Greh Holger - Paralysis (Hanson Records, HN174, 2007)

La edición de "Paralysis" supone dos preguntas evidentes, la primera en cuanto al por qué Greh Holger prefirió emplear su nombre en vez de su más usual y constante alias como Hive Mind la segunda al por qué de la excesiva longitud de la grabación, siendo totalmente atípico de Hanson editar en cinta trabajos que rebasen la media hora total de duración. Ambas preguntas podrían responderse tras una primera escucha; éste se trata de uno de esos trabajos exploratorios tan socorridos por los personajes que pululan alrededor de American Tapes. Como Olson y -especialmente- Dilloway, Holger es conocido por su afición por los sintetizadores y por los trabajos experimentales formulados en torno a ellos. Esta cinta, desprovista de cualquier dinámica funciona de manera similar a la de los loops de Super 8 y decididamente privilegia consistencia por encima de variación alguna. No es sino hasta que el primer lado de la cinta concluye -tan sólo después de los primeros treinta minutos- que los cambios comienzan a acontecer, y, nuevamente, lo hacen de manera en extremo escueta. Ciertamente los elementos que conforman los trabajos regulares de Hive Mind se hallan aquí, aunque de una manera tan poco articulada y estática que es a veces difícil responder a ellos. Sin duda "Paralysis" es un trabajo que evidencia una dedicación tremenda, rayana en lo obsesivo y del mismo modo exige ser abordado por el escucha. Sin embargo, es difícil pensar que sus contenidos lleguen a sustentarse como de suficiente valía para que alguien deseé hacerlo; quizás la razón de que sea acreditado a Holger y no a Hive Mind es que no merezca del todo aparecer en su granada discografía. Decididamente sólo para entusiastas. (S.S.)

Robedoor - Hopeless Transformation (Goaty Tapes, Goaty Tapes #1, 2007)

Con "Hopeless Transformation" Robedoor vuelven a demostrar que lo suyo no es conformarse ni comprometerse. Sumamente atractivo al oído a pesar de la desbordada distorsión implícita en cada una de sus evoluciones, este cassette conecta momentos de nostálgicas, dulces melodías a la This Mortal Coil con irreflexivos estertores percusivos y constantes llantos de efectos obliterados. "Scaled Apparition" surge dentro de una dinámica que la banda ni siquiera requiere ejercitar para constituir; el trabajo de Robedoor ya está tan cuadrado que a estas alturas parece ser meramente el constante reacomodamiento de elementos previamente conectados y separados en docenas de distintas ocasiones. La embriaguez de esta primera pieza es tan perfecta y extraña como llantos grabados en piedra en tiempos lejanos; una piedra que no está perfectamente pulida, adornada por un lenguaje que no es tampoco imposible entender, pero sí de bordes ariscos y belleza imponente.
Desde la misma fuente de inspiraciones viene "Violent Memory", otro tema melancólico de dinámicas veloces aunque discretas y de reemplazamientos delicados de filos brillantes. Al cerrarse sobre sí mismo, este tema comunica un embrollo de sensaciones viscerales y delirantes fascinante.
Las pautas que esta banda ha ido marcando -aún siendo tan difíciles de seguir al ser una de las más prolíficas en el medio- son buenos indicadores; su diversidad y potencia son cuando menos encomiables. "Hopeless Transformation" es otro gran trabajo de uno de las mejores bandas de estos tiempos. (S.S.)

A Bad Diana - The Lights Are On But No-One's Home" (United Jnana, 2007)

