Secret Abuse - Young Pig/Walking for Days Alone (Eager Mother Tapes, s/n, 2008)

Tras apenas escuchar los sobrecogedores drones de Marble Sky, creí haber estado ante la presencia de los aspectos más sublimes del trabajo de Jeff Witscher; pero nada de lo que había escuchado me podría haber preparado para "Young Pig/Walking for Days Alone", cinta que divide su carga en cuatro piezas que combinan a veces etéreos, a veces borrascosos paisajes de electrónica análoga con dulces trazos de guitarras a la Loren Connors.
La primera pieza, "One More River to Cross", incluso podría llegar a resonar tan celestial como algunos de los mejores trabajos de Windy & Carl o de Growing, con sus deslumbrantes momentos de iluminación sónica. Y, contra ésta, la siguiente, titulada "Anytime", ahoga los paisajes abiertos de psicodelia pastoral en un vórtice de huracanes negros y eternos. La grave pared de ruido opaco y pesado sirve de marco a un deslave de picos agudos y de maltrato guitarrero, que dura, sube hasta no poder más y muere de un corte en seco.
La segunda cara, llamada "Wednesday Morning", muestra un lado aún más sutil con "Picture of Redwood", una poderosa pieza de ambient que combina sonidos encontrados con teclados dulces y una intensa atmósfera con profundos dejos de nostalgia. "Weariness/Bloody Toe" sigue en esa línea, dando un cierre delicado a un trabajo sorprendente. Probablemnte el mejor que he escuchado en lo que va del año. (S.S.)

Bardo Pond - Adrop (Three-Lobed Recordings, TLR22, 2006)

Con un inicio templado, "Adrop" incita la entrada al mundo ácido de Bardo Pond flagrado de sonoridades etílicas. Con improvisaciones que en algunos momentos llevan algo de métrica, las guitarras de los hermanos Gibbons platican acerca de un drone mustio, tenue y que lentamente conduce hacia lo que empezará a ser una pieza única subdividida en tres instantes marcados; segmentos que también dividen los tres nombres proporcionados a este trío de extremidades amorfas: -"part 1 Invisible Fire" - "part 2 The Rebis"- "part 3 Latona"-.
La voz en la antesala que lentamente se difumina en la distorsión y feedback de las guitarras que ya no nos expresan linealidad, sino pulcritud stonera, es el pie para que se complemente, con métricas dispares, la esencia de éste y varios discos de esta banda: atmósferas envolventes complementadas baterías, guitarras y un bajo tan repetitivos que tras tanta monotonía nos arrojan la pregunta de cuánto tiempo ha transcurrido desde que comenzó ese extracto sicodélico en el que nos encontramos inmersos.
Esa masa sonora a la que nos tienen acostumbrados Isobel Sollenberger (voz, flauta), Michael Gibbons (guitarra, voz), John Gibbons (guitarra, voz), Clint Takeda (bajo), Joe Culver (batería, voz), culmina estrepitosamente liquidada con dos guitarras acústicas acompañadas por las palabras de una flauta tímida que se asoma a la Adrop, sin duda una material único por este elemento final, guitarras acústicas que en pocas ocasiones emplean este dúo de guitarristas sicodélicos y por la gran capacidad que tienen todos los integrantes de ensamblar lapsos tan diferentes en una sola pieza. (Sinuhé Guevara)

Lilypad - Bent Dimension (Tusco/Embassy, TE31, 2008)

El proyecto de John Elliot, Lilypad, sufre en "Bent Dimension" una radical transformación, abandonando su más familiar cara droner y dejando ver, al tiempo, un lado tanto más volátil. Y a pesar de que aquí el sonido de Lilypad sigue basándose en el empleo del sintetizador, la obliteración en cuestión ya no va dirigida a la sublimación, sino a la abierta saturación de sonidos en plena convulsión.
La primera cara de este trabajo ve a Elliott imitando ventarrones mediante estática manipulada e interceptándolos con las manipulaciones de sonidos sintetizados en una dinámica auto contenida y absolutamente vibrante. La segunda cara se divide en un inicio virtualmente abstracto, con pulsos semi-distribuídos en un engranaje irregular, que subyacentes, se ven abruptamente intervenidos por dosis bien mesuradas de musicalizantes de drones. Difícil de explicar, como todo trabajo de Lilypad, pero decididamente material valioso, de excelente calidad sónica y totalmente degustable. (S.S.)

