Spykes – With the Casket Sinkers (Ultra Eczema, Ultra Eczema 26, 2006)

El nuevo disco de Spykes, uno de los más sórdidos proyectos de John Olson –Graveyards, Dead Machines, Wolf Eyes y un largo etcétera-, anuncia la adición de The Casket Sinkers. Ello no significa otra cosa más que, en este lp, Olson se alía nuevamente con su excompañero de batallas en Wolf Eyes, Aaron Dilloway.
La primera cara del álbum retrata perfectamente los agonizantes alaridos de viejos sintetizadores machacados por las impías garras de la dupla. Dicho lado del lp comienza con un caricaturesco correr de notas repicando en un lienzo psicodélico. Le siguen drones informes, frecuencias tan extremas que están próximas a lo inaudible y una inalcanzable carrera de tonos de lo alto a lo ridículamente enorme. Como podría esperarse, durante toda la jam no hay seguimiento melódico o rítmico alguno, sólo la lucha de oposiciones entre los filosos zumbidos y la ocasional caída del bajeo de un teclado, apenas reconocible entre la herrumbre.
La segunda cara está mucho menos invadida por la destructiva tensión de su claustrófibica, ineludible predecesora, y se entrega directamente a los tétricos silbidos de un viejo órgano, llevados hacia lúgubres parajes en lo que sería una perfecta banda sonora para alguna película del Santo. Detrás de la melodía viene la compulsiva carga de nubarrones de feedback a punto de reventar. Y persiste con su mecánico paso de tonos de gris, siempre a la misma distancia, amenazando, aunque sin atraverse a dejarse caer de lleno. No es sino hasta que el final se aproxima que la pulsante línea de un bajo saturado al más puro estilo Suicide se avalanza con todo su peso y da un corte al altisonante ataque.
‘Spykes with the Casket Sinkers’ es un disco que hará las delicias de aquellos más orientados hacia el lado socarrón, mordaz de estas dos leyendas del noise. Casi agotado poco después de su aparición, por azares del destino todavía pueden encontrarse algunas copias en Hanson. Si bien el precio es elevado, la manufactura del lp, un picture disc en blanco y negro, pesadísimo y lustroso, definitivamente le hará una reliquia en poco. Limitado a cuatrocientas copias. (S.S.)

Fe-mail - Blixter Toad (Asphodel Ltd., ASP2033, 2006)

Cuando parecía que se estaban quedando cortas, Fe-mail reaparecen con un nuevo cd doble (¡!) atiborrado de material nuevo y, además, ondeando un espectro sonoro muy crecido. En este disco, la meticulosa producción y organización del material permiten la inserción de una amplia variedad de estilos. Si bien 'Blixter Toad' es decididamente difícil, como podía esperarse, también es mucho más trabajado y menos entregado a lo predeciblemente volátil. De hecho, 'Blixter Toad' está muy cargado en el lado de las atmósferas; tanto 'Belonging', como 'Ballad' o 'After the Rain', tres de los temas centrales del disco, tienden claramente hacia los senderos intimistas y ensoñados.
Por supuesto, lo dicho no quiere decir que las chicas noruegas hayan convertido a su proyecto en una banda de drone; la áridez, lo seco y puntiagudo de algunas de sus previas entregas sigue estando presente en el disco. La hiperactividad deformante de 'Navrattan Korma', la violencia vocal de 'The Vertical Pit of Machines' o lo delirantemente juguetón de 'Interlude III' son claras muestras de que la experimentación y sus riesgos son un proceso recurrente en el quehacer de la dupla. Tras apenas haber dejado correr el primer disco de cabo a rabo es imposible dejar de sentir que se han atravesado mundos sonoros al completo y que el viaje apenas va a la mitad de su trayecto.
El segundo disco abre con las dulces notas de una kalimba en 'It Becomes Her'. Una atmósfera invadida por pequeñas vejaciones a circuitos y voces de fondo arrastra a destajo un creciente sentimiento de incomodidad y nerviosismo, mientras las inestables composiciones, en plena ascención, no dejan de mutar hasta escalar prácticamente un maníaco, enfermo caos que crece y crece como en una pesadilla. Este dantesco trayecto podría definir mejor a la segunda parte de este disco: cielo e infierno son parte del mismo circuito.
La inestabilidad morfológica, el enfermo desdén por el seguimiento y la cuadratura ofrecen un perfecto campo para explorar el trabajo de Fe-Mail, el cual está absolutamente ausente de recurrencias emocionales y se encuentra más claramente fincado en un intento por representar universos imposibles y crear nuevas posibilidades artísticas. 'Blixter Toad' es un disco portentoso, enorme, lleno de posibilidades y variaciones incontenibles. Tan sólo citar la variedad de instrumentos empleados en su realización llevaría algo de tiempo. Y ni que decir de la calidad de grabación que permite al dueto ir mucho más allá del mero "formato" del noise. A diferencia de la mayor parte de las bandas del momento actual, la evolución del dueto ha ido en el sentido no únicamente de su radicalidad, sino además en el de la producción de una gama sonora compleja y convincente y de la creación de medios para sustentarla.

GHQ – La poesia visiva. CDR Heavy Blossom.

Exploración acidísima del trío formado por Marcia Bassett (Double Leopards, Hototogisu, Zaimph), Pete Nolan (Magik Markers, Wooden Wand) y Steve Gunn. Los cuatro tracks que componen esta edición de Heavy Blossom son elaboraciones casi épicas que se dan la mano con la locura iniciática de Angus Maclise y la búsqueda espiritual que se halla en los mantras de Popol Vuh. Son cuatro jams opiáceos en donde una suave línea melódica producida por Bassett y Gunn con instrumentos acústicos (tambores a mano, guitarra y voz) navega por un drone incesante que sale de la guitarra psicodélica de Nolan.
El primer track es el más luminoso, lleno de matices y sonoridad, si bien, al final, la pieza sube de tono y se experimenta la tensión. El segundo irrumpe bajo la forma de un acid folk básico; es la sección más hippie del álbum, con un sonido similar a la parte clavada de Six Organs of Admittance. En el tercer track la presencia del drone es muy fuerte; los instrumentos encargados de las líneas melódicas bajan su volumen; los golpes invariables de tambor y el drone ejecutan un mantra ocasionalmente interrumpido por algunos brotes de la guitarra eléctrica y termina con corte abrupto. La última pieza es la más oscura e hipnótica, en la línea de los trabajos de Charalambides, Taurpis Tula y demás bandas relacionadas con Tom Carter. (Alberto Mercado)

Spectre Fone. “Newsday Long Island” for Nipsey Russell. CDR Chocolate Monk 145.

En esta nueva encarnación (Magik Markers, Virgin Eye Blood Brothers, Spectre Folk, Spectre Flux y un largo etcétera), Pete Nolan presenta una bizarra mezcla de distorsiones eléctricas extremas y ragas primitivos. El resultado es, por decir lo menos, sorprendente. Por momentos, es una extraña disección de algún fragmento clásico de la historia del rock a la luz del nuevo primitivismo noise; en otros, es la generación de un ambient claustrofóbico, lleno de mantras angustiantes que salen de la voz y la guitarra de Nolan.
“Fiona Apple (whoa to stunned shock***wetness uh)” el primer track, es una deformación sónica punzante, un taladro directo al cerebro. Le sigue “Winger (for guitar dreams and hair never dies)”, donde presenciamos una larga deconstrucción de riffs metaleros, en medio de un persistente raga. “George Clooney (sucks in forever spotlight)” y “Monthy Phan (mystery infinity sculpture creation)”, tercero y cuarto tracks, tienen un ritmo más lento; son complejos diálogos entre un loop sombrío, voces espectrales y la guitarra de Nolan, la cual parece haber enfermado con todo esto. (Alberto Mercado)

v/a - Rude Boxxx (Fag Tapes, FT055, 2006)

Finalmente, tras casi un dos meses de espera, Heath Moerland ha hecho llegar a sus destinos la Rude Boxxx, primera caja que la brutal Fag Tapes ha puesto a la venta, y, ¡qué más!: la espera sí que valió la pena. La caja se trata de uno de esos cubos que este cuate te enviará si pides cuatro o cinco cintas aunque en este caso está forrado de imágenes alusivas, pintura y algún sellito. Contiene seis cintas: cinco mencionadas en su update y una cuya identidad no se menciona.
Cómo podía esperarse, la 'Rude Boxxx' de Fag Tapes hará las delicias de los seguidores de Sick Llama. De hecho, uno de los contenidos más sobresalientes de este paquete es la reedición de la fabulosa FT001, el cassette que constituyó el debut de esta joven y radical disquera. Se trata de una cinta de sesenta minutos que vierte en una serie de temas algo de lo más granado del repertorio de la llama. Un lado maquinado en estudio, otro totalmente en vivo. Buenísimo, intenso y mucho más ordenado y estructurado de lo habitual, 'Thrown Down in a Well/Sentenced to be Quartered' es un excelente muestrario de introducción al trabajo de este radical y chambeador cuate.
El cassette que contiene material nuevo y exclusivo de Sick Llama, 'Raw World', es bastante logrado, con Heath organizando el material a partir de un cuerpo grave de ruido informe y ominoso y apenas dejando entrometerse los agudos chirridos de tonos altos alcanzando casi imparables niveles de saturación. El lado b es pura tensión al borde del estallido. Caóticos y lentos, los acoplamientos de pulsos electrónicos se enciman unos sobre otros hasta que parece que ya nada les detendrá y que los rugidos electrónicos se dejarán caer con todo.
Otra de las cintas está dedicada a un proyecto colaborativo de Moerland con Candice llamado WM. Este cassette, llamado 'Black Globe' es probablemente la nota más alta de esta colección de materiales extremos. En poco más de veinte minutos, WM presenta un deambular fluido a través de terrenos musicales difíciles; una composición sumamente oscura y reverberante.