Antes de World Serpent, aun antes de Coloorta, Diana Rogerson fungió como partícipe de algunos de los trabajos más radicales de Nurse With Wound (véase "Soliloquy for Lilith"). Pero su historia se quedaría corta hasta ahí; a principios de los ochentas formó parte del explosivo dueto Stinkfist, notorio por sus escandalosos performances , colaboró con H.N.A.S. y Current 93, hizo alguna cinta de video que por su contenido Stapleton tuvo que destruir (en la época de la misma cacería de brujas que le costó el destierro a Genesis P-Orridge), y, bajo el seudónimo de Chrystal Belle Scrodd, grabó dos discos clásicos del underground de la época, "The Inevitable Chrystal Belle Scrodd Record" y "Belle D'Jour". Sin embargo, prácticamente desde entonces -a no ser por contadas colaboraciones-, esta artista sólo había ofrecido silencio.
Entre aquellos discos y "The Lights Are On But No One's Home", en el cual Rogerson ahora se presenta como A Bad Diana, hay una distancia de casi veinte años, los cuales, han ido dejando en la penumbra las posibles direcciones que la artista pudo haber seguido. Echando mano tanto de Matt Waldron, a.k.a. Irr.App.(Ext.), como del propio Stapleton, A Bad Diana propone un sonido muy similar al que empleó en sus anteriores trabajos; es decir, uno místico y oscuro, pesadillesco y opresivo, aunque decididamente menos aventurado, sobre todo por la evidente falta de presencia de la cantante. Su voz, antes elegante y aterciopelada o esquizoide y colérica, se sigue sintiendo seductora y misteriosa aunque irremediablemente agrietada.
Precisamente esto es lo primero que se debe notar; una dualidad entre encanto y defecto persiste a lo largo de "The Lights Are On But No One's Home". Dido es en este disco otra persona ;
en donde solía haber una psicosis incontrolable y un morbo pesado, conscientemente pecaminoso, ahora no queda sino una tristeza tardía y una plena consciencia mortal.
En sentido lírico, "The Lights Are On, But No One's Home" es un disco otoñal; piezas como "Notes from the Underground" refieren a una consciencia precisa de lo frugal: más que cantar, Rogerson dicta con precisión "Time taketh/And moths/And Rust... Unfulfillment/Cold at last/He needs to see you in prison/Let those who have ears listen/For if you think you are free, you cannot escape". Y dejándolas ir en líneas cerradas y resonantes como haikus, las vocales de Rogerson se extienden por entre los onirismos aurales de Waldron y Stapleton en uno de los mejores y más constantes momentos del trabajo, dejando un aroma a hojarasca seca y a alientos de sílfides juguetonas. Esta belleza inerme se extiende hasta "Behind the Curtain of the Sun" y "Chant d'Amour/Da Mort", canciones frágiles y entrañables; sobre todo la última, planteando con apenas una escueta melodía una composición amplia, repleta de fugaces caídas y sinuosas ondas fantasmales y acompañada de un inexplicable interludio psicodélico.
Pero desgraciadamente esta gracia no dura a lo largo de todo el disco. Piezas, como "Cupboardie Re-Nude" o "Asphalt Kiss", parecen haber sido compuestas digitalmente para una Nico de ultratumba, vaciando dejos de emociones en esquemas claramente artificiales, llenos de sobregrabaciones y atmósferas que quieren sonar apabullantes pero que difícilmente adquieren el poder suficiente para constituirse. "Mother" recuerda a los trabajos de Anna Wildsmith -bajo el alias de Sow-; mas donde aquella plantea narraciones sarcásticas y juguetonas bien trabajadas en sus contrastes, las declamaciones de Rogerson chocan con una extraña suerte muzak en un inusitado -por no decir inadecuado, errrhhh, momento...
En general, es evidente que Rogerson sintió requerir más ayuda de la que en realidad necesitaba, haciendo que buena parte del disco se mostrara irremediablemente intangible e incluso imperdonablemente hueca en algunos de sus momentos más cruciales. Asimismo, la selección musical en algunas piezas no reporta extrañeza o extravagancia como en sus ofertas anteriores, sino cierta cerrazón y falta de acercamiento al quehacer sonoro. Contradictoriamente, aun con todos los problemas presentes, los momentos efectivos de este trabajo hacen que al final valga la pena, pues, así, frugales y escuetos como son, sin duda, representan algo de lo más memorable que ha aparecido en este año.(S.S.)

Angels of Light - We Are Him (Young God Records, 2007)