Werewolf Jerusalem - Red Eye (Hospital Productions, HOS207, 2007)

El más reciente proyecto del legendario Richard Ramirez, Werewolf Jerusalem, se ha encontrado muy ocupado en fechas recientes produciendo un sinnúmero de episodios de hostil harsh noise en su propia disquera, Deadline Recordings, y en otras tantas, como la presente Hospital Productions. En este caso, se trata de una cinta que deja ver de nuevo la predilección de este artista por las frecuencias bajas y por las descragas de ruido pesadas y agresivas.
Tan anárquico y grotesco como el harsh clásico, Werewolf Jerusalem no ofrece ninguna concesión; sus expresiones sonoras son declaradamente lejanas a cualquier tipo de constancia musical y se basan, en mayor medida, en una brutalidad discreta, que apenas por momentos deja escapar un escupitajo de ruido abiertamente. La lenta evolución de los dos tracks de "Red Eye" es tensa y grotesca en el ríspido reptar de sus graves estruendos, conduciéndose constante e inacabablemente.
Limitado a apenas treinta copias, empaquetado en un pequeño sobre de papel manila, e ilustrado por una portada y cuatro insertos con la característica imaginería homosexual de Richard Ramirez y el cuidado trabajo artístico de Dominick Fernow, "Red Eye" es otra clásica muestra del porqué las cintas son el formato obligado para este tipo de entregas. (S.S.)

Niellerade Fallibilisthorstar - Skrankverk (Dystonia EK, D.41, 2007)

"Skrankverk", la esperada continuación al enorme "Halrum" de 2006, es un álbum que, nuevamente, exige mucho del escucha, gracias a su proyección, cada vez más radicalmente internalizante. Tras una superficie metálica, donde los mecánicos sonidos de fantasmales industrias resuenan en algún paraje primordial, se desenvuelven los etéreos sonidos de sintetizadores moviéndose a lo largo del ambiente, aliándose a la claridad de los ecos del agua corriente. La contundencia percusiva se pierde para dar lugar a atmósferas contemplativas, jugando entre la aridez y una muy, muy lejana reverberación de lo pastoral.



Floreciendo en direcciones similares a las del Einstürzende Neubauten de "Armenia" y de las más aplastantes composiciones de Nitsch, el sonido de Niellerade Fallibilisthorstar
adquiere una dimensionalidad impactante tanto por su aguerrida falta de concesiones como por la generosa paciencia con la que dan lugar, minuciosamente a cada elemento de sus composiciones. Desde el dejo marcial hasta la tiniebla nebulosa, cada momento de "Skrankverk" adquiere una presencia álgida en su respectio entorno, aunque a la larga quede sepultada en el enorme caudal sónico. Cada uno de los seis movimientos dejan converger elementos sonoros -en prácticamente todos los temas están presentes las voces susurrantes, el murmullo del sintetizador, las percusiones metálicas y la espectral reverberación-, aunque sus consecutivas disposiciones ofrecen creaciones claramente divergentes.