La cinta dedicada a Barf Thoth es visceral y cruda. Una metralla de lento e insondable feedback denso y cáustico, donde un montón de entrecortadas palabras intentan alojarse con parcial éxito en la tormenta sonora. El sonido de este proyecto es enorme y siniestro y evita en toda medida cualquier tipo de catarsis. Ambos lados se componen de viñetas casi sin muestra alguna de evolución, intensas, vibrantes e inescapables.

Otra más de las cintas presenta al novel dueto Cygnus, quienes de acuerdo con Heath son 'dos tipos en un ático helado junto a un tiradero de basura el cual estaba más lleno de mierda de gato que de basura'. Su sonido es bastante cercano al del free-folk aunque por momentos se acerca tanto más al debraye noisero. La segunda pieza comienza con una guitarra invadida de wah acompañada por -algo así como- un teclado muy en el fondo y las ondas sinoidales de algún pedal de efectos manipulado al extremo. La tercera es una guerrita de contestaciones entre guitarras y efectos casi aleatorios; su subsecuente es una pieza con una guitarra acústica bruscamente amplificada, nuevamente atacada por sonidos de percusiones con objetos atípicos y más efectos, similar a algunas de las piezas más abstractas y experimentales de Charalambides o Six Organs of Admittance. Por momentos claramente efectivo, otros simplemente jodido, este es un grupo interesante que seguramente acabará por hacer algo que valga la pena en poco.
Finalmente, quizás no debería mencionar esto, la última cinta, el cassette 'sorpresa', se trata de la reedición de un trabajo de un personaje directamente vinculado con algunas de las bandas preferidas de la escena. Drones oscuros, electrónica venenosa, sonidos aleatorios, metales raspados o resbalando unos contra otros forjan los sonidos incluidos en esta cinta de veinte minutos: electrónica como un negro río a punto de desbordarse. Pero no le quiero arruinar la sorpresa a nadie así que... mejor búsquenla. Limitada a treinta copias, aún puede conseguirse en algunas distribuidoras como Eclipse y Volcanic Tongue (S.S.)

Cruel Face - I'm Looking for You (Callow God Sound, Callow God 31, 2006)

En la primera parte de 'I'm Looking for You', Cruel Face ofrece una descarga directa y feroz de ruido blanco combinado con vibrantes bajos arrítmicos y una voz prácticamente imposible de distinguir buscando entrar en el agobiante monolito de ruido. En dicha pieza, llamada 'Tighten the Reigns', la apertura es tan violenta que a cualquiera le preocuparía el estado de sus bocinas. Hardcorero, seco e imparable este track se cuela por cada uno de tus poros hasta que tu propia cabeza se ha llenado también de estática.
'Now That I'm Alone', su contracara, es mucho más siniestra aunque no tan furiosa. El comienzo de la pieza está repleto de drones metálicos, ácidos, guitarreros, los cuales, en su alternancia con el obliterante ruido y los imparables pulsos de los efectos, crean una atmósfera compleja y formada, por momentos más similar a Hototogisu que a lo que recién se había presentado del otro lado. Sin embargo, los tonos entrelazándose en la pieza pronto se ven absorbidos por el torrente de la creciente marea de estática. La máquina vence. Las caóticas secuencias vuelven a apoderarse de este universo en miniatura mientras pelean por definirse entre cacofonías y destiempos. Antes de terminar, el precioso feedback guitarrero vuelve a entrar pero sólo para manifestar su breve existencia y luego dejarse morir.
Este cassette de Cruel Face muestra una excelente conjugación de ambas facetas del espectro sonoro del ruido, aquella que está claramante devota al azar y aquella otra que forja, a partir de los usos atípicos de instrumentos convencionales, nuevos mundos aurales (S.S.).

Religious Knives (No Fun Records, 03, 2006)

La historia de Religious Knives es un verdadero misterio. De acuerdo con el grupo, su primera grabación, 'RK1', fue hecha en 2004 y editada por la disquera de Double Leopards, Heavy Conversation en 2005. De ahí en adelante, la agrupación, formada por Maya Miller y Mike Bernstein, ha tirado una serie de esporádicos cdrs y cintas para la misma y otras compañías: Heavy Tapes, Rampart y American Tapes. Y mientras parecía que el proyecto estaba condenado a la extinción, tras un gran lapso de silencio, en los últimos meses ha regresado con gran fuerza y su reputación ha crecido enormemente en el underground.
No Fun Records, disquera de Carlos Giffoni, organizador del festival No Fun en Brooklyn, ya había anunciado que el primer lp de la banda estaba por editarse. Aparentemente, en los últimos festivales se ofrecieron algunas copias de este último y, como ha sucedido tanto ultimamente, los discos tocaron las manos de algunos compradores directos antes de las de muchos de los distribuidores. Por ello mismo, y por los infundados rumores de que el lp estaba limitado a sólo cien copias y agotado, las primeras copias ofrecidas en ebay llegaron a venderse en cifras que superaban los 150 dólares antes de siquiera llegar a Fusetron. Obviamente, este disco será legendario en poco; y, no, no está limitado a cien, sino a trescientas copias y aún puede conseguirse en la distribuidora que acabo de mencionar.
Pues bien, para éste, su primer disco en formato de long play, Religious Knives se ven aumentados por Nate Nelson de los sensacionales Mouthus. Gracias a esta brillante adición en percusiones, el alucinante sonido de Religious Knives llega a un grado más álgido. En 'Bind Them', los teclados de Bernstein, pesados y lentos, sostienen infatigables drones monotónicos al tiempo que los de Miller juegan con escalas exóticas en un caleidoscopio enmarcado por la persistente percusión de Nelson. Un absoluto cielo krautrocker, rematado por la álgida electrónica noisera hacia el final. Qué decir, me dieron unas ganas insoportables de poner el 'Tago Mago' después de escuchar esta fascinante pieza.
'Electricity and Air', único rolón que compone el lado b, es aún más drogado, con sus infatigables ecos del 'Careful with that Axe Eugene' de Pink Floyd reverberando a través de cada una de las arrastradas, inentendibles palabras murmuradas por Miller. Cediendo el espacio a un rock pesado y ácido, Religious Knives prácticamente dejan de lado la visión que les identificaba en un principio, ésa de ser un proyecto más de noise droner, y van a por la absoluta metamorfosis y el nirvana. No sé si valga los más de 150 dólares que pagaron por él, pero en definitiva es un gran, gran disco. Ojalá e inviten nuevamente a Nelson. (S.S.)