El único problema con Michael Gira es saber hacia donde se dirige. En cada eslabón de su carrera de más de veinticinco años, el fundador y ex-líder de Swans ha demostrado ser acumulativamente impredecible. Los giros que sus trabajos han dado desde que abandonó la nave de Swans en 1997 han sido especialmente vertiginosos, y particularmente lo han sido los discos de Angels of Light. En ellos, Gira ha optado por mostrar cualidades profundamente intimistas desde una esfera musical sencilla y directa, esto, claro, sin querer implicar que se trate de trabajos simplistas; la misma obsesividad por conseguir un sonido específico por la que se hizo conocido en Swans persiste en sus discos, aunado a una enorme claridad propositiva.
Su largamente anticipado "We Are Him", nuevamente, destroza preconcepciones. Presentando material totalmente nuevo, con la única excepción de "Promise of Water", que ya había parecido en una versión acústica en su acetato solista, "Songs for a Dog", Angels of Light crean un espacio y un registro totalmente nuevo, lleno de profusión sonora, con material de un lirismo excepcional, que, siempre sorprendentemente, presta atención a cada detalle.
En cierto sentido, este trabajo supone un cierto balance con respecto al trabajo presente y pasado de Gira; en él participan tanto músicos que le apoyan actualmente -como los neofolkers Akron/Family-, como algunos que participaron en la última recta de la carrera de Swans -como los percusionistas Steve Moses, Phil Puleo y el gran Bill Rieflin, garantizando una contundencia percusiva, así como el guitarrista Christoph Hann, nuevamente dando fuerza y dimensionalidad a los momentos más blandos del trabajo. Por supuesto, a pesar de que hay cosas genéricamente discernibles en este trabajo, no deja de tratarse de una creación concretamente diversificante.
Un trabajo de Angels of Light jamás había sonado tan tópicamente clásico, tan contundentemente pop. "Sunflower's Here to Stay" es un giño al pop californiano de los sesenta; asimismo, una psicodelia parte blues parte gospel resuena persistente en las vocales de "Black River Song". Y todo este contenido aunado al dramatismo tan característico de Gira , como en "My Brother's Man", en donde el cantante escupe sus palabras en una mezcla de cinismo y desesperación, o como en "Sometimes I Dream I'm Hurting You" donde el frenesí apoderándose de la pieza parece no tener fin. Asimismo, "Not Here/Not Now" es otra pieza sorprendente, donde Siobhan Duffy y Larkin Grimm participan con vocales que recuerdan algunos de los momentos más viscerales de los primeros trabajos de Angels of Light, "New Mother" y "How I Loved You". Con todo, la canción donde mejor se siente embonar toda la maquinaria sónica de Angels of Light es "Promise of Water" donde la estructura va de la desnudez casi acústica, hacia la profusión delicada y plena, donde, la escritura de Gira retoma su crueldad visceral en escenarios apocalípticos y en violentas sentencias.
¿Qué más se puede decir? "We Are Him" es uno de esos discos, hoy en día tan raros, donde brillan empeño y convicción. (S.S.)

Sunroof! - Panzer Division Lou Reed (VHF, 2007)

Mucho más abrasivo que habitualmente, Sunroof! de Matthew Bower y Mick Flower destiende en "Panzer Division Lou Reed" su sonido a la manera de la enorme Vibracathedral Orchestra del propio Flower, dejando un tanto de lado los ensueños y optando más por la abrasión acumulativa. Al comienzo de este disco, la pieza de diecinueve minutos "Sew Plateus#1", graves voces hacen juego a una serie de licks psicodélicos, feedback de micrófonos y teclados en drones exaltados que se revuelven lentamente, fluctuando de semitono en semitono; la evolución del conjunto es lenta, escueta pero crece lentamente en definición. La bruma inicial sólo se vuelve más densa ante la llegada de las percusiones de John Moloney (Sunburned Hand of the Man) en vuelos libres, que, con sus tormentosos devaneos entre el silencio y la acción, marca la nueva crecida de un drone sucio, enfermo, chamánico. Asimismo, "Sew Plateus#2" domina los mismos terrenos de ciclos persistentes y delirio, caminos bien desandados por Sunroof! y aumentados por las inmersiones en estática que cierran la pieza, que junto a la segunda pieza "Etoile Sauvage", sirven apenas de preparación al último corte del álbum. "Stairways and Terraces Descending One Beyond Another in a Stupefying State of Exhaustion" es total y absoluta furia ciclónica a la Hototogisu; muy por detrás de esa humeante cortina de ruido se destienden guitarras que intentan conformar notas y cuyos estertores se repiten en convulsión, cediendo eventualmente sus fuerzas al cauce central, haciéndose de todo uno solo con descargas de feedback altísimo y maltrato arrítmico y atonal extremo.
Con respecto al trabajo de Bower, "Panzer Division Lou Reed", muy efectivamente, sigue un patrón de tonalidad más claro que el grueso de las últimas ofertas de Hototogisu o Skullflower; sin duda, de manera análoga a lo que ha sucedido en trabajos como "Orange Canyon Mind" y Spooked Summer", donde algunos cortes han evidenciado una mayor definicón melódica. Sin embargo, el que Sunroof! se haya perfilado mayormente hacia un terreno más ríspido, cercano a la órbita de los dos títanes mencionados y de la misma Vibracathedral Orchestra y el que no se pueda entender a esta banda como una simple extensión de otras posa una pregunta sobre la mesa: ¿Cuál será el futuro del rincón del pleno solaz psicodélico que solía ofrecer esta banda? (S.S.)