Mirror/Dash - i can't be bought (Three Lobed, TLR027, 2007)

Con ánimos de quedar de una vez por todas insertos en el underground noisero contemporáneo, Kim Gordon y Thurston Moore crean Mirror/Dash como un proyecto que compartiera resonancias con bandas más fervorosamente abstractas, como Taurpis Tula o Charalambides. Y a pesar de que Mirror/Dash en "I Can't Be Bought" recrean tanto momentos de etérea belleza -la esplendente introducción de la pieza- como instantes enturbiados por los clichés que la propia pareja ha forjado a lo largo de los años -ni hablar del sobreexplotado berrinche guitarrero de Thurston Moore-, el resultado final es bastante sorprendente.
"i can't be bought" es un grato debraye en guitarras, vocales y samples que sobrepasa los trastornados estándares de la pareja, ofreciendo en un corte de poco más de cuarenta minutos, una serie de juegos que van de la legítima abstracción formal a los más usuales empleos del rasgeo y su persistencia rítmica, tan comúnes a Sonic Youth. Sus últimos momentos, de hecho -que por instantes forjan una lejana rendición de los cortes del "Confusion Is Sex"-, son particularmente gratos para quien prefiere los aspectos más oscuros y filosos de estos artistas. En general, y a pesar de algunas inconsistencias hacia su comienzo, "i can't be bought" muestra el lado más extrañado de sus compositores, dejando ver como el que esto no sea habitualmente parte del sonido de Sonic Youth no implica que esa pasión y fuerza se hallan diluido. Ojalá y los subsecuentes trabajos de Mirror/Dash sean igual de osados y poderosos. (S.S.)

Stephano Pilia - Haikustrings (Sloow Tapes, Sloow Tapes Shiwasu, 2007)

Stephano Pilia es un artista sonoro italiano que con su debut, "Healing Memories and Other Scattering Times" para LVD inauguró una discografía sumamente compleja e interesante, que, incluso, se siente por momentos como un eco de los trabajos más profundos de experimentación sonora de los ochentas. Este cassette para la siempre grande Sloow Tapes, "Haikustrings", evidencia la madurez creativa de este artista, quien se propuso aquí la factura de un complejo trabajo de ensamblaje que conjuga el quehacer artístico cotidiano con la construcción a gran escala.
Empleando grabaciones provenientes de docenas de bancos sonoros, Pilia mezcla los zumbidos de moscas con el rugir del tránsito lejano, la estática vibrante con el chocar de cristales, drones de sintetizadores con la fuerza de tañidos acompasados, haciendo de este un cuadro de sonidos lleno de plenitud vital. Como parte de su quehacer cotidiano, este músico grabó estos 111 cortes que fungieron como su ejercicio creativo. Cada uno se constituye como una entidad de orbe y naturaleza radicalmente divergentes. La composición de "Haikustrings" resultó pues en despojarlos a todos de su identidad unitaria para volverlos un verdadero collage de sonidos que encuentra en la propia naturaleza del sonido su excusa para llamar a todo lo que se deja atrapar por un instrumento de grabación música.
Ser consciente de esto al escuchar este trabajo produce una serie de implicaciones respecto a los posibles alcances de este trabajo: ¿Acaso se convierte esta superposición de sonidos en algo más? La escisión del tiempo, mezclando imágenes, experiencias, recuerdos o meras suposiciones hace de "Haikustrings" un detonador de sensibilidades inesperadas y la captura magnetofónica y el reordenamiento de estos inconstantes fragmentos de vida hacen de la musicalidad un juego de narrativas apasionante y complejo. (S.S.)

Ketamine Kurtainz - 1007 Moon (8ctopus, OCTO 16, 2007)