Kuupuu - Kulka Sulka (producido por artista, s/n, 2006)

'Kulka Sulka' comienza con ''häppää' una pieza compuesta por una serie de sobreposiciones de fragmentos vocales en el más puro estilo de gente como Fursaxa, Inca Ore o Heather Leigh. La interpretación provoca la misma sensación de ensueño con su etérea, atemorizante belleza. Kuupuu, uno de los más enigmáticos proyectos de la escena finlandesa, sorprende por su capacidad para manipular elementos claramente ajenos unos a otros. Del ensueño de la primera pieza, Kuupuu se entrega de lleno a una brusca electrónica a base de loops y efectos -que incluso podría parecer noise por momentos- ('linnut') y que al acaecer se convierte en una contemplativa atmósfera cuidadosamente adornada por silbatos y el ocasional jugueteo de una voz forjando una letra, con la sensual, cálida tesitura femenina de Jonna Karanka. 'Jää maa' comienza sonando a free-folk puro, con cuerdas minimales trazando una inatrapable melodía. La adición de los arqueos de un cello (o algo que suena como dicho instrumento) provoca un distanciamiento tal, que no sería extraño confundir ésta con una austera grabación producida en tiempos muy remotos. Tras esta inquietante dosis de belleza rural, Karanka crea una amorfa, inacabada pieza que parece hecha a partir de sonidos de juegos de videos, redundantemente llamada 'Galagtica'. 'Mara' prosigue con los tonos narcoticos con su inacabable combinación de tóxicas dosis de delay y la inseparable conjugación de elementos musicales -voces, guitarras, teclados-, a estas alturas, casi imposibles de distinguir. 'Ilosunoma', así, sin transición alguna , retoma el sonido folk con tintes orientales y oscilaciones apesadumbradas, sosteniendo su difícil, inacabado esqueleto. 'Myrsky laulu'es una estremecedora canción adornada por los sonidos de la lluvia cayendo junto a la intérprete. 'Noita, justa juli ...' son una serie de trompetas peleando con el distante repicar de campanas y los fondos graves de una guitarra, que, con su calidez y una breve melodía, termina apoderándose de la pieza sólo para posteriormente ser deformada por efectos que pelean en tiempo real.
Imposible de definir, el sonido de Kuupuu parece ser una utópica síntesis del espíritu underground de esta época. Si bien su sonido no es tan logrado como el de Kemialliset Ystävät, ni tan voraz como el de Avarus, la entrega de Kuupuu es decididamente impulsiva, carente de cautela industrializante o protocolaria y llena de una frágil, súblime belleza.

Loopool - Stop the Revolution (Sycophanticide, Sycophanticide#006, 2005)
Loopool es una mortífera máquina de ataque armada y ejecutada a precisión. 'Stop the Revolution', cdr para Sycophanticide, posee elementos que podrían vincular su sonido con el dark ambient, el noise o el mismo industrial sin necesariamente ofrecer un aspecto fijo que le pueda definir a complitud. Empleando samplers y loops para resolver su propio rompecabezas de figuras mecánicas, Loopool coordina atmósferas de tintes cinematográficos y elusivas percusiones sintéticas con secuencias extraídas del azar de la electrónica y beats marcados, que incluso apuntan por momentos al EBM('Aftermath'). Por momentos, el disco se vuelve intensamente visual y agresivo; en 'Chipped' los coros de ovejas son vueltos loops que siguen al caos desatado en los taladreantes golpeteos amplificados. En algunos otros, la música adquiere una cualidad un tanto más experimental, como en el caso de 'Age of Apathy', pieza en la cual Loopool combina saturación extrema con oscilaciones agudas, samples disecados y el sonido de guitarras limpias refundiéndose en un abismo de cacofonía. 'Stop the Revolution' además incluye un listado de los tracks, el cual explica a detalle la motivación imaginativa, política o social que imspiró la creación de cada una de las piezas, permitiendo al escucha atisbar en la génesis creativa del álbum. Este cdr es un disco formado, complejo y completo que sirve para explorar a profundidad un puñado de distintas vertientes sonoras en una grabación muy trabajada, arreglada y editada. En caso de que esto no acabe de convencerlos, pueden descargar algo de su música aquí. (S.S.)

Birds of Delay - Floating Knives (Kovorox Sound, KOVO-008, 2006)

Podría decirse que Birds of Delay suenan como el lado más cruel y angustioso de Double Leopards -¿Marcia Bassett?. En 'Floating Knives', los birds demuestran los alcances de sus visiones de droga y éxtasis con gritos y afilados picos de guitarra volando entre las inacabables cadenas de gritos arrebatados de instrumentos violados. No les confiaría mi guitarra a estos ingleses.
Ruido salvaje, brusco y tribal, a la Hototogisu, con claras referencias a Skullflower y Sunroof!. LLeno de óxido y violencia implícita, drone, disonancia y fealdad. Excelente alucinación en tres partes.

Dead Comet Alive - Post Civilization Music (American Tapes, AM538, 2006)

Dead Comet Alive es uno de esos proyectos que esporádicamente se apoderan del catálogo de American Tapes para, inexplicablemente, volver a sumergirse en el más recóndito anonimato. Para 'Post Civilization Music Vol.1' la banda ofrece una descarga en siete tracks de noise mecánico y árido. El primero es un loop casi sin variaciones que va y regresa sobre sí mismo, una fría y seca presentación para un maratón de jams psicodélicos envueltos en atonalidad y gis. Hacia el final del segundo track, la sensación de estar parado en terreno firme se desvanece totalmente ante las corrientes sin dirección y los lúgubres drones de estática que se van retorciendo en inacabables túneles.
Cada uno de los tracks ofrece un tema en particular; en el sexto, un oscuro drone en teclados cubre el fondo del espectro que los quebrantos paneados de bruscos movimientos en el tiempo de reveberación de algún efecto producen y que buscan una salida en la inevitable catársis. El quinto track va de un lado más lúgubre y típìcamente industrial. El séptimo recuerda por momentos algo del material noventero de Boyd Rice con sus cascadas de estática y su casi declarado caos.
Los sonidos de este disco son de tonos altos, ríspidos y constantes. Deambulando entre el drone y el noise, Dead Comet Alive ofrecen una serie de visiones que van de lo vertiginoso a lo oscuro con un sonido físico, pesado, inescapable y muy logrado.

Niellerade Fallibilithorstar - Hålrum (SNSE, SNSE050, 2005)
Niellerade Fallibilithorstar es una banda sueca que desde 2001 se han dedicado a crear música a partir de una muy particular, impactante interpretación de la gama sonora de la música industriual. Firmados para este disco por SNSE, el dueto ofrece un trabajo bastante rotundo, cuidado desde la mismísima portada. La fotografía que le presenta, los stickers de cada cara del vinil -manchados de óxido-, el póster a dos tintas y, por supuesto, la compleja, enorme composición, mezcla de portentosa oscuridad industrial, atemorizantes caudales de drones y helados exabruptos noiseros transmiten una sensación de complitud y unidad rara en estos días.
De acuerdo con el track listing de Hålrum, éste se encuentra dividido en trece composiciones, cada una de las cuales viene marcada en la lista únicamente por una división en el tiempo total del disco. Y, a pesar de que debe concederse que cada uno de los fragmentos está bien caracterizado por una sustancia temática, Hålrum definitivamente convence más por ser un monolito. El vinil no posee surco divisorio alguno. La versión en cd incluso viene publicitada como un solo track sin cortes. Por ello mismo es aún más impactante descubrir que Halrum se trata de la compilación de varios fragmentos de grabaciones que Niellerade Fallibilisthorstar han venido realizando desde 2001.
Hålrum sirve de carta de presentación idónea. Niellerade Fallibilisthorstar no es una agrupación que se quede en lo sencillo. Tras la desbordante omnipresencia de golpes sobre metal, el agudo chirrido de tuercas apretándose y soltándose y los rebotes de los sonidos de una guitarra intoxicada de delay y distorsión, hay un refinado marco estableciéndose, ofreciendo tonalidades lentas en tambores, en distantes teclados etéreos o en la misma retroalimentación volviéndose, momentaneamente, suave como un velo. Fuerte, complejo, atmorizante y seductor, 'Hålrum' es uno de los más grandes discos que se han producido en esta década.

The Graveyards - Vulture´s Banquet (Edition Brokenreasearch, br006, 2006)

Así, de un sólo golpe, 'The Graveyards', la banda de Hans Buetow, Ben Hall y John Olson, crean uno de los discos más poderosos y fascinantes de este año. Dejando un tanto de lado las atmósferas y los ruidos de fondo, 'Vulture´s Banquet' explora, en un ambiente acústico idóneo, los sonidos más complejos y explosivos que hayan podido conjurar.
Para empezar, prácticamente todo lo presente en este 12" es de manufactura acústica, abandonando un poco la racha de versatilidad, con las ocasionales inserciones de material ruidoso de trabajos recientes del trío. Luego está el brutal, impactante ataque de Olson, ofreciendo una de sus más logradas cargas en tiempos recientes, jugando con los también fascinantes arqueos de Buetow, haciendo a su cello rugir como si fuese lo mismo un aliento.
Y mientras las batallas entre ambos músicos se desarrollan claramente en el centro, en el foco de todo, Ben Hall se queda en el fondo, brindando su versátil trabajo a la banda, arqueando cimbales, golpeando diminutos objetos metálicos o llanamente volcando el mundo sobre su batería. Apenas trece minutos de jam, suficientes para hacer que el universo se derrita y que las visiones se forjen.
Y por si todo esto fuera poco, hay que mencionar que la edición de este lp es espectacular. Una funda ordinaria, degradada con navajas y cubierta por un pliego de papel japonés, entintado con óxido y formando una imagen distinta en cada uno de los lps adorna el complejo, irrepetible e irremplazable empaque. Algo así como un 'Drunk With the Old Man of the Mountains' de 2006. Excesivamente bueno.