Slow Listener - Snow Falling on a Clear Blue Sky (Ruralfaune, 2007)

Extraños paisajes de geometrías ríspidas, como el lejano aullido de vientos nórdicos lentamente erosionando la tierra. Ambientes meditativos incómodos, de introspecciones casi forzadas, como un mesmerismo impuesto que se cierne a ambos lados del estéreo comunicando imágenes e impresiones más que sonidos; sí, con todo y sus rasgos -burdos y hasta groseros, confundiéndose con borboteante estática- delineando la potencia de la experiencia con precisión.
Quizás el único pecado de Slow Listener en "Snow Falling from a Clear Blue Sky" es la obviedad temática; el escucha que no pueda formalizar estas imágenes ante las portentosas paredes de giseo modificado no merece escucharle. "White Moth" remite a la más perfecta difusión de ambientes de Mirror, con una construcción por capas casi imperceptible. "Compromise: I Hate that Word" deja ver más claramente el proceso; de la incierta, informe melodía lentamente ciñéndose se desprende un fallo tonal que se convierte en un drone. A partir de allí todo es concatenamiento y persistencia
"Polarity Magnetics" es pura ambrosía, pareciendo alimentarse del mismo pulso magnético de un motor divino, ofrendando música ingrávida que entre el embeleso del reflujo se da el lujo de mostrar sus aristas con breves muestras de atonalidad. "Jaggernaut", un tanto más maliciosa, emplea caudales de feedback controlado como elementos tonales que suenan tan punzantes como ominosamente bellos; nuevamente, es su concatenación lo que la acerca a las estrellas.
Paisajes utópicos, de nostalgias inventadas, en "Snow Falling from a Clear Blue Sky", fluyen inabarcables las suaves e infinitas mareas de una naturaleza que no deja sino ver su magia en armónicas creaciones y que, contrariando a nuestra incierta realidad, nunca devela su cara de furia. (S.S.)

Birchville Cat Motel - Bird Sister Blasphemy (Battlecruiser, 2007)

Blandiendo en lo alto la bandera de la diversificación musical, el neozelandés Campbell Kneale sigue desorientando a propios y extraños con sus convulsivas, casi sicóticas entregas. La presente, como han venido viendo cada una de sus más recientes producciones, es una conjugación maníaca de todos los trucos que este mago del sonido conoce. Tan sólo en el primer corte de "Bird Sister Blasphemy", "Powder Slave", Kneale explora a gusto ambientes intimistas, espacios sonoros contaminados por elusivas descargas de sonidos concretos, psicodelia infectada de germanismo ácido, ruido expansivo y eufórico y los tempestuosos bordes delineados por esa característica guitarra, altísima y delirante. Y con todo eso en mente, no es sino más pasmoso el hecho de que Kneale haya decidido vaciar este profuso universo de sonido en un espacio tan restringido; apenas son cuatro tracks, y la duración de ninguno rebasa los ocho minutos. Sin concesiones Kneale toma géneros, los explota, los deshace y luego los abandona a su suerte en una trepidante marea de ondas; nada deja de caber en sus fórmulas, pero para poder integrarse debe sufrir una profunda transformación, y vivir eternamente entre la evolución y la deformación de esta alquimia sonora. "Bird Sister Blasphemy" es pura energía y experimentación llevados al extremo.(S.S.)