Prácticamente de la nada me saltó a las manos este extraño y misterioso artefacto de la dupla de Sarah Pendleton y Eli Morrison, alias Ketamine Kurtainz, y ya llevaba un par de meses pidiéndome un poco de tinta virtual. Lo primero en llamar mi atención es que se trata de un disco de una factura tan ambigua: por una parte, "1007 Moon" ofrece una mezcla compleja y de producción sónica prácticamente profesional; por otra, la fotocopia pegada al digipack liso y el cdr rotulado con plumón, limitado a la ridícula cantidad de veinte copias, provocan una impresión, pues, prácticamente, de desdén hacia un trabajo que podría encontrar una audiencia más amplia con facilidad. Pero quizás esto no sea sino otro signo de los tiempos de abusivo consumismo que vivimos.
Ketamine Kurtainz crea una ensoñada neblina de ambientes tóxicos que se expande mientras filosas descargas de electrónica abrasiva comienzan a deshilarse, dando una dinámica espacial al delirante mosaico de beats torcidos sobre el cual el dueto se mueve. Samples de guitarras basados en slides lentos, manipulación de electrónica análoga, y esas vocales eternamente sumidas en cortinas de delay y reverberaciones forjando cadenas interminables de sensuales e indescifrables, casi susurrantes, líricas hacen de "1007 Moon" un trabajo esquivo, que no permite develar sus intenciones tras una primera escucha. Sus irregulares e inesperados cambios de plano no permiten una escucha lineal; no por nada cada tema consecutivo es llamado y enumerado como una alucinación.
En las cuatro piezas, o alucinaciones, que conforman este trabajo, Ketamine Kurtainz rescatan de los abismos del hype una electrónica que no busca aliarse con el simplismo rítmico y que encuentra en el debraye y los vuelos psicodélicos fuerza suficiente para crear algo bizarro y genuino. Un trabajo interesante y, sobre todo, sumamente inquietante. Ojalá sus secuelas sean más difundidas. (S.S.)

Yes, Collapse - Final Diagnosis (Crucial Bliss, Crucial Bliss #19, 2007)

En "Final Diagnosis", Yes, Collapse reúne intrincadamente una multitud de elementos, desde la síntesis fría y portentosa, al aporrear fébril de piezas de metal. Este trabajo explora ambientes industriales que van de la disipación nebulosa a los incesantes martilleos en un registro que por momentos recuerda a los trabajos de Niellerade Fallibilisthorstar, aunque mientras los suecos tienden a ser más consistentes en cuanto al seguimiento de una poética particular, Yes, Collapse son más dados a ofrecer fragmentos sonoros en forma de viñetas, demarcando un espacio y un sonido muy particulares, todos igualmente ariscos y decadentes, pero cada uno de rasgos lejanos al del anterior.
Las bases de casi todos los cortes de "Final Diagnosis" tienen en común una base sintetizada que lucha desde el fondo por la alternancia con el gritante protagonismo de los efectos en plena ebullición distorsionante, los matizados, pero netamente contrastantes, usos de cintas que lo mismo traen trinos que aullidos humanos, y con una serie de intermitentes sonidos en directo. El resultado de las subsecuentes colisiones es un sistema cerrado, pleno en gama sonora, aunque confeccionado con la suficiente paciencia y ánimos creativos para no permitirle desbordarse. Algunos tracks, como el sexto -ninguno tiene título-, se dan incluso el lujo de forjar una constantemente variante cadena sonora, que, si bien proyecta una peristente rispidez, no tiene a más sino alejarse, cada vez más, de sus posibilidades originales.
Parte de la excelente serie Crucial Bliss, puesta en marcha como una alternativa a los sonidos más usualmente explorados por Crucial Blast, llegan este y otros notables trabajos que iremos analizando a su tiempo. (S.S.)

Eye - The Dresden Codex (Sonora, 2007)

Eye es el seudónimo de Guido Flichman, argentino que lleva a su cargo el sitio Latinoise y que además trabaja bajo dicho alias como un artista sonoro, cuyo trabajo bordea los campos de la composición experimental y el noise. Afortunadamente, su trabajo no parece contaminado por las incesantes limitantes que insisten en atribular a la presenta escena del ruido, como bien puede testimoniar su más reciente trabajo, "The Dresden Codex", editado por Sonora. Tras su escucha queda claro que sus influencias van mucho más allá del mero atasque.
Deambulando a través de los páramos más abstractos de la electrónica experimental, Eye juega con capas monóliticas de sonidos sumidos en reverberaciones pantanosas, elementos percusivos, bleeps, paneos y sampleos de voces infantiles modificadas en patrones verbales revertidos, tiempos extendidos y una siempre constante reformulación. El mundo sónico retratado en "The Dresden Codex" se trata de uno frío, espantoso, sin una delimitación espacial clara, con paredes que se derrumban y tiempos disparejos. Cuando los elementos musicales parecen estar a punto de afianzar una certeza en al menos algún sentido, una nueva serie de loops, pulsos y susurrantes muros de estática, se dejan caer, recreando el momento preciso en que una edificación sonora está precisamente al borde de la demolición. Y de allí, a la puerta del abismo, Eye crea una enrarecida marea de sonidos, que se siente como enchida de éter; brillos distantes iluminan los oscuros parajes que Eye marca con su misteriosa rúbrica electrónica.
"The Dresden Codex" es un excelente proyecto sonoro al cual los registros únicos y limitados le vienen quedando flojos. (S.S.)