Nurse With Wound - Sand Tangled Women (Klanggalerie, gg99, 2005/2006)

Nurse With Wound regresa a la carga con este 7", lleno de los misteriosos y sutiles trucos sonoros de la genial dupla de Colin Potter y Steven Stapleton. Este nuevo material contiene la tercera parte de la serie 'Echo Poeme'. El tema, en este caso llamado Sand Tangled Women y dividido en 'Mona Twisted/Twisted Mona', se trata, precisamente, de la voz de una mujer hablando francés disecada y deformada, atrapada en un incesante loop y acompañada por patrones instrumentales circulares. Sonidos de cristales percutidos, tonos llevados a extremos de saturación, cascadas de ondas sinoidales y sus curvas llendo y regresando en lentas y abiertas espirales conforman la música sensual, atemorizante e hipnótica de Nurse with Wound en esta encarnación. Un disco perfecto para aquellos que prefieren el lado droner y oscuro de la enfermera, suficientemente extendido para alucinar por un buen rato.
Limitado a quinientas copias y disponible prácticamente en todas las distribuidoras que valgan la pena, 'Sand Tangled Women' es un buen disco que se quedó corto en lo material; la calidad de la portada (vuelta a hacer tras las quejas de los clientes que obtuvieron las primeras copias) adolece bastante, y ni que decir del vinil de pésima calidad. Ojalá Klang regrese a sus altos estándares de calidad con sus próximas entregas.

Wigwam - Maritime Disaster (X Died Enroute Y Records, XDEY84, 2006)

Wigwam es el nombre de este fantástico proyecto que incluye a Miles de Evenings y Taliban. Para este 3" cdr, el proyecto ofrece una vibrante, abstracta jam de diecisiete minutos. Los sonidos de espacio, sax, electrónica, percusiones y ruido incidental convergen en un complejo rompecabezas de evoluciones inesperadas. Grabado en vivo, este disquillo ofrece detalles precisos sobre silencios amplios, explorados pacientemente, forjando una atmósfera oscura, soñada, súbitamente atrofiada por la electrónica y el sax que se vuelcan sobre ellos mismos. Las percusiones van y vienen hasta que al final, todo se perfila hacia un estruendo, a la catársis. Diecisiete minutos son suficientes.
'Maritime Disaster' es una gran, misteriosa entrega por parte de un proyecto de artistas que va de lo abrasivo a lo dulce en un cerrar de ojos y que prometen ofrecer más de su música explosiva, notoria en poco.

Black Quarter - Sodomy (Heavy Tapes, s/n, 2006)

Black Quarter es el proyecto solista de Maya Miller, la única integrante de Double Leopards que, de hecho, ha estudiado música. Esto no quiere decir que 'Sodomy' se trate de un disco que abandone las austeras cualidades de las Heavy Tapes para enfocarse directamente en aspectos más llanamente musicales, la edición... bueno, no hay edición, no hay fade-outs, no hay ecualización, no hay reducción de ruido y los errores entran como parte del esquema total de este escueto e interesante trabajo.
Casi todo el trabajo en este cassette se encuentra compuesto por dos partes más significativas, un teclado de evoluciones lentas y la voz de Miller que revolotea a lo largo de toda la composición. 'Sodomy' se trata de una masa de drones compuestos por bellos sonidos, a veces dramáticos, otras oscuros y puntiagudos, otras simplemente preciosos. Hasta este momentos, es la primera Heavy Tape (quizás, hasta cierto punto, junto a las de Jessica Rylan y Neil Campbell) que muestra un esquema complejo que supera al formato.
Otro aliciente es que si se busca desentrañar el enorme enigma de qué es lo que sucede en la bestialidad que es Double Leopards, éste es un buen punto para comenzar. 'Sodomy' es una excelente entrega que parte de la misma mente que ha creado los sonidos más elocuentes de la banda y (ya ni mencionar) las fascinantes ilustraciones que adornan las más de las Heavy Tapes. Ojalá y aparezca más material suyo pronto.

Clon - Sudden Ionospheric Disturbances (Gameboy Records, s/n, 2006)
Abiertamente más hóstil que otros de sus proyectos, Clon, alias de Jorge Castro (Cornucopia), basa sus sonidos en la misma temática droner, llena de movimiento y túneles sonoros, aunque recurriendo más constantemente a una gama aural más cercana al noise. En 'Sudden Ionospheric Disturbances', Castro ofrece un álbum en dos piezas que forja sus sonidos precisamente a partir de la representación de abruptas disrrupciones ionoesféricas; es decir, cambios físicos inesperados en la atmósfera provocando disrrupciones, asimismo, en el espectro sonoro de las frecuencias altas.
La primera, 'Tropsphere', toma su nombre de la capa de la atmósfera más cercana a la tierra, víctima perpetua de la mayor parte de los fenómenos climáticos. Esta pieza establece una representación casi paisajista de la violencia y densidad que vive dicha capa de la atmósfera. El vapor desintegrándose en la tropósfera se asemeja a las notas musicales que se pierden en el limbo sonoro de 'Tropsphere', intensa, pesada e ineludible.
En una óptica similar, la segunda pieza de este cdr, 'Ionosphere' alude nuevamente a una región atmosférica, en este caso, una invadida por electrones en colisión, la ionósfera. Esta región, además de ser hogar de las auroras boreales, provoca, como ya se mencionó, la diseminación de las ondas de radio de alta frecuencia. Nuevamente, Castro vuelve a poner las imágenes y los procesos físicos en sonido, con misteriosos y lentos movimientos de drones atonales colapsando dentro de sí mismos y con los vuelcos constantes de la estática forjándose y disolviéndose lentamente en el espacio.
'Sudden Ionospheric Disturbances' posee tantos elementos de dark ambient como cualidades representativas para poder escapar el seguimiento forzoso del concepto, conservando el interés. En cualquier caso, el contexto decididamente provoca una experiencia diferente. Tomando en cuenta cuan difícil es encontrar trabajos que superen lo meramente anecdótico hoy en día en la escena, es bueno tener referentes a los cuales poder aferrarse por momentos.

This Heat (ReR Megacorp, this is 1, 2006)

Apenas hace un par de días recibí un mensaje de ReR que decía que la caja que recopila todas las grabaciones de This Heat, proyectada para estas fechas, aún está en sus fases finales. La caja ahora está por ser enviada a sus destinos a finales de abril, fecha tentativa... así es esto. Pero no todo es malas noticias. Apenas unos días después de haber aflojado el cuantioso varo, recibí la anticipada re-edición del primer disco de la banda, conocido como 'Blue & Yellow' que, como toda la discografía de This Heat, se encontraba limitado a importados japoneses o a viejas versiones descontinuadas a precios infladísimos en ebay. Dice la leyenda que éste es uno de los grandes de esta agrupación, tanto así como 'Repeat' o 'Deceit'.
Apenas lo pongo y me doy cuenta que me cuesta mucho trabajo pensar en otro disco que inicie de una manera tan impactante como éste. This Heat se tragaron, con 'Horizontal Hold', por lo menos cinco años de violentos cambios y revolución. Con sus percusiones cual maquinaria, su recorte cerrado y explosivo de tiempos, su erosionada y decadente guitarra, y ni que decir del anómalo uso de elementos musicales de tradiciones y vertientes indefinidas, tan sólo esta pieza tiene suficientes cualidades para desmoronar los límites entre cualquier tipo de pretensión protopunketa o progre y producir algo seriamente novedoso, amorfo, arriesgado.
'Not Waving', haciendo referencia al mordaz poema de Stevie Smith, cuenta con voz carcomida una historia que se entrelaza con el aletargado relato del propio sax desenvolviéndose en el fondo, abriendo aún otro sendero más a la banda. Y de este camino, tan sólo tras unos cuantos instantes, se desentiende el trío con una absorbente tormenta de golpes sobre tambores llamada 'Water', preludio a su vez de la central 'Twilight Furniture'. Ésta anticipa los bizarros cantos de los Virgin Prunes y la persistencia de los ritmos minimales del post-punk en una canción cerrada, misteriosa y perfecta que integra incluso elementos de cool jazz hacia el final.
La segunda parte del disco, 'Yellow', comienza con la famosa y recurrente '24-Track Loop', pieza que evidencía el aún joven implemento de sintetizadores y procesadores en un contexto de música 'popular'. La pieza posee un ritmo persistente, contagioso e incluso juvenil, como el de las primeras extregas de 23 Skiddoo o de los muy, muy iniciales Cabaret Voltaire, claro, coincidiendo sobre todo en la enorme carga de oscuridad industrial que sólo un puñado de británicos, como éstos, podían ofrecer.
'Diet of Worms' vuelve a la oscura experimentación, casi noisera y minimalmente atrofiada, de belleza ácida, ofreciendo la antesala idónea a la misteriosa 'Music Like Escaping Gas', llena de murmullos, melodías dispersas al borde del colapso y drones de teclas pesadas y las voces de los cimbales que repican e intentan seguir los samplers de las cintas en el fondo. Todo este esquema es brutalmente fracturado por la violenta carga de 'Rainforest' con su estruendo de tambores, perdiéndose entre el tiempo pesado, ritual de 'The Fall of Saigon', precediendo sin problemas las presentes aventuras de Davenport y Wooden Wand & the Vanishing Voice.
Qué más decir, es un disco que no ofrece absolutamente ni un instante de descanso y cuya dinámica y alcance está totalmente fuera de proporción. Sencillamente, cada una de las piezas de este álbum parece formar parte de un género propio y diferente en una inacabable búsqueda entre los ciclos sonoros. Absolutamente sorprendente y fascinante, este disco, rescatado del limitadísimo cassette y claramente grabado con muchas restricciones, es inspirador, mostrando cómo lo que decía Hassan Ibn Saban era cierto, 'la única marca verdadera es la marca interior'.