Pure - Fetor (Freak Animal Records, s/n, 2006)
La trayectoria de Matthew Bower ha sido una de las más consistentes en tiempos recientes; desde principios de los ochenta ha logrado conformar un sonido único que ha ido evolucionando y exponenciándose en cada uno de sus proyectos: Total, Skullflower, Sunroof! y Hototogisu. Extrañamente, el gérmen de su trabajo con cada una de estas bandas -de orientación netamente guitarrera- no yace en el rock, sino en el corazón de la escena del power electronics inglesa, mejor ejemplificada por el trabajo de Ramleh, Consumer Electronics, Sutcliffe Jugend y Whitehouse entre otros.
La constante experimentación en busca de un sonido que fuese extremo y que desafiara los cánones llevó a parte de esa generación a colaborar constantemente, compartiendo sus rasgos más volátiles. El comienzo de la línea para Bower se da precisamente con Pure, agrupación de corta vida que cambió frenéticamente de miembros entre 1982 y 1984 para finalmente asentarse en 1984 como Total y luego como Skullflower. “Fetor” fue el único trabajo completo que publicó esta banda y que, desde su primera aparición en cinta, no había vuelto a ver la luz hasta su reciente reedición por parte de la disquera finlandesa Freak Animal en una edición de apenas trescientas copias.
Dividido en seis piezas, “Fetor” permite observar con claridad la persistencia sónica de Bower y compañeros. “Transformer” claramente contiene los elementos aurales que definen los últimos trabajos de Hotogisu aunque quizás a un nivel menos apabullante. Comenzando por el persistente uso de loops, vocales y percusiones, el total de estos seis tracks es decididamente menos abstracto que las usuales cortinas de distorsión de Skullflower o los nostálgicos y hasta dulces embrollos de cuerdas de Sunroof!, aunque, las piezas sí contienen de igual forma esa cualidad envolvente e hipnótica, esa psicodelia embotada y flujo inacabable.
Si bien el trabajo es claramente inacabado, la potencialidad visionaria de sus creadores es decididamente inspiradora, y muchos de sus componentes pueden advertirse en el sonido de bandas por venir. “Untitled”, fincándose fuertemente en oleadas de distorsión, prelude mucho de lo que harán las bandas de drone guitarrero de estos días, aquellos que, como Growing o Earth, formulan excesos para construir atmósferas y cuerpos sonoros más que simplemente para hacer un desmadre. Asimismo, es bien sabido hasta que grado el abrasivo uso de armónicos y el casi metálico filo de la distorsión de las guitarras de Bower pesaron sobre algunas de las bandas del metal industrial de los noventa –como Godflesh, por citar un ejemplo obvio-; “Fetor” en este sentido ofrece una visión más amplia que deja al descubierto muchos de los elementos que han ayudado a conformar el underground británico desde hace más de dos décadas. Y además lo hace de una manera muy afortunada; este trabajo se siente sumamente actual y su rico contenido sonoro lo valida más allá de su mero status como reliquia arqueológica. “Fetor” incluye además una –larga- pieza final grabada en vivo en 1988, la cual emplea material originalmente presente en esta cinta. Desgraciadamente, ni la pieza ni su calidad coinciden con lo que se puede encontrar en las seis piezas iniciales, pero, en fin, no está de más tener acceso a este material de archivo, sobre todo tomando en cuenta lo difícil que ha sido que éste vea la luz. (S.S.)

Saints (producido por la banda, s/n, 2007)

Con facilidad, Saints escapan definición. Las sensaciones que provocan las furiosas descargas de su debut son extremas; los remanentes de lo que suena como una estampida practicada en vivo forman cuatro piezas tituladas a partir de los nombres de Orishas -las divinidades paganas traídas a América por los esclavos venidos de Nigeria.
En este cdr se destiende una intensa colisión contra la melodía y la rítmica occidentales y se adopta de forma minimal un micro sistema tonal de tintes exóticos; cantos con trazas rituales se revuelven contra columnas de bajos enormes -¿loops?-, punzante feedback de micrófono, vocales histéricas y guitarras taladreantes. "Iansá" conjura el "A Screw" en vivo de Swans y lo lleva al paroxismo; "Oxum" retiene los excesos en retroalimentación de Whitehouse y les integra primitivos beats industriales; "Orixá" forja un delirio ritual sublimado en toxicidad y en barreras de tonos graves que no dejan que ni el aire se cuele; "Yemanjá" retoma el frenesí con una pieza cerrada, constante y que pura mala vibra de primitivismo moderno.
Creo que en afán de promoción, este dueto estaba regalando las últimas copias que les quedaban de este trabajo en su página de myspace, así es que si no se quieren perder de uno de los mejores y más violentos trabajos del año, mándenles un mensaje. (S.S.)

Hive Mind - Ashen Geometry (Throne Heap Devotional Music, TH008, 2007)

En estos momentos es probable que nadie pueda conjugar de mejor modo la disparidad del drone y del noise que Greh Holger. Hive Mind, en su intermitentemente constante carrera ha recreado lo mismo los susurros de la tormenta por venir que delineado el interior de tifones a discreción. Del mismo modo, su modus operandi nunca ha sido muy sencillo de definir; cuando parece hacer una línea de trabajos cuidados e integrados, contradice su devenir con trabajos un tanto más sencillos e inmediatos. "Ashen Geometry" en este sentido parece ser un trabajo intermedio.
Por momentos, esta cinta parece no seguir sino el lógico deslave de los barrancos de estática y tono que Holger apila con sus sintetizadores. En ciertos instantes, la grabación parece limitarse a eso; entonces, inadvertidamente una secuencia se comienza a delinear entre el caos dando lugar a una serie de inesperados -y hasta inadvertidos- giros. "Ashen Geometry" no llega a los extremos de intensidad y ferocidad que "Writhing Fleash" pero si posee un poder en el detalle que exige atención devota del escucha y una apreciación cuidadosa de esos movimientos orgánicos, sútiles que hacen de la música de Hive Mind una experiencia portentosa. Ésta es música que se siente en las entrañas y que estimula el frenético juego de las neuronas sobreexcitadas, música para tocarse a oscuras, y a todo volúmen. (S.S.)