Taint - Sex Sick (The Ajna Offensive, Flame44, 2007)

"Sex Sick" es un disco sorprendente por muchas razones; no sólo se trata de un trabajo de electrónica hóstil sumamente contundente sino que además, recogiendo las semillas de lo que Whitehouse hiciera con "Birdseed", propone un marco ideológico de horror extremo con un enclave en lo más mundano y lo más enfermo de la naturaleza humana. Intercalando en diversos cortes grabaciones en donde víctimas y victimarios de abusos sexuales exponen sus casos, matizando los ya de por sí sobrecargados relatos con las propias flemas de su artífice, Keith Brewer, Taint ofrece un disco de power electronics que denota un entendimiento preciso de los efectos del feedback en la psique del escucha y de la saturación sensorial desde varios ángulos de un tópico tan difícil como la perversión sexual.
Con once piezas dividas en tres tracks, Taint estudia una amplia variedad de tonos y matices que llevan al escucha a atestiguar todo un infierno de dolor, agresión y violencia con turbulantes sonidos de procesos de fondo y punzante retroalimentación controlada rasgando toda la superficie. Momentos como "The New Centurion" llegan a ser sumamente extremos inclusive para los estándares del género, gracias al desbocado y falto de condescendencia uso de volúmenes o "Repulsion" gracias a la furiosa combinación de enardecidas vocales con la sórdida sobrexposición electrónica.
Junto al "This Is the Truth" de Sutcliffe Jugend, sin duda este "Sex Sick" es de los mejores -y más oscuros y abrasivos- trabajos que el power electronics, y el noise en general, vivió el año pasado. Ideal para esas bellas tardes de misantropía y psicosis. (S.S.)

Mirag - Black Temple Carved In Smoke (Battlecruiser, s/n, 2006)

Battlecruiser es la disquera que Campbell Neal creó en 2006 para promover sus intereses rayanos en, la que parece su más reciente convicción, el metal (o al menos el drone metal o el noise metal). Y aunque otras de sus ofertas sónicas, como Black Boned Angel y la estética de las producciones de Battlecruiser sea gloriosamente diferente a la de su otra, enorme disquera, Celebrate Psy-Phenomenon gracias a su excelente, minimal arte, la música, al menos en lo que respecta al presente "Black Temple Carved In Smoke", no ofrece algo seriamente diferente a lo que usualmente podríamos esperar de su creador. Mirag es otro más de los múltiples proyectos del conspicuo Matthew Bower, el genio guitarrero tras Skullflower, Hototogisu y Sunroof!, entre otros, e influencia innegable de más de media docena de bandas, Birchville Cat Motel de Kneale, claramente, incluída.
Es difícil dejar de notar el distintivo sonido de Bower -ahora, como siempre, cercano a mil cosas (i.e. noise, drone, rock) pero jamás claramente definido, ni siquiera como el metal que debía distinguir a una colección temática. Y, ciertamente, se trata de uno de los más distintivos en cualquier ámbito; lo que ahora es cada vez más difícil es señalar a cual de sus muchos proyectos debería pertenecer este trabajo. A pesar del uso de loops en un ambiente cercano al post-industrialismo en el primer corte, y de la atmósfera oscura que apenas deja perfilarse como un distante doom, los dos tracks que "Black Temple Carved In Smoke" contiene bien podrían pasar por el recorte de "Orange Canyon Mind", su composición siendo la de temas escuetos, de un registro claro y con un seguimiento musical -ya sea de monotonalidad droner o de constancia circular- que apenas por instantes les previene del caos absoluto.
Temas buenos, que sin duda harán la delicia de los seguidores del trabajo más reciente de este gran anti-músico, pero que sin duda dejarán a cualquiera esperando más, ya que ambos no suman juntos si apenas el cuarto de hora. Claro, éso sin mencionar que quien busque un registro más clásicamente pesado en el trabajo de este músico, quizás tenga más a bien en conseguir la más reciente reedición de "IIIrd Gatekeeper". Sólo para coleccionistas.(S.S.)

