajo de edición que le adorna con el que, me atrevería llamar, mejor arte para cintas que he visto en mucho tiempo. La calidad de impresión es perfecta, así como la elección de los materiales y los visuales. (S.S.)

Nurse With Wound - Images/Zero Mix (Beta-Lactam Ring Records, mt103/mt201, 2008)

No les hago el feo a las colaboraciones que tuvieron por origen a este "Zero Mix," pero la verdad es que la versión original de Colin Potter y Steven Stapleton siempre me pareció la más lograda. Tras producir cuatro discos diferentes a partir de este material -tres de los cuales tenían mezclas distintas en cd y lp respectivamente- Nurse With Wound, a través de Beta Lactam Ring Records, finalmente produce, de forma asequible, ésta, la versión original.
Y es mi favorita, porque tiene un ritmo natural, porque no se siente como un tema hecho bajo presión ni bajo la necesidad de sorprender. El drone con que comienza este trabajo se siente terso, mitigado y perfectamente complementado por la suerte de percusiones metálicas que le acompañan. Su movimiento es fascinante e hipnótico y sus paneos son sibilantes. El total es grandilocuente y lleno de vida como una creatura reptante que desperdiga estas complejas turbulencias sónicas con cada movimiento.
El segundo corte finalmente acierta a ese desternillado juego de manipulaciones a volúmenes altos que se sentía tan fuera de contexto en las otras versiones. Los sonidos con los que se conjuga en esta ocasión son caóticos y oscuros, con una aceleración rítmica que se siente maligna y nocturna. Conforme el paso de la rítmica se vuelve más firme, NWW deja llegar la cuestión instrumental hasta los bordes de la kosmische musik más mística, con la recurrencia de un bajeo que se vuelve consecutivamente más frenético y la suavidad de un sax que no se empleaba en bastante tiempo en el trabajo de NWW. Este corte final, perfectamente amarrado al contexto de su predecesor, prosigue con el ideario cósmico de forma fascinante y deleitosa. Y a pesar de que el cierre es ligeramente más delirante y oscuro, la sensación final es la de haber asistido a una celebración sonora exhaustiva y gustosa.




Ahora bien, este trabajo es el complemento de otro, llamado "Images." Se trata de un libro de pasta gruesa que mide aproximadamente lo que el digipak de un cd y que contiene fotografías de las 100 pinturas con que Steven Stapleton celebró la edición de los tres discos originales en una exhibición en Irlanda. Estas obras, pintadas todas sobre vinilos, exponen los temas habituales en el arte de Stapleton: psicodelia, sexualidad, génesis, lo orgánico y lo alucinante. La calidad del trabajo de este librillo es excelente. Disco y libro se reúnen en este paquete que, sobra decirlo, es obligado para los fans de la enfermera. (S.S.)

Kevin Drumm - Imperial Distortion (Hospital Productions, HOS-134, 2008)