Scissor Shock – Calcium Is Dead (Blackk Wainboww. BLK02, 2005)
Scissor Shock son sin duda una de las bandas más demenciales de nuestros tiempos. Nada de lo que hacen, en absoluto, ofrece la más mínima concesión. En este ‘Calcium Is Dead’ ponen, literalmente, a correr una serie de grabaciones instrumentales a alta –demasiado alta- velocidad al tiempo que intercalan cortos sonidos aleatorios, gritos y voces infantiles en una frenética carrera en círculos. El equivalente sonoro al ácido, este es un cdr torcido, de espíritu bromista, divertido, parecido en algunos momentos al de algunas de las rolas más socarronas de …and the Native Hipsters.
Algo es claro de este cdr, estos seis minutos no te van hacer sentir mejor, ni a ponerte a pensar, pero vaya que van a ser el sountrack perfecto para tus más reprimidas y delirantemente oscuras memorias infantiles. La edición es totalmente grandiosa. La banda entrega este 3”cdr en réplicas a miniatura de folders color manila, cada uno ilustrado por niños con crayones y plumones. Una bizarra joyita.

The Pope – I Fucking Hate Those Right Wing Bastards (Blackk Wainbow, BLK03, 2005)
‘I Fucking Hate Those Right Wing Bastards’ de The Pope es un disco de rock hecho y derecho, prendido y cargado de adrenalina. Ocho canciones fuertes, llenas de fluidez y energía pasan fugaces y devastadoras a través de los dieciseis minutos que dura el cdr. En tan reducido tiempo, la banda tiene para reunir elementos de muchos de los subgéneros del amplio espectro actual de la música rock.
Por momentos, The Pope retoma la ponchadez de At the Drive In –‘Nice Drumming Einstein’-, mientras que en otros absorbe la mala leche de Melvins con mayor velocidad y un poco menos de pesadez –‘Feathered Horse’. En algunos casos, incluso, la banda agrega a su complejo rompecabezas de tiempos complejos ligeros toques de música experimental, con sus breves y cerradas secuencias el inicio del disco.
La banda va del punk directo y crudo a instancias de furia casi hardcore y momentos de desintegración proto-industrial con cohesión. The Pope son buenos músicos con visión y un buen entendimiento de los alcances de su propio trabajo.

Ultra Milkmaids & Cornucopia – Basement (Authorized Version, AV007, 2002)
Una enorme colaboración de seis tracks a cargo las bandas Ultra Milkmaids y Cornucopia, ‘Basement’ es una cuidadosa exploración sonora de las profundidades de los abismos post-industriales. Aquí, como en ‘C Works’, los sonidos que invocan ambas bandas en su unión son nuevamente provocados, en su mayoría, por la cuidadosa manipulación digital de atmósferas, drones aletargados, amplios, inexplicablemente suaves y ríspidos a discreción. Incluso por momentos, el poderoso conjunto puede sorprendernos abanicando cuidadosamente tintes de cuerdas y teclas, todo en aras de poner en marcha su perfecta descripción sonora del mundo.
Las invocaciones de ciudades imaginarias llenas de maquinas vibrantes y de quebrantos de metales en convulsión conecta emociones y reacciones inesperadas. Entre las ruinas del mundo, surge una profundísima, sobrecogedora nostalgia por lo humano y la aparentemente extinta música emerge entre el férreo mar de polución –track 3. Pero esa aparente belleza no es más que otro espejismo, parecen querer musitar los cada vez más permanentes ataques de electrónica monótona, chirriante, oscilante.
En otros momentos –como en el cuarto track-, la atmósfera cargada de electricidad, henchida de poderosas vibraciones de cuerdas deformadas, pelea hasta la misma descomposición con los punzantes zumbidos del sube-y-baja noisero. El silencio es impensable.
‘Basement’ es una poderosa colaboración que deja ver la incesante búsqueda de estas dos agrupaciones a por elementos sonoros que produzcan conjugaciones nuevas a través de la ruptura y la regeneración. Sonidos orgánicos, apabullantes que llevan al inconsciente al fondo de sí mismo a rastras, pero con una imborrable sonrisa.

Cornucopia - C Works (Sonora, RA000)

Tras escuchar ‘C Works’ de Cornucopia, me queda claro que, en cuanto a creación artística, la geografía sí importa. Cornucopia, de Puerto Rico, no hacen música que se parezca a la que sus propios colaboradores y contemporáneos, y afortunadamente. Escuchar ‘C’, pieza de 37 minutos contenida en el primer disco de este set doble, me hizo pensar mucho más en los productos alquímicos de los escultores de sonidos de los ochentas/noventas -en trabajos como ‘Kill the King’ de The Hafler Trio o ‘Birds’ Wings Were Glued to their Bodies and Their Feet Froze to the Ground’ de Organum- que en los más terrenales trabajos que abarrotan la escena mundial.
A pesar de las referencias, me cuesta trabajo decir que un trabajo tan elaborado como este sea meramente ruido (¡Quién lo iba a decir!). No, no se trata de Cornucopia luchando contra el azar para lograr crear una resultante regular. La cuidadosa organización de esta pieza inicial supera con creces ese estadio. ‘C’ es música en todo sentido: avantgarde, abstracta, atonal, pero música al fin y al cabo, y del más alto orden, resistiendo con ímpetus enormes todo dejo de melodía y formalismo y yendo de lleno hacia la experimentación.
Raptando elementos sonoros, forzándolos a salir de sus propios contextos, el dueto de Claudio Che y Jorge Castro extraña la naturaleza de decenas de minúsculos elementos musicales, conversacionales o –llanamente- audibles y la manipula en una serie de ensanchamientos, deformaciones, mutilaciones y ensimismamientos en una hirviente caldera sonora. El sentido de la mayor parte de los sonidos se entiende como dedicada manipulación a través de una infinita gama de efectos y procesos. Las intenciones son variadas, a veces evocativas, como en el caso de la recurrencia de sonidos acuáticos, otras musicales, como el flautín que compone aquel mortecino fraseo en los últimos minutos de la grabación.
De manera dantesca, ‘C’ establece un túnel de sonidos que va desde instancias llenas de ensoñación mientras emerge hacia convulsiones y laberintos de palabras y sonidos sin dirección, enmarcadas por una infernal serie de abrasivos loops modificados en tiempo real. ‘C’ es a su vez un trabajo enorme, aterrorizante y claustrofóbico, así como de una calidad pocas veces vista. No hay mucho más que decir; sin duda, en algún tiempo será referencia obligada.
El segundo disco del set comprende los correspondientes remixes de 'C', realizados por algunos de los muchos aliados del dueto. Los nombres son poco menos que impactantes: Lasse Marhaug, Black Sand Desert, Ultra Milkmaids, Francisco López y otras tantas bandas y proyectos de todos los extremos del orbe.
Si el remix permite al manipulador exhaltar las cualidades que le parecen más apremiantes de dado trabajo musical, es en este caso sorprendente como las cualidades extraídas de cada pieza son tan radicalmente diversas. Los sonidos chillantes y abrasivos del remix de Omei, por ejemplo, son sumamente diferentes a las texturas ambientales de Needle & Sony Mao, y ni qué decir del tratamiento coiliano que 'C', aquí rebautizado como 'The Bride' Glass Domain', recibe a manos de Kim Cascone, quien, de buenas a primeras, le convierte en algo parecido a un track inédito del primer 'Musick to Play in the Dark'.
Es un orgullo que una banda como ésta pertenezca a la comunidad latina. 'C Works' es un disco enorme y esencial.