Winters In Osaka - Swarm of Witches (One Stock Release, 1SR #006, 2007)

Casi imposible de seguir, "Swarm of Witches" es uno de esos discos que se cuelgan del mote del noise para ofrecer algo que supera muchas de las barreras de los estilos que un género como tal puede llegar a albergar. Si bien el inicio de este trabajo con la pieza "Wolfpussy" puede resultar severamente engañoso, la falta de definición que hace que en apenas un par de minutos ya hallan recorrido un registro enorme parece querer acercarles más a la naturaleza del pastiche acústico que al ruido abierto en ninguna de sus múltiples tendencias. Incluso dicha pieza comienza a delinearse como un acercamiento post-rocker que sucumbe en instantes, para dar lugar a una experimentación plena e insospechada. Los cambios, intermitentes, con fragmentos de piezas de metal en el fondo chocando con el quiebre de circuitos hacia la superficie, los sonidos semi-infantiles de pianillos juguetones y samples hacen de éste un trabajo que toma la naturaleza escindida del sonido muy en serio. Incluso, "Zenblender", por ejemplo, llega al extremo de ser tan caótica como el noise más abigarrado, aunque difícilmente llegando a codearse con un abandono tan terminante como la propia estática, dejando salir en tropel una catarata de eufóricos sampleos que incluyen ladridos, oscilaciones, guitarras eléctricas grindcoreras y pulsos lejanos, forjando un lienzo acústico totalmente desencajado. El resultado es algo similar a si Steven Stapleton se hubiera puesto a meter samples metaleros en vez de sus rarezas vintage. Sí, hay noise y sí hay descargas de agresión, pero son, en perspectiva, un elemento apenas circunstancial ante la más marmórea construcción que termina forjándose de la acumulación de todo el debris y el sinsentido.
Un trabajo muy intenso e interesante por parte de un joven proyecto al cual no se le ven las más mínimas intenciones de encasillarse, pero sí las ganas de devanear aún más en los reinos intermedios, en las tierras indefinidas. (S.S.)

AHD - Hara Kiri (Sonora, RA-10, 2007)

Oriundo de Puerto Rico, AHD es una de las más recientes caras en surgir del miasma sonoro del harsh noise latinoamericano. Básicamente trabajando sobre siempre crecientes niveles de intensidad y poder, Ariel Hernández genera en las cinco piezas que componen "Hara Kiri" una serie de furiosas dosis de veneno aural, que van del desiquilibrio psíquico en un extrañísimo loop de "The Crackhead" al embotamiento caústico total de "No Future Echo". Desenvolviéndose lentamente, "Hara Kiri" va reclamando espacio mientras cobra potencia y velocidad. El corte que da nombre al álbum se deja sentir vibrante y absurdamente exacerbado en su uso del feedback, aunque aún no lo suficiente para hacer frente al relámpago que desprende "Blossom Blood" como entrada, aún más sobrecogedora gracias a sus inesperadas intercalaciones de silencios. Un buen ejercicio en obliteración sonora, abrasiva, violenta, breve y seriamente directa. (S.S.)