Tras años de haberse consagrado como un titán del ruido, Kevin Drumm decide en 2008 dar un giro absoluto a su sonido con "Imperial Distortion." Este disco doble muestra a Drumm invirtiendo en un sonido tan orgánico y completo como es su costumbre, sólo que ahora explorando los terrenos de una suerte de ambient desbocado, más ríspido que etéreo y, eso sí, profundamente inquietante.
El primer corte de "Imperial Distorsion," titulado "Guillain-Barre," es muestra de la falta de adecuación del sonido de Drumm a los sistemas estereotipados; el sonido, sin más, se escapa de las convenciones de los límites sonoros, probando los alcances de las bocinas y de los tímpanos del escucha con las intensas vibraciones de un drone, cerrado, metálico, que cubre casi por completo una atmósfera estilizada y fluida. "More Blood And Guts" es un tema que diluye su relativa calma entre los violentos degradados de tonos medios al tope, brindándole al primer segmento del corte una sensación de opresión pesada y abrasiva. El embate con tonos medios prosigue en el siguiente segmento, que más bien se siente como una escena, y que traza un sendero un tanto más caudaloso, con un movimiento acompasado, pictórico y recurrente. Hacia la tercera parte de esta pieza, el sonido se ha vuelto tan disperso que el movimiento tonal se vuelve prófugo y fantasmal, como buscando la extinción. Pero al borde de la desintegración, la fuerza se recobra haciendo trenzas de tonos que se deslizan en eternos vuelcos. La encargada de cerrar la primera parte de este álbum, la primera parte de "Snow," la cual ya había aparecido orginalmente como un cassette single también en Hospital Productions, es una poderosa descarga de oscilaciones clavadas en una profusión de subtonos demoledores, totalmente concretos, que engloban una dinámica cuidadosa y velada. Tras el abuso de los tonos medios, Drumm se concentra finalmente en la vejación de la parte más grave del espectro, transmitiendo casi apenas vibraciones que escapan de una representación plena por ser tan ominosamente desmesuradas. El poderío de este corte es tan absoluto que todo el espacio se vuelve tóxico, envuelto en una nube paralizante y asfixiante.
El segundo disco que compone "Imperial Distortion" comienza con un guiño al dark ambient más industrial. Pero esta impresión rápidamente se desdibuja ante la vuelta hacia las oscilaciones que trae esta versión de la segunda cara de "Snow," generando juegos melódicos circulares, lentos y hasta por momentos dulces, aunque eternamente degradados por la decadencia de la distorsión que la saturación siempre trae presente. Los sonidos de "Snow" se asemejan a visiones percibidas tras un cristal empañado, dejando pasar parte de su radiancia y generando imágenes nubladas, deformadas, inciertas. "Romantic Sores" vuelve a jugar con los límites, trasladando lo amenazante de los cortes anteriores a tonalidades más altas, probando los límites del escucha, volcándose sólo un poco sobre este furtivo ataque, para luego sólo cortarlo abruptamente y regresar con un tema nucho más neutral. Una profusión de sonidos graves que se deslizan ágiles, con brillos melódicos introspectivos y nostálgicos se apodera del corte y da el momento de mayor paz al álbum. La tercera parte de este corte entonces cae en un momento de quietud minimal sorprendente, bordeando delicadamente en lo etéreo. "We All Get It In The End" es un tema lleno de sonidos brotantes, más claramente definibles e identificables, procedentes de sintetizadores. El tema corre sin mayor escudo que la propia espontaneidad de su creación, libre y brotante, hasta toparse con su final, cierre digno de un álbum fascinante.
"Imperial Distortion" se trata de un trabajo que sin más se deja llevar hacia los abismos de la incertidumbre, como una suerte de comentario sumamente radical, y a pesar de ello, declaradamente impotente. Las imágenes que acompañan el disco -una foto que muestra tanques americanos en Irak y un llano cubierto de basura- siguen intentando dar forma a este discurso impronunciable, críptico.
Con esta extensa lección de oscuridad, Kevin Drumm muestra como hay un poder oculto, inherente a las representaciones más delicadas. Drumm así pone a prueba la capacidad del escucha de apreciar, más allá de lo inmediato, el peso, la fuerza que conllevan las creaciones más discretamente revolucionarias, haciendo eco de gente como Andrew Chalk, Asmus Tietchens o William Basinski. Un clásico. (S.S.)

Nurse With Wound - The Musty Odour of Pierced Rectums (Beta-Lactam Ring Records, mt056b, 2008)

"The Musty Odour of Pierced Rectums" es, entre los seguidores de NWW, uno de los trabajos más emblemáticos del grupo de la recién extinta década. Sin embargo, se trata de uno que había estado prácticamente enlatado por 6 años, ya que se había ofrecido inicialmente como complemento a una de las múltiples versiones que Beta-Lactam produjera de "She and Me Fall Together in Free Death." Beta-Lactam finalmente decide recurrir a la fama de este trabajo y reeditarlo como un lp tan lujoso como puede haber: La funda es de un papel de tanto grosor como he visto jamás empleado en este tipo de menesteres, brillante, y el vinil es de un tono café/dorado que la propia disquera llama color "diarrea de bebé." Marcando la diferencia, a pesar de tratarse de vinil de color, la calidad de reproducción es absolutamente perfecta. La edición es, en pocas palabras, perfecta.
Tras escuchar apenas los primeros minutos de la grabación resulta obvio porque es que este trabajo recibe tanto aprecio por los seguidores más fieles de la banda; se trata de uno de esos abismos de extrañeza donde el material sonoro se muestra proveniente de orígenes francamente disparatados e imprecisos. El juego de collages sonoros adquiere en este trabajo una cualidad vibrante y emergente; las constantes difuminaciones que acontecen a los largo del lp hacen subir y desintegrarse cuadros sonoros totalmente diferentes con una constancia que hace las veces de secuencia. Y el efecto es muy afortunado: oscuro, profuso e increíblemente confuso -lo que todo disco de Nurse With Wound debería ser.
Valdría la pena preguntarse cuántas veces puede NWW emplear el mismo material generando sistemas sonoros que suenen tan únicos. Los sampleos que Stapleton empleó en este disco pueden fácilmente ubicarse en anteriores y posteriores piezas de su discografía; sin embargo, en ésta en particular suenan tan perfectamente consecuentes con su entorno como para conformar una identidad sonora clara y diferente.
La segunda cara apunta, más que al esquizoide empleo de paneos y reverberación extrema de la primera, a una retórica profunda y pesadillesca. La primera parte de esta cara es sencillamente magistral, con sus brillos fantasmales dejándose pasar a través del polvo primigenio de un drone pesado y angustiante. De allí, Stapleton retoma los sonidos orgánicos a los cuales tanto les ha huído recientemente y que conectan aún más con el pasado más glorioso de la banda. La atmósfera que se cierne sobre toda esta cara bien podría desprenderse de la época de "Gyllensköld, Geijerstam and I at Rydbergs" u "Homotopy to Mary," así de surreal y enfermizo es este disco, que bien pudo haber sido presentado en una edición más grande la primera vez, siendo que fácilmente supera en calidad al disco al que servía de complemento. En fin. De lo mejor que pueden llegar a comprar, por un precio más o menos decente, en estos días. (S.S.)