Este video sí que vale la pena verlo.

Moth Drakula - Blackened (Swampland Noise, SWL042, 2005/2006)

La historia de 'Blackened' se remonta al año pasado; de acuerdo con los planes de Swampland Noise, la preventa del disco cerraría el quince de septiembre y no se producirían más discos que los que se hubieran pagado a la fecha. Sin embargo, hace unos cuantos días, distribuidoras como Hanson, Eclipse y Fusetron comenzaron a ofrecer copias y, en el más reciente update de Swampland, se dejaba en claro que la experiencia había sido un parcial fiasco para banda y disquera ¿Problemas en la producción?, ¿en la edición de temas?, ¿en las ventas totales? Las posibilidades son muchas para un proyecto de esta envergadura. Y es que 'Blackened' es sin duda ambicioso: un lp doble con material suficiente para rebasar con creces la gama sonora que Moth Drakula acostumbra conjurar en los frugales asaltos de la mayoría de sus cintas, confinadas a los diez minutos.
Sin embargo, en cuestión sonora la banda no sale nada mal librada. La variedad que se presenta en este álbum es muy interesante, ruido que atraviesa por un filtro de etapas -del drone, al metal-noise, a la psicodelia-, 'Blackened' es un enorme túnel de densidades variables que parece por momentos inagotable. El ataque en cada uno de los casos deja ver, sin duda, una banda cargada de energía y totalmente desinteresada en la inmanencia. El eje caústico y ríspido de 'Blackened' es el ruido herrumbroso de los aparatos análogos, y su resultante, un producto sonoro lleno de tensión y crudeza.

Religious Knives - RK3 (Heavy Tapes, s/n, 2006)

Hasta éste, 'RK3', los discos de Religious Knives habían sido crudos manifiestos de abrasión, producidos a base de las habituales distorsiones y efectos herméticos e invencibles. Con 'RK3', Religious Knives parecen haber roto esta tradición para bien, haciendo un disco que no sólo despacha los lugares comunes, sino que además ofrece alternativas a partir de la propia instrumentación, compuesta por una amplia gama de recursos acústicos, drones vocales, percusiones, teclados y otros pequeños juguetes imposibles de identificar.
Dividido en cuatro partes, este cassette doble es una labor de introspección y profundización. El ritmo decadente y pesado más o menos establecido en el primer lado de la cinta se ve totalmente olvidado al llegar a su contracara, una cuidadosa, impactante sesión de drones y atmósferas producidas por las voces de Bernstein y Miller, apenas manipuladas por algunos efectillos. Por su parte, la segunda cinta parece referir más a las bandas de teclados oscuras de finales de los ochentas como Cindytalk, Cocteau Twins o incluso The Cure circa 'Disintegration' que a cualquier otro ejemplo de proyecto de noise o drone, con los Knives sosteniendo dinámicas lentas, abiertas y, sobre todo, repletas de musicalidad. Esta segunda cinta ofrece una pieza larga dividida en dos partes de diez minutos. La segunda parte abandona a buen grado las ensoñadas melodías de la primera parte y se vuelca, hacia el final, a crear una atmósfera estática y misteriosa en distorsión controlada.
Esta nueva vertiente para los Religious Knives es, sin más, sorprendente. Si así es como el dueto habrá de seguir trabajando, realmente han dado un giro inesperado, proponiendo elementos y composiciones que no son de uso común para las más de las bandas la escena actual. De manera relativamente similar a lo que Taurpis Tula han venido haciendo con sus últimas grabaciones, Religious Knives han logrado imponer una evolución insospechada a sus propias creaciones y han roto, afortunadamente, sus mismas limitantes.

Gengivas Negras - Possuindo o Casiotone (Container Inc., Cont002, 2001)

Gengivas Negras son un enigmático dueto brasileiro que ya viene trabajando desde 1997, ofreciendo su música para la sensacional netlabel Container Inc-parada obligada. Las mayores virtudes que este proyecto tiene son una capacidad para asombrar y una contagiosa noción de ritmo. A la manera de las primeras bandas que migraban de los sórdidos parajes protoindustriales, estos cuates tienen la capacidad de recurrir del mismo modo, y a partes iguales, a violencia e ingenio para producir música notoria, electrizante, llena de referentes -el fantástico sample tomado de '2001', las ocasionales percusiones a la Test Dept., los teclados tecnosos. En suma, esta banda retoma el oscuro, decadente testamento de las bandas proto-houseras pre-noventas y lo actualiza gracias a un convincente, novedoso empleo de elementos noiseros y ambientales, ya ni que decir decir de la correcta, tanto más adecuada, instrumentación. Un disco hecho con huevos, si no me creen, escuchen el track 'Michelle-Chapman Remix'. Este disco se puede descargar aquí.

Black Jesus & the Happy Sunbeams - Magik Artifakts

Black Jesus & the Happy Sunbeams son una misteriosa agrupación que ha editado, hasta donde tengo entendido, un solo disco, 'Magik Artifakts', en dos compañías diferentes, X Died Enroute Y y Blackk Wainbow. El tiraje de ambas ediciones no rebasa las cincuenta copias en total y, en poco, será una más de esas fantásticas rarezas a extrañarse.
Se trata de un 3" cdr sumamente bizarro y alucinante, lleno de psicodelia y colores. La primera pieza, 'Calavera del Sol', es una delirante sujeción en el tiempo, con apenas una mínima serie de variaciones en las percusiones y la ocasional aparición de algún instrumento de viento. En ésta, tras concretar una suerte de ciclo minimal, aparece una voz de la nada y comienza a musitar una fragmentaria y casi indistingible serie de oraciones que terminan con las palabras 'calavera del sol' forjando una inesperada última parte de este ciclo.
La siguiente pieza, llamada 'Whyte Magik', se establece a partir del mismo principio de repetición aunque, en esta ocasión los vertiginosos ciclos se cierran en su propio eje de brillo acústico para correr a la velocidad de las palabras del cantante. La pieza cierra con un delicioso fraseo a la Blithe Sons con una portentosa aura de buena vibra. Sin embargo, la oposición no tarda en llegar gracias a la final 'Blackk Magik', que hace lo propio con su pesado andar de marcha, llena de ebriedad y delirio. Un alucinante disquillo que guarda grandes secretos.

The Graveyards - Pest Journal (Sloow Tapes, Sloow Tapes Gennaio, 2006)

'Pest Journal' es un cassette que contiene otra más de la reciente multitud de improvisaciones de The graveyards, dando continuidad a la prolífica racha del trío. La primera parte de la cinta contiene un trabajo mucho más espacial de lo que pudiera esperarse, con respuestas muy abiertas entre contrabajo, sax y cimbales arqueados, forjando las fluctuantes cadenas de inacabables contestaciones con apenas ligeras variaciones de tono y volúmen. Conforme la pieza corre, el tiempo va cerrándose entre los intercambios de los instrumentos que, sin embargo, siguen siendo tan abstractos y arrítmicos como en un principio. Tras una serie de intermitentes apagones, la música comienza a tomar un poco más de consistencia, y, hacia el final de la cara A, pueden incluso distinguirse ritmos y secuencias materializándose.
La cara B de 'Pest Journal', sin embargo, no persiste en estas intenciones, ofreciendo una improvisación mas 'tranquila', un tanto más tópica y contrastante con respecto al usual arsenal que la banda emplea. De hecho, Olson, al sax, recurre constantemente al uso de temas, cuyas alternancias y fraseos se vuelven, insospechadamente, el foco de esta parte de la cinta. Hall y Buetow le siguen con persistencia casi visual, dejando la dinamita guardada para la siguiente entrega del también grandioso y prolífico Death Knell.
'Pest Journal' sobresale por su mesura y por su abierta ruptura con los tiempos convencionales, ofreciendo material de tonos cálidos y temple. Ni que decir del trabajo de edición de la sublime Sloow Tapes en una fantasmal y casi agotada edición de noventa copias numeradas.

Roman Torment - Bewilderment (Callow God Sound/Swampland Noise, Callow God 18/Swampland Noise 35, 2006)

Roman Torment regresan a la carga con este bestial 'Bewilderment', un cassette que en diez minutos se cuela en cada poro y que cubre cada signo vital con su manto de tóxica oscuridad. Inescapable, frenético, en expansión, el primer lado de esta cinta parece querer remitirnos a un hipnótico fuego. Su segunda cara es aún más violenta y pasmosa, con una amplitud cada vez más abarcante, ahogando en un santiamén a las voces sampleadas que osaron ponerse en su camino. Ruido tan violento y cerrado como puede llegar a hacerse.