Shitty Vibe Smasher - Bruised Fruit (Throne Heap, TH006, 2007)

Recluyéndose en los más profundos recovecos del espectro aural, forjando una aleación entre paisajes oníricos y la horrible certidumbre del accidente y sus espasmos, Shitty Vibe Smasher demuelen nociones, acreditaciones y lineamientos con una estampida de sonidos que de cualquier otro modo sería imposible relacionar.
Este grupo ya ha reunido en varias ocasiones a los ingenios que yacen detrás de los nombres Pulse Emitter, Sisprum Vish/Glamorous Pat y Budweiser Sprite, oriundos de Oregon que publican principalmente -y prolificamente- a través de la disquera de Pat, Cherried-Out Merch. Su quehacer parece enfocarse en la concreción labores múltiples; sus líneas sónicas fluctúan entre los trabajos de sintetizador, el drone, el dark ambient y el pulso aleatorio, que, de manera un tanto más lírica y espontánea que irr.app.(ext.) o At Jeannie Richie, juega con la frialdad y las aristas del azar. Las risas y conversaciones de sus integrantes dejan ver que "Bruised Fruit" no es algo que pretenda pasar por un trabajo tan acabado o meticuloso como el de los proyectos que acabo de mencionar; éste es, finalmente, un jam, sí, pero de un seguimiento pasmoso y que posee la rarísima cualidad de la sorpresa y el impetú en toda su inacabada gloria. "Bruised Fruit" registra en poco más de media hora, música tan abstracta y espontánea como puede llegarse a producir.(S.S.)

Tom Grimley - Nevermind the Abstention, Here's the Semiautomatic!!! (Heavy Tapes, s/n, 2007)

Tom Grimley es un experimentador sonoro que ya lleva algunos años trabajando en la producción de sonidos basados en la manipulación poco ortodoxa de instrumentos y sus componentes. Usualmente el resultado de sus trabajos es llevar precisamente el registro sonoro de dichos instrumentos a dimensiones particularmente ajenas. En el caso de "Nevermind the Abstention, Here's the Semiautomatic", Grimley comienza una serie de grabaciones hechas exclusivamente para el sello Heavy Tapes, y, dada su calidad, éste es un asunto seriamente valioso.
Básicamente, esta cinta puede entenderse como un trabajo en vacío. Compulsivamente formulando series sonoras abruptamente cortadas que dan lugar a otras, Grimley opera diferentes niveles de beeps repetidos en frenesí en tonos y velocidades diferentes. No se trata realmente de una construcción violenta pero sí de una trangresora de formas; la disrupción parece interminable forzando un alejamiento estructural casi absoluto con un enclave en la velocidad, la confusión y la profusión sónica. (S.S.)

Impregnable - Polishing the Mirror (Chondritic Sound, CH-164, 2007)

A estas alturas Impregnable ya es uno de los pilares del wall of noise; sus producciones cortas y frenéticas son un buen muestrario de la irascible volatibilidad de este género. Permitiendo por momentos deslices de oscuras musicalades mediante samplers, Impregnable ofrece complejas intercalaciones entre efectos que forman capas sobrepuestas de estática, cambiando densidades, delineando patrones, abandonándolo todo a la inercia, mas siempre con prestura en el control de las difíciles, anárquicas fieras del ruido. Con las dos piezas que componen "Polishing the Mirror", Impregnable busca conducir a los escuchas directamente hacia los torcidos senderos del olvido del ruido blanco. (S.S.)