Bloodyminded - Phases: Three (Rococo Records, RCC-0030, 2009)

"Phases: Three" constituye la documentación en directo de dos trabajos de la etapa más reciente de Bloodyminded, "Magnetism" y la serie "Phases." Esta última viene a complementar el ciclo de abuso de feedback y oscura, maquinera violencia en sintetizadores -desprovista de líricas de ningún tipo- de la etapa presente de la banda.
El primer corte se llama "Phases: Three (Part One)" y es una furiosa improvisación que se vuelca al abuso del feedback en micrófonos tan habitual de Bloodyminded. Esta pieza no tiene un tema; se trata de puro ataque directo y certero, de chillidos puntiagudos de micrófonos al tope. Por si hiciera falta explicarla tras la lectura del mero título, "Girlfriend Attempts to Explain Schizophrenic Episode by Revealing Childhood Sexual Abuse," tema emblemático de su más reciente trabajo, el ya mencionado "Magnetism" permite ver una decadencia sónica abusiva, con sus oleadas de síntesis oscura. Más brutalidad y descontrol en frecuencias altas llega a través de "Shotgun Held to Face by Severely Crosseyed Addict While Attempting to Physically Remove from Know Drug House" (siempre me ha encantado ese título). La descarga de ruido de la catártica "Visiting and Ex-Girlfriend in the Hospital - Psychich Ward - 24-Hour Observation - Suicide Watch" es escueto y agonizante, durando apenas un par de minutos y complementando con gritos furiosos la escena de febril devastación. "Visiting an Ex-Girlfriend in the Hospital - AIDS Ward" es un sólo zumbido, como un canal de ácido y rugidos que circundan a través de su eje. Furioso y perturbador. Eso sin contar la delicia del coro de la audiencia al completar el anuncio del título por Solotroff. La segunda parte de "Phases: Three" cierra el disco completando así el ciclo de perturbación y abuso ruidístico al que Bloodyminded somete a sus escuchas con sus actos en vivo. Esta última improvisación es la más cercana al harsh noise en forma; su libertad y espontaneidad es abierta y sus descargas tan elevadas que acaban por devorarse unas a las otras.
"Phases: Three" fue grabado en vivo el 8 de Agosto de 2006 y se trata de un concierto particularmente memorable, ya que conjunta a la banda en su versión más extensa, reuniendo a Mark Solotroff con Nicole Chambers, Xavier Laradji, Pieter Schoolwerth e Isidro Reyes. La presentación del trabajo, como una caja de tres discos de 7 pulgadas en vinil blanco, hace esperar que la siguiente entrega de la banda, "Within the Walls," también cuente con un lanzamiento en vinil, pero, ahora sí, como un lp total de doce pulgadas. (S.S.)