Pedestrian Deposit - Morose (Callow God Sound, Callow God 12, 2006)

Pedestrian Deposit es uno de los pocos proyectos de noise que parecen lograr insertar de manera efectiva elementos musicales en una construcción ruidosa sin suavizar el total de su oferta. En su más reciente producción, 'Morose', Pedestrian Deposit logran formular un set de dos composiciones, literalmente. La primera, 'Impartial', por momentos parenta ser una entrega más de industrial oscuro con sonidos de máquinas perforando y llenando el espacio. Por lo menos eso es lo que parece hasta que el ataque ruidoso golpea con sus patrones circulares y absorbe tiempo y espacio en un instante, Tras habernos internado en la densa jungla del ruido, Pedestrian Deposit vuelve a sacarnos de balance, concretando una parada en seco a las intensas nubes de ruido y formulando una densa cortina de drones cayendo al tiempo que una secuencia melódica emerge. Hacia el final de la pieza, queda la impresión de que la musicalidad de 'Impartial' sonaba incluso progresiva.
Para 'Never Let You Go', Pedestrian Deposit vuelve a ofrecer evidencia de cómo sus creaciones rebasan el estadio de lo meramente llamado noise. En esta pieza hay nuevamente una abierta catársis noisera. Sin embargo, el empleo de loops en la generación de monolíticos drones y la persistencia en las instancias oscuras y pesadas hacen que la creación tenga una dimensionalidad mucho más amplia y lograda.

Taurpis Tula & Spykes (American Tapes, AM519, 2006)

Taurpis Tula en su discografía, la cual suma ya cinco títulos, han demostrado ser una de las bandas con una trayectoria menos lineal en el underground actual. En este, su más reciente trabajo, un split con Spykes, el ahora trío vuelve a cambiar de piel, esta vez ajustando su sonido para permitir la inclusión del prolífico Alex Neilson (Jandek, Directing Hand, Richard Youngs) en batería y percusiones. Sus incursiones son de hecho sustanciales, otorgando una nueva dimensionalidad al sonido de la banda permitiendo que la toxicidad que conjuran llegue aún más al fondo. Queda claro que la improvisación de la banda es aquí aún más volátil y siniestra que nunca, con un fuerte énfasis en los sonidos densos e inestables de guitarras que por momentos parecen querer establecer riffs y otras veces simplemente dejarse llevar por la mareadel feedback. En el fondo, la voz y la lap-steel de Heather Leigh viene y va así como los ocasionales arqueos efectuados sobre torturados cimbales, entrelazándose hacia la atmósfera con la furiosa y ácida percusión. Taurpis Tula cada vez se pulen más como herramientas idóneas para representar el caos y el azar.
Por su parte, Spykes ofrece improvisaciones una trinchera totalmente diferente. Para empezar, la mayor parte de 'Morden Towerings' está grabado en monoaural, de manera que escucharle es como estar frente a dos discos totalmente diferentes que se prenden y apagan intermitentemente. La primera parte es un ejercicio de respiración a la manera del 'A Missing Sense' de Nurse With Wound, presentando por un lado espasmódicos golpes de espamódicas proporciones y por el otro silencios largos y angustiantes e incluso una serie de breves atmósferas en teclados. Obviamente perturbador, este track inicial es de esos que te hacen volver la mirada para asegurarte de que lo que escuchaste fue parte del contenido de la grabación. La segunda es un tanto menos inquietante, aunque igualmente experimental. Se trata de una oscura secuencia de lentos movimientos atmosféricos encuadrando una radical serie de manipulaciones acústicas en efectos y de las características percusiones en convulsión de John Olson. Una pieza tan lúgubre y potente que por momentos remite incluso a 'Armenia' de Einstürzende Neubauten. La secuencia final, un percusivo bajeo profundo y sensual introduciendo un brutal, poderoso cierre es simplemente genial.
La tercera es una pieza muy evolucionada, repleta de ritmos inconstantes cerrándose y una cierta cadencia en los elementos musicales -¿es eso muy en el fondo una guitarra?-. Música llena de espacios e invadida por la cruenta distorsión. Incluso por momentos pueden escucharse melódicas voces cortando las punzantes descargas de electrónica explosiva. En esta pieza Olson vuelve a hacer uso del truco de los dos canales separados y el efecto es nuevamente formidable, una suerte de blues industrial a la Swans, persistente y lejano. La cuarta pieza agrega un elemento más atmosférico al total del cd, apenas levantado el vuelo por momentos para volver a dejar caer sobre el profundo abismo su monótona, pesada carga.
Este trabajo, en el propio catálogo de Olson, es una anomalía. Ofreciendo una construcción basada casi exclusivamente en elementos acústicos, el fundador de American Tapes parece estar redimensionando tangencialmente su producción. Es ridículo pensar que John Olson, un cuate que debe de grabar al menos un par de discos a la semana, pueda aún, tras todo este exceso, seguir sorprendiendo a cada nueva entrega. Y así es.

Tovah Olson - The Unmentionables (American Tapes, AM516, 2006)

Tovah Olson habita en un mundo único, en el cual la magia psicodélica de los cantares folk se adhieren perfectamente a la hiel de la experimentación ruidosa. El último en su más reciente serie de trabajos, 'The Unmentionables', acarrea ligeros remanentes de ambos mundos, aunque, sin duda, se centra sobre todo en el segundo. Este cdr exhibe representaciones oscuras de paisajes cubiertos por infatigables drones y una indescriptible masa de pequeños segmentos acústicos que se pierden y revolotean en anarquía. La ocasional aparición de un teclado buscando un eje más claro se diuelve ante la presencia de los efectos y los espacios dejados al descubierto por la reberveración. Hacia el tercer track, el tiempo se ha deshumanizado totalmente, ofreciendo los sonidos lentos, orbitales de cuerpos celestes siguiendo su eterno cauce en las lejanías del éter. Vibraciones pesadas que golpen las entrañas como puños y que trizan los nervios se abren paso mientras la famosa J'Tar de los Olson resuena y se dja caer pesada tiempo tras tiempo sobre el estertoreo paso de los titanes electrónicos que se desvanecen.

The Graveyards - Mondrian, but with Razor Blades (Editions Brokenresearch, s/n, 2006)

'Mondrian, but with Razor Blades' abre con un furioso combate entre la batería de Ben Hal y el saxofón de John Olson. Y a pesar de que la técnica de este último se vuelva cada vez más interesante, el papelón sin duda aquí se lo lleva el inasible, vertiginoso trabajo de Hall, con su fluida intangibilidad, concretando ritmos trozados e hilvanados en serpentinas sonoras. La reducida alineación de The Graveyards en este trabajo (faltan Zeh y Buetow en cello y bajo respectivamente) no se ve reducida en absoluto. El tono de este 3"cdr es cabalmente combativo y sin espacio alguno para respiros, poco menos de quince minutos de furía desatada con maestría y vehemencia.

The Sunken - Nightmarijuana (Knife in the Toaster, KT041, 2006)

Escuchar el debut de The Sunken, Nightmarijuana, es una experiencia similar a estar en el ojo de un huracán. Durante la duración completa de la cinta, el misterioso dueto de Gene Symptoms y Suicidal Tendons produce variaciones en la intensidad de estática saturada de una manera demoledora. La primera cara de este cassette presenta una pieza adecuadamente llamada ´Large Joint of Beef with a Twoo Foot Skewer', la cual se trata de una pesada carga de herrumbre sonora que sube abrumadoramente de intensidad y volúmen a lo largo de sus cuarenta y cinco minutos de duración. El sonido de notas perdidas en el gris abismo del gis va de la meláncolica quietud que parece referirse a visiones de vientos desérticos hasta el solemne y quieto estertor de maquinaria pudriéndose en un páramo post-industrial. Por algunos momentos oscuro, discreto y aterrador, por otros increíblemente directo y crudo, el primer lado es simplemente excelente, bien controlado y con un muy buen sentido de dirección.
No podría decir, sin embargo, que el lado B de 'Nighmarijuana' comparte dicho sentido, siendo más bien una jam que tuvo su origen en loops vocales y que terminó por deformarse al grado de llegar a parecer una serie de acelerones de carros en juegos de videos. Sobradamente árida y hóstil, esta segunda parte, llamada 'Large Joint Skewer with a Two Foot Beef', es una genuina sobrecarga de tensión y ruido. A pesar de que el ataque de esta segunda parte es tan intenso, debo admitir que no puedo dejar de sentir que The Sunken son mucho más poderosos cuando concentran su sonido en improvisaciones lentas, 'ambientales'. Abrumador, hóstil y efectivo, 'Nighmarijuana' es una tremenda sacudida neuronal y un impactante debut.