Dead Wolf Black/Kilt (Barstardized, Bastardized#15, 2007)

Dead Wolf Black arremete con una actuación corta, totalmente llevada a la fluctuación entre el espasmo de la gravedad de la distorsión embotada y el coqueteo con el feedback de frecuencias muy altas sin llegar necesariamente al wall of noise. Asimismo, el dueto ofrece esas mareantes intercalaciones entre la ocupación total del espectro sonoro, y el abandono hacia el golpeteo de los micrófonos o su gutural empleo. Un set cerrado y violento que se siente tan intenso como si ofreciera el doble de tiempo.
Kilt por su parte se trata de la dupla que conforma Dead Wolf Black pero con la inclusión de Raven Chacon, todos pertenecientes al colectivo Cobra Group. El sonido del trío se basa, más que en la electrónica modificada, en el uso de efectos, percusiones y sax. Y, si bien la percusión queda en gran medida sepultada por la vibración de las ondas graves, ésta tiene también sus puntos degustables, brindando la posibilidad de dinámicas y, aunque el empleo del sax no es necesariamente virtuoso, el ejecutante cumple en ofrecer una atmósfera aleatoria híbrida, heredera tanto de la música libre como de la antimúsica. (S.S.)

Demons/Dilloway (AA Records, 070909, 2007)

Apenas el nueve de julio de este año, Richard Pinhas de Heldon ofreció un recital en Detroit. Quien visite habitualmente Hanson Records sabrá intuitivamente que Aaron Dilloway es un gran admirador de este maestro francés de los sintetizadores. Por ello, el noisero no podía faltar como presentador de este evento, uniéndose además a dos excompañeros de banda, Nate Young -de Wolf Eyes- y Steve Kenney -Isis & the Werewolves-, Demons, en un insospechado jam en sintetizadores.
"Live at the Magic Stick" captura dicho jam. Esta cinta comienza con el paso furtivo de Swans en la época de "Public Castration Is a Good Idea": un andar lento y pesado, pauta suficiente para la fuga que a unos instantes aguarda al portentoso motor de sintetizadores y maquinaria retorcida de los demonios. Caústicos en exceso, aunque prácticamente ajenos al noise que etiqueta a sus más populares trabajos, estos tres músicos destiende caudales tenebrosos que parecen emanar del mismo centro de la tierra. Demons y Dilloway generan una espiral descendiente de ondas profundas que erosionan y pulverizan el sinuoso camino de una lenta, casi imperceptible procesión de notas. Los accidentados bordes de su paso, se asemejan a la imperfecta geografía de los túneles sonoros que los vibrantes pulsos cavan.
El avance de la espectral retórica del trío es paulatino pero firme, lo mismo lleno de apesadumbrada tensión que de estallidos estrepitosos y colisiones. Un buen encuentro que no estaría nada mal volver a presenciar. (S.S.)

Segunda Entrega de Videos de los Conciertos de Bloodyminded en la Ciudad de México.

Finalmente he logrado subir la segunda tanda de videos de los dos recitales que la super banda de power electronics Bloodyminded ofreció en la Ciudad de México. Ni qué decir que fueron eventos grandiosos y que ojalá puedan repetirse en algún momento. Saludos a Isidro, Mark y Heber y a todos los amigos que se reunieron esas dos bestialmente ruidosas noches (S.S.)



Pro-Ana



Visiting an Ex-Girlfriend in the Hospital - AIDS Ward



Within the Walls




Shivery



Two Drops of Blood



Blind Fury

Warmth - Leave Your Wet Brain in the Hot Sun (Digitalis Recordings, digi040, 2007)

Tras un par de años y un cambio de nombre artístico, Steev Thompson -antes Roxanne Jean Polise, ahora Warmth- ha puesto de nueva cuenta en circulación aquel gran trabajo llamado "Leave Your Wet Brain in the Hot Sun", originalmente publicado por Audiobot en 2005. Como recordarán los que sigan este blog, en nuestro top 50 de 2005 este álbum alcanzó la segunda posición, únicamente superado por "Live" de Growing -también recientemente reeditado.
En adición al fantástico contenido sonoro del original, esta nueva edición incluye además dos bonus tracks, "Thank You Cloud, Fuck You Deer" -también anteriormente reseñado en nuestras cyber páginas como parte del split de Roxanne Jean Polise con Giggle the Ozone- y "Watch the Animals as They Glisten and They Rust and Rejoice", que originalmente apareció en un split con Parowek. Estas adiciones se integran perfectamente al registro de las piezas originales en sus temáticas oscuras, impredecible hostilidad, y metafísicas proyecciones. A la fecha, el trabajo pareciera ser el que mejor haya definido la prolífica carrera de Thompson.
Realmente no sé qué más decir para recomendar este disco. Este es un gran trabajo que vale la pena tener. Además la presente edición está grabada en un cd real -no un cdr. El propio Steev los está vendiendo en su página de myspace a la friolera de $6.00. No hay excusa. (S.S.)