Nihilist Assault Group & Blue Sabbath Black Cheer - Planned Obsolescence (Gnarled Forest, GF32, 2009)

Nihilist Assault Group es el proyecto más seriamente aguerrido de Richard Rupenus de The New Blockaders, en el cual participan además los legendarios Mark Durgan, alias Putrefier, y Michael Gillham de Smell & Quim entre otros. Blue Sabbath Black Cheer es la banda de Stan Reed, conocido por la célebre y desaparecida PsychForm Records y por la presente y genial Gnarled Forest. Aquí se hace acompañar por Sean Dow y el también veterano wm Rage. En este vinil conviven, pues, dos gargantúas del ruido por derecho propio.
Como podía preverse, su primera entrega colaborativa -y ojalá primera de muchas- es, en una palabra, electrizante. Partiendo del silencio y dejando reptar a la distancia pequeños monstruos de ruido, ambos artistas conjuran un desborde ensordecedor de ruido blanco, amplio en ambos extremos. Graves rugientes. Agudos filosísimos. Cada generador de ruido sigue una rúbrica tan fuertemente entrelazada que, entre los miles de movimientos posibles, prácticamente no puede detectarse nada más que la estática, inmanente, furiosa, como una aparición inmóvil que, si pudiera, te devoraría vivo.



La segunda cara de "Planned Obsolescence" son oleadas fantasmales de ruido blanco, precipitándose crueles, sin mayor sentido que la cada vez más constante frecuencia de su abisal magnificencia. El trazo lejano de una secuencia de saturación corre entre los recovecos del mundanal de gis. Pero eso es todo. No más. Sólo ruido obliterante, conduciendo al escucha hacia el olvido en un delirio delicioso. Obligatorio. En serio me sorprende que aún no se haya acabado. (S.S.)

Mixturizer - Mxtrzr (R.O.N.F. Records, RNF040, 2009)

Breves despuntes de tonalidades se desprenden de entre un caústico líquido sonoro. Señales tan torcidas entre sí que forman un estanque de ruido blanco difícil de escapar y que sólo hacia un rato dejan pasar los zumbidos y los sonidos degradados hasta el gis. Así comienza "Mxtrzr," la más reciente oferta sónica del proyecto de Manuel Cubas, Mixturizer. "Energía Adormecida," primer corte, no para de apuntar hacia arriba, inhibiendo cualquier traza de pensamiento, absorbiendo con sus abromadoras señales cualquier reacción o sentido.
"Electroshock Incesante" y "Decipher Dementia Decay" son cortes que uno podría más regularmente esperar de Mixturizer, por su ya bien conocido empleo de guitarra saturada de efectos corriendo contra un marco flexible de ruido relativamente ligero. Lo que hace de "Mxtrzr" un trabajo tanto más sorprendente se trata en realidad del empleo que Cubas hace del harsh noise en cortes como "Torturexploitation," "Pre-Senile-Dementia" o "Desgarradora Realidad" o del industrial más mecanizado de "Sin Forma Determinada." En "Desgarradora Realidad," precisamente, es donde mejor puede apreciarse el trabajo instintivo e inédito que Cubas realiza, atacando efectos con frenesí, creando sonidos que revolotean como aves eléctricas y que chocan con gigantescas moles de ruido o con totalmente imprevistas cacofonías cuasi beats. Por su parte, "Pre-Senile-Dementia" bordea en el HNW con su muralla impasable de distorsión y herrumbre.
Ante todo, "Mxtrzr" se constituye como el trabajo más variado de Mixturizer a la fecha, uno que dicta caminos a seguir y grandes despliegues de nuevos talentos y de oficios bien aprendidos. No se engañen, es en formato digital y tiene un arte fabuloso, pero este trabajo es pura brutal energía análoga. (S.S.)

Ethnic Acid - Power Works (Industrial Recollections, s/n, 2009)