Publico además la siguiente convocatoria, que se ve bastante interesante:

Festival Internacional en Murcia: SOS 4.8.
La convocatoria gira en torno a la Sostenibilidad, entendida en el sentido más amplio
posible. Las disciplinas son Artes Plásticas, Performance, Net Art, y Visual Jockeing.
La web oficial del festival contiene toda la información, así como las bases completas.
La fecha límite de envío de proyectos es el 15 de marzo de 2008. Hay 2.500 euros para cada proyecto seleccionado y 4.000 para cubrir gastos de transporte y producción de las obras.

Nuestros amigos de Ones De Crom, nos han envíado una invitación para descargar su más reciente podcast, con música a cargo de Matt Valentine y Erika Elder. En los archivos hay además otras joyas, como un especial del virtuoso Keiji Haino, otro más de psicodelia japonesa, algo de Sunburned Hand of the Man, Wolf Eyes y tantos más. Por favor, apoyen a nuestros amigos y disfruten de la música que ponen a nuestro alcance.

Aidan Baker - Noise of Silence (Hyperblasted Recordings, HyRe002, 2007)

Si hay algo que puede caracterizar el trabajo de Aidan Baker es la diversidad. Tanto en cuanto se refiere a la gigantesca cantidad de proyectos que ha abordado como a los temas sonoros que ha explorado en cada uno de ellos, los trabajos de este canadiense son altamente variados y casi imposibles de seguir en términos de registro. En "Noise of Silence", por ejemplo, Baker apunta a una obliteración sónica similar a la que se ha vuelto característica de su exitoso proyecto, Nadja: intensa y siempre creciente efervescencia en monolítos de distorsión.
Empleando básicamente loops y guitarras, este músico genera gigantescos cúmulos de ruido que se centran en la naturaleza circular de las cintas y sus grabaciones, las cuales van intercalando voces, estática y porciones pregrabadas mientras un detallado uso de la guitarra va delineando pautas melódicas sensibles. Partiendo de un momento aún relativamente ligero, no tan violentamente descarnado, "Noise of Silence" comienza haciendo creer que se trata de un trabajo droner de texturas sublimadas. Tras unos cuantos minutos, inadvertidamente, el escucha habrá de verse atrapado en el denso cuerpo de la catársis convocada por Baker. Una vez en el declive, el elíptico drone tiene finalmente lugar, sumiéndonos en su incierta calma, mientras voces en delirio nos comunican intenciones suicidas, retroalimentándose en variaciones de velocidad enfermizas en su comunión de dolor y última redención. Cincuenta minutos de sublimación e introspección a base de una mezcla deliciosa de ruido circular y melodías etéreas: decididamente lo que recomienda el doctor -pero no el psiquiatra. (S.S.)

Cornucopia - Ion Wind (Kiddieriot Records, KRR018, 2007)

Sin duda, Cornucopia es, junto a Armenia, proyecto de Leonardo Sabatto, la cara latina del ruido de más renombre y tradición en el mercado mundial del noise. Para muestra, este año, este gran dueto estará presentándose en el No Fun Fest en Nueva York, brindando la representación latina al ya de por sí enorme cartel.
Este renombre, precisamente, parte del hecho de que Cornucopia no ha dejado de trabajar incisivamente en la evolución de su sonido. En el presente "Ion Wind", editado en la disquera mexicana -sí, con negritas y cursivas- de nuestro gran amigo Marcos Hassan, Kiddieriot Records, podemos observar una gran variación con respecto a su sonido más habitual -tanto más cercano al trabajo digital de "C Works"-, y aproximándose al primordial drone que caracteriza a su antiguo compañero de correrías, Greh Holger, nada menos que el enorme Hive Mind.
"Ion Wind" es un trabajo en una pieza oscuro, vibrante; estática convulsionándose en forma de senderos tubulares, corrosión post-civilización, repetición compulsiva y furia en tinieblas. El tema, de una tiniebla musicalizada es llevado a desangrarse hasta la corrosión total. En dieciocho minutos, ya con pocas trazas de musicalidad, Cornucopia vuelve a alcanzar las más abisales corrientes subterráneas gracias a un sonido que se siente mucho más orgánico y caústico que nunca, pero que jamás deja pasar esos momentos de pesadillesca/ensoñada contemplación interna. Otro gran trabajo en uno de los mejores años del proyecto y, cabe mencionar, también de su disquera, Sonora.
Según hemos escuchado, Claudio y Jorge están interesados en visitar nuestras tierras mexicanas. Ojalá sea posible que los podamos recibir ahora sí, como se merecen, y pronto.(S.S.)