Demons - Life Destroyer (AA Records, 2007)

Demons es el trío formado por Nate Young -fundador de Wolf Eyes y ex Nautical Almanac- y Steve Kenney -ex Isis and Werewolves- en sintetizadores y Alivia Zivich en trabajo visual. Como podría esperarse, esta banda ha editado la mayor parte de su catálogo en la disquera de Young y Zivich, AA Records, y los formatos que han empleado van de los afamados lathes de Young hasta la genuina rareza de loops en cintas.
Para su más reciente trabajo, "Life Destroyer", Demons han incluido tanto trabajo visual como aural en tres formatos, DVDR, CDR y cassette en un empaque que, como ha sido el sello de la casa, no deja nada a medias. El cdr contiene tres piezas largas que apuntan cada una en una dirección diferente. "Early Year", la abridora consiste de una lenta y cadenciosa línea grave de sintetizador, acompañada de variaciones tonales en sonidos loopeados en un total sonoro abarcante y absorbente. "Hellstorm" entra explosivamente, sin avisar siquiera; con un extra de volúmen y una violenta carga de furia sonora que sin embargo jamás se acerca ni al ruido ni a la falta de control. Esto sobre todo por la persistencia de los tumultuosos drones, que, aquí cerrados y vibrantes, en todo el set sostienen el poderío sónico de Demons. Hacia el final de la pieza el orbitar se hace cada vez más evidente y la atmósfera más vibrante. "Smoking Homes", tercer tema, interrumpe el estruendoso flujo regresando al ritmo lento y pesado, calculado y artero más característico de la banda. El circundante pulsar cae una y otra vez mientras capa sobre capa de sonido se encima, con una gama que va desde la estática hasta la indescifrable voz de fondo.
La cinta incluida en la caja ofrece dos temas, "Sick by Water" y "Life Destroyer". Esta cinta sobre todo parece hacer referencia directa al primer industrial, prácticamente omitiendo cualquier atisbo de noise y apoyándose totalmente en las lentas convulsiones de los sintetizadores que el dueto orgullosamente emplea. "Sick by Water" incluso podría decirse que yace en el extraño pantano del minimal techno a no ser por las incesantes intromisiones progres/psicodélicas. "Life Destroyer" es un poco más nebulosa y de un sentir tanto más droner claramente más contemporáneo.
Finalmente, esta caja incluye un DVDR con una versión en video de "Life Destroyer". Se trata de una manipulación visual análoga en video como las anteriormente presentadas en su serie de DVDRs Video Madness, creadas a partir de feedback de video y manipulación directa de las cintas, formando patrones abstractos.
Queda bien evidenciado en este trabajo hasta que grado la alternativa artística nutre; Demons, como proyecto, se siente más un grupo por momentos que, incluso, muchas recientes ofertas de Wolf Eyes. "Life Destroyer" es todo lo que se necesita saber de esta banda para convencerse de su calidad; en su cuidado formato puede evidenciarse un intento por superar la frugalidad.(S.S,)

Raven Chacon/Alchemical Burn - Bachelors, Even (sssk, sssk-014, 2006)

Lo que ofrece esta colaboración entre Raven Chacon y Alchemical Burn difícilmente podría clasificarse como power electronics o noise -aunque sí bordea constantemente por entre las naturalezas de ambos géneros, así como por sus orígenes-; en cualquier caso, "Bachelors, Even" se siente por momentos como un eco lejano de los primeros trabajos de compositores experimentales como Asmus Tietchens y por otros como un tratado sobre la esquizofrenía sonora. "Even Bachelors" es un trabajo fuertemente basado, por una parte, en los cromatismos y el minimalismo, y por otra en la disrupción. Los juegos tonales son muy reducidos, concentrando gran parte de sus cualidades en complejos juegos con silencios profundos, frecuencias casi inaudibles e incidencias atonales y arrítmicas estrepitosas.
Por la calidad de la grabación uno podría fácilmente pensar que se trata de un trabajo hecho en power books; sin embargo,la base de todo este lienzo aural es el equipo análogo. Empleando primordialmente pedales, micrófonos de contacto y cintas, la dupla de Chacon y Ken Cornell crea sonidos que van de lo simplista a lo sobrecogedor en instantes y que atrapan con su persistente dinamismo -que no es poco decir cuando ambos de los discos que componen este set están llenos hasta el tope. (S.S.)

El nuevo disco de Loopool puede descargarse de la siguiente página:

http://www.tentaclebeast.net/net.html