Ethnic Acid es el proyecto solista de Anthony Di Franco, cuya carrera lo ha visto convertirse en integrante de legendarias bandas como Skullflower o Ramleh. Estas grabaciones son, sin embargo, previas a su paso por estos gigantes y vaya que tienen una valía propia y una identidad totalmente única y lejana a cualquier remanente de las otras bandas.
Los 16 cortes que contiene esta recopilación provienen de la discografía que DiFranco generara entre los años 1986 y 1988. Casi todas estas cintas formarían parte de los catálogos de legendarias disqueras del underground británico como Broken Flag de Gary Mundy (Ramleh, Whitehouse), Birthbiter de Mark Durgan (Putrefier, Nihilist Assault Group) y su propia JFK.
Como podía esperarse tras este currículum, el sonido de Ethnic Acid no podría ser cualquiera; el primer tema incluído, "Severed from Life," basta para darse una idea de su potencial. Delirantes, mutantes escenas industriales fungen como marco a los furiosos arranques con que ataca la guitarra. "Il Papa" permite ver como el empleo que Di Franco hace de este instrumento es decididamente poco ortodoxo, con una suerte de riff que en realidad se limita a segmentar el movimiento y a contravenir el abuso de feedback.
Temas como las dos partes de "Sexodus" o "Battlecry" son oscuras explosiones de industrialismo sicodélico, en los cuales los patrones van siendo dictados por el inestable flujo de sonidos dislocados por la alteración de sus frágiles dinámicas. "Angel of Death" deja ver de donde salen algunos de los más profundos drones guitarreros del "IIIrd Gatekeeper" de Skullflower, con el obliterante peso de tonos graves, aplastantes que se mezclan con feedback y vocales incomprensibles.
"Spirit" es otra muestra de la profundidad que conforma el trabajo de Di Franco, con relieves dados por retroalimentación, sintetizadores y la alternancia de cajas de ritmo estableciendo una secuencia mezcla de toxicidad absoluta y delirio libre. La precisión de Di Franco puede evidenciarse incluso en su momento de forma más libre, como en "Reduce the Distance" en donde logra sostener un monolito de ruido industrial por más de media hora sin perder la capacidad de establecer ni dinámicas constantes ni todo ese caudal de energía.
En general, la calidad del material y de la producción invertida en esta recopilación es más que sobresaliente. Cuesta trabajo pensar que Di Franco realizaría todo este fascinante cuerpo de trabajo siendo aún un adolescente, como lo era incluso al volverse parte de Skullflower. Hasta donde tengo entendido, Industrial Recollections, disquera hermana de Freak Animal de Mikko Aspa, queda inaugurada con este compilado y con la reedición de "Inspirationals" de Trait, también reseñada aquí. Y, si ésta será la línea a seguir por esta disquera, bienvenida. Este material, imposible de encontrar hoy en día en su versión original, es simplemente excelente. En un año en el cual las reediciones fueron tan portentosas, ésta se sostiene como una de las mejores. (S.S.)

OKOK Society - Third Side Experiment (Perineum, Perineum #025, 2009)

Una dimensión aparte. Senderos de magnetismo, imposibles de ver sin los ojos de OKOK Society. OKOK Society es el brazo aural de un misterioso colectivo galés que se hace llamar ORBE y que está dedicado más generalmente a la creación de anti-arte, collages, escritos de desinformación y escritura automática. "Third Side Experiment" se trata de uno de los pocos trabajos puestos a la venta por este grupo, en este caso a través de la disquera lituana Perineum.
"Third Side Experiment" resuena familiar en cierto aspecto; en su oscuro manto sónico flota la resonancia de aquella época del underground durante la cual los diletantes se apoderaron de los instrumentos musicales -o cualquier cosa que hiciera ruido- para crear sonido basado en sus propias reglas y que respondiera a sus ideas de representación exclusivamente. En cierto sentido, este disco me recuerda a aquellos geniales, confusos y corrosivos trabajos de bandas como Déficit Des Anneés Anterieures o Hirsche Nicht Aufs Sofa; su capacidad expresiva, a pesar de ser limitada, tiende a ver elementos sólidos donde un músico se perdería.
El primer corte es un ejemplo perfecto de ello; a lo largo de 46 minutos se extiende un manto de gis ineludible, constante y tóxico, que apenas se ve aumentado por una multitud de voces que van desplegándose poco a poco. Cantantes de ópera, operadores telefónicos, musitaciones indefinibles, voces extraídas de grabaciones de campo, películas, transmisiones de radio y miles de lugares más se apoderan del espacio alimentando sus fantasmales creaciones de vacío y desposesión. Y, bajo ese patrón, corre un track envolvente, mesmérico y sumamente inquietante que seguramente busca comunicar algo y que quizás lo logre. Habría que preguntarle al inconsciente.
Igualmente hipnótica resulta la segunda pieza. Compilando sonidos motóricos, conteos, y estática en combinación con el debris de estaciones mal sintonizadas, ruido puro, discursos inconexos, voces cortadas, filtradas, ahogadas. Fantasmagoría sónica pura.
"Third Side Experiment" es un disco que se da a notar. Podrías dejarlo correr intentando no ponerle la más mínima atención y sería inútil. Tras algún tiempo te consumiría. (S.S.)