Pelt - Skullfuck/Bestio Tergum Degero (VHF Records, vhf#98, 2006)

Antes de que Jack Rose nos impresionara con su talento como solista, su banda, Pelt, ya había confirmado su trascendencia gracias a una larga trayectoria habilitando a tiempos modernos los presupuestos de los drones mistéricos de los maestros del arte en los setentas y sesentas. Sin embargo, pese a que el sonido de la banda siempre ha sido notable, éste ha estado perpetuamente basado en un sistema sónico particularmente cerrado, encaminado ha expandir la contundencia de sus características por encima de cualquier afán de novedad.
Por eso es tan sorprendente que para su gira europea, la banda decidiera ofrecer “Skullfuck/Bestio Tergum Degero”, un cd de cuatro tracks que incluye tres variaciones sobre el tema “Bestio Tergum Degero” y un cover a la pieza “Calais to Dover” del propio Jack Rose. Ambas interpretaciones, ofrecen una variación sumamente interesante al sonido de Pelt; la primera combinando el característico sonido de Rose en guitarra, véloz y grácil, con los ambientes enrarecidos del drone, dando por resultado una extensión inquientante de los potenciales reunidos, y la segunda, sentando sus bases en el sonido de percusiones orientales, haciendo de sus sonido una materia aún más difusa y oscurecida.
“Skullfuck/Besto Tergum Degero” funge perfectamente su parte desde donde se le aprecie, tanto como introducción a la banda, otro peldaño en su exitosa trayectoria, o bien como un trabajo limitado que sin problemas se sostendrá en el tiempo como una de esa notables curiosidades. (S.S.)

Hototogisu - Robbed In Verdigris (Nashazphone, NP-03, 2007)

“Robbed In Vedigris” es el tercer vinilo en la prolífica carrera de Hototogisu, una nueva muestra de la forma más visceral de hacer ruido que se conoce. A cada momento infligiendo daños bestiales sobre las cuerdas y arrastrando sus registros hasta la más atroz degradación imaginable, Marcia Bassett y Matthew Bower llegan nuevamente a las cimas de la catársis con vuelos altos, casi insondables a través de enrarecidos vientos, cargados de electricidad y movimiento.
La primera pieza es llevada como el vaivén de un oleaje dictado por los ciclos del flanger; lento, el monolito de atonalidades se degrada fundido en su propia dinámica, caústica, astillada pero con todo ensimismante. La segunda parte es mucho más difusa, con un espaciamiento enorme entre las tonalidades y un registro aún más disparatadamente filoso. El loop de fondo es profundamente pesado y nebuloso y, por momentos, tan abierto, que parece abandonar todo al caos. Hacia su salida, los sonidos ya son sólo hilados por una ondulante marea de ruido entretejida por la repetición y sus delirios.
El segundo lado abre con lo que parece la intepretación guitarrera de un descarrilamiento; en ella sólo hay sonidos que saltan hacia cúspides, riffs coartados, golpeteos sobre cuerdas, zumbidos altos, estímulos como shocks y violencia cargada, caótica. No hay desprendimiento alguno. La rispidez sólo se vuelve acumulativa y la cerrazón cada vez más puntual. El camino es la locura y la catársis nuevamente, afortunadamente.
Este –carísimo- vinilo de manufactura egipcia no es sino otra excusa para elaborar un objeto físicamente y estéticamente consistente con la oscuridad y toxicidad que envuelven al proyecto. Sin muchas palabras, consigue dotar de esa aura de extrañeza tan característica y necesaria para que el Hototogisu emprenda su canto. (S.S.)