Schmerz - Old School Misantrophy (New Nihilism, NN1, 2007)

Con un ancla bien fija en las chirriantes cualidades del industrialismo europeo, Schmerz formula sus creaciones con una base evidentemente fincada en el power electronics. Como tal, es obvio lo que puede esperarse: circunvoluciones mecánicas de electrónica, feedback modulado, el ocasional martilleo industrial y las eternas vocales secas, frías, operadas por efectos.
La temática retrata escenas donde se critican los límites de la interacción social y su consecuente futilidad. Sin embargo, Schmerz a veces parece no llegar al punto, al negarse a nombrar a sus culpables directamente y sugiriendo, en vez de ello, escenas de horror un tanto elusivas y hasta fantasiosas. Schmerz sugiere con mucha ambigüedad a los posibles actores, pero difícilmente se reconoce a sí mismo como uno más en el juego de las convenciones y las hipocresías de las que nos hace participe la vida social.
Sin embargo, en lo personal encuentro que esta ambigüedad funciona; me recuerda un tanto a aquellos tiempos en que entender a la cultura industrial no requería doblegar convicciones ni admitir como válidas nociones francamente detestables. A "Old School Misantrophy" le ayuda el hecho innegable de que se trata de un disco tan bien hecho en todo aspecto. Su afiliación al sonido del power electronics es prácticamente impecable; la calidad de cada uno de los cortes está perfectamente detallada y la cuestión visual y de empaque es, sencillamente, excelente. "Old School Misantrophy" se presenta en formato pro-cdr (con una impresión excelente), acompañado por un librillo con cuatro insertos que detallan e ilustran las letras de cada uno de los cuatro temas contenidos en el disco. Francamente, la calidad de los materiales, impresiones y la contundencia del producto final fácilmente harían sonrojarse a más de una disquera profesional.
"Old School Misantrophy" es, en resumidas cuentas, un trabajo que recurre al género al que pertenece en su totalidad; es, prácticamente, power electronics por números: totalmente old school, totalmente europeo. Y ello no es necesariamente algo malo. Yo lo volvería a comprar. (S.S.)

Yosemite I'Rig/Rene Hell - Linda Trip (Agents of Chaos, AOC7017, 2009)

La extrañeza se ha vuelto el elemento más representativo de Agents of Chaos, dedicada a presentar series completas de cintas hechas por artistas absolutamente desconocidos. No requiere mucha indagación descubrir que en realidad todos éstos -con la excepción de Earn- son meramente los seudónimos de Jeffrey Witscher, antes conocido por su aplastante proyecto de harsh noise, Impregnable.

Cada uno de estos heterónimos cumple la función de substanciar una creación sónica absolutamente diferente una de la otra. El pseudo split en cuestión entre Yosemite I'rig y Rene Hell -el cual ha resultado el más recurrido de sus alias- es una ofrenda a la descomposición creativa. La primera cara supuestamente contiene dos temas, "First Time (Oh Oh Oh)" y "Liquid Locker Room," pero en realidad se trata de una serie de temas ajenos intervenidos, a los cuales la velocidad les ha sido alterada -acelerada- y que quizás hayan sido modificados ligeramente. En total, de este tropel de temas, que según las notas incluídas fueron "grabados en vivo en el radio mágico, mariguano," sólo puede decirse que poseen un aura inquietante, fantasmagórico, el cual funge como preámbulo a los dos temas que representan el lado de Rene Hell, llamado "Kool Screen Saver."
Este lado, con el primer tema, "Ms Fans," se va abiertamente al empleo de sintetizadores en una vertiente declaradamente retro. Pesados y mecánicos tecleos dejan caer sus reptantes movimientos, mientras una serie de sonidos de algo que parece una guitarra se destienden frenéticos de una bocina a otra. Tras los desconcertantes paneos hay una serie de extraños elementos concatenándose: un sinte imitando a un didgeridoo, una voz cuyo pitch ha sido acelerado al frenesí más absoluto.
El segundo tema, "Maze Delete" se va a las atmósferas de videojuego obsoleto mezcladas con voces, nuevamente modificadas, y algunos espacios sonoros bastante más logrados. El total es un cuadro sumamente ácido, extraño. Lo más cercano a la demencia que Witscher ha dejado descargar en esta cinta sean quizás las delirantes ondas de sueños de opio que son los trabajos de The Skaters. Pero, con todo, esto se siente muy diferente. Como una extraña mezcla entre un muy mal viaje y un anhelo infantil. (S.S.)