TERCER FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE CONTEMPORANEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO
(FICCO 2006)

EL GRAN BANQUETE DEL CINEFILO CHILANGO

Ya cada vez más se aproxima uno de los eventos cinematográficos más importantes en nuestra ciudad y que ya en su tercera edición, definitivamente ya se ha consolidado como uno de los festivales de cine más relevantes en nuestro país. Desde su primera edición en el 2004, este festival tomo por sorpresa al cinéfilo del D.F. acostumbrado ya las muestras y foros donde los organismos gubernamentales tenían a bien traer filmes que venían ya con un gran retraso de las carteleras de otros países. Sin lugar a dudas era ya urgente que una de las ciudades mas importantes del mundo tuviera ya un festival cinematográfico digno, y el FICCO en sus dos ediciones pasadas lo ha demostrado con creces. Es muy importante mencionar que la iniciativa de la cadena exhibidora Cinemex, que en menos de una década ya se ha consolidado como una de las más importantes de nuestro país, de realizar este festival con la infraestructura de sus ya numerosos complejos en los cuatro puntos cardinales de esta megalópolis. Esto ha sido uno de los grandes aciertos en lo que se refiere a un festival que en sus dos semanas de duración exhibirá la cifra de poco más de 200 materiales audiovisuales en lo que se refiere a cortos, medios y largometrajes provenientes de los cinco continentes. Ciertamente este Festival es una oportunidad única de ver obras que quizá no se vuelvan a exhibir en nuestro país por lo menos en un buen tiempo. Además es muy importante decir que no solo este festival va más allá de la simple exhibición de filmes, sino también se ha dado a la tarea de realizar eventos de diversa índole relacionadas con la creación artística, ya sea de orden musical, y educativo.

¿Qué es lo que hará atractivo este próximo FICCO 2006? Como en sus dos ediciones anteriores habrá de todo y para todos. Desde su inauguración este próximo 21 de Febrero hasta su clausura el 5 de Marzo, este festival contara con poco mas de 15 secciones repartidas entre las acostumbradas selecciones oficiales en la rama de ficción y documental, así como también filmes de estreno y retrospectivas de importantes cineastas, y un largo etcétera. Vayamos por partes ya que es el propósito de este breve texto el brindarles a ustedes un pequeño adelanto de lo que vendrá en este gran festival:

En su primer día, FICCO 2006 exhibirá en su función de inauguración el tan esperado nuevo largometraje del importante cineasta norteamericano Terrence Malick, “The New World”, filme en el cual también interviene el cinefotografo mexicano Emmanuel ‘El chivo’ Lubezki, cabe mencionar que este último recientemente fue nominado al premio Oscar justamente por su destacable trabajo en este filme.

Quizá uno de los mas interesantes aspectos de este festival, a diferencia de los ya consagrados como Cannes o Venecia, sea que en su selección oficial compitan filmes que representan la vanguardia en lo que se refiere a propuestas cinematográficas que van mas allá de los nombres ya reconocidos en los festivales arriba mencionados. Este año no será la excepción, y tendremos filmes tanto de cineastas debutantes como algunos ya reconocidos provenientes de países como China, España, Israel, Rumania, entre otros. Lo mismo aplica para la selección oficial de documentales, cabe destacar también que este festival ha tomado en cuenta la importancia de este género al premiar y también proyectar obras que difícilmente tendrían un espacio en el circuito comercial de exhibición.

Es en la sección ‘Galas’ en donde este festival ha puesto las obras mas recientes de cineastas consagrados, siendo también algunos de estos largometrajes, seleccionados y exhibidos en los más importantes festivales del cine alrededor del mundo. Tan solo para darles un pequeño adelanto, se exhibirán las obras mas recientes de cineastas como Wong Kar Wai (2046), Lars von Trier (Manderlay), Terry Gilliam (Tideland), y la multipremiada “Brokeback Mountain” de Ang Lee, por mencionar solo algunos de los 21 filmes que comprenden esta importante sección de este tercer FICCO.

Quizá también una de las secciones que mas interés ha causado es la de las retrospectivas, donde se revisa la obra de cineastas que han dejado un importante legado en el desarrollo del arte cinematográfico, este año no será la excepción y serán dos cineastas los que serán objeto de esta importantísima sección. La Cineteca Nacional será la sede de la retrospectiva de la obra del poeta y cineasta italiano Pier Paolo Pasolini, es importante decir que la exhibición de algunos de sus más importantes filmes se realiza en el marco de la celebración de su trigésimo aniversario luctuoso, y donde veremos en copias restauradas una muy destacable selección de su genial obra cinematográfica. Por otra parte también tendremos la retrospectiva de la obra de otro genial cineasta, el brasileño Glauber Rocha, uno de los cineastas más singulares no solo en la historia del cine brasileño, sino del cine mundial y que tendremos la fabulosa oportunidad de poder ver una gran selección de la obra de uno de los representantes de lo que fue el llamado ‘Cinema Novo’ de su natal Brasil.

Dentro de este tono de tributo a cineastas de talla internacional, se realizarán también presentaciones especiales de algunos filmes en donde intervienen dos importantes invitados que asistirán a este festival. En primer lugar se contará con la presencia de la brillante cineasta francesa Claire Denis, la cual hablará de su trayectoria fílmica y también se proyectará buena parte de su obra filmada. Finalmente otro de los grandes invitados que asistirá a este festival será nada menos que el gran guionista francés Jean Claude-Carriere, colaborador de cineastas legendarios como Luís Buñuel y donde también se presentará una pequeña retrospectiva con filmes donde su trabajo como guionista ha sido trascendental, y también cabe destacar que el propio Carriere impartirá un pequeño taller de guión en el marco de este festival.

Es muy importante mencionar también la labor educativa que este festival esta realizando al impartir talleres relacionados con el quehacer cinematográfico, contando con importantes figuras, como se menciono anteriormente en el caso de Jean Claude-Carriere, el cual no es la única figura invitada, ya que también se ha invitado al cineasta norteamericano Todd Solondz, el cual imparte en estos momentos un breve taller de realización.

Si no es suficiente todo lo que hemos mencionado, este FICCO 2006 presentará en sus secciones especiales, algunas de ellas ya se han vuelto especiales para los cinéfilos que buscan películas que difícilmente se verán en los circuitos comerciales. Nos referimos a secciones como 11:59, Verano en Nueva York, México Digital y Hacia lo posible. Sumémosle a esto, las proyecciones al aire libre sin costo alguno que serán proyectadas en diversos puntos de la ciudad. Cada una de estas secciones contara con el atractivo que hará que muy probablemente el asistente a este festival quedara plenamente satisfecho.

Finalmente, hay que mencionar los dos importantes eventos de trascendental relevancia y que reflejan la importancia de la relación entre el arte musical y el arte cinematográfico, los cuales se realizarán dentro del marco de este tercer FICCO, y que serán el par de presentaciones ofrecidas por el genial compositor británico Michael Nyman y su orquesta: The Michael Nyman Band, los días 22 y 23 de Febrero en el Teatro de la Ciudad, y también la proyección de uno de los clásicos del cine mundial; se trata ni mas ni menos que “Nosferatu”,el gran clásico de F.W. Murnau, con el acompañamiento musical de The Alloy Orchestra, el 27 de Febrero en la isleta del Lago de Chapultepec. Eventos que sin lugar a dudas serán de lo mejor que hará inolvidable este apenas joven 2006. Para mayor información consulten el sitio oficial.

Por: A.I.

Nurse With Wound - Shipwreck Radio Vol. 1 (ICR, 2004)

Dándole continuidad a este breve espíritu revisionista que me ha ocupado recientemente, tuve la suerte de reencontrarme con una de mis bandas favoritas, Nurse With Wound, en términos definitivamente mejores que buenos. 'Shipwreck Radio Vol.1' es un disco en el cual Steven Stapleton estaba trabajando cuando tuve el honor de conocerle. En dicha ocasión él había estado poniendo algunas de las piezas recién editadas como discreta antesala a un concierto de Current 93. En esa ocasión, me comentó lo que yo ya había leído en Brainwashed, que él junto a Colin Potter habían estado trabajando en un gélido páramo del mundo haciendo música con guijarros y cualquier objeto que les pasara por el camino. Sin embargo, lo que había escuchado esa vez no concordaba con esta imagen de dos hombres golpeando rocas con micrófonos ambientales colgando de sus brazos. Se trataba más bien de una serie de pesados y largos drones sin mucho arreglo de estudio y más bien provistos de ese tipo de propiedades físicas que hacen que uno sienta ese relativo malestar o nerviosismo que parte de las mismas entrañas.
Ahora, finalmente, me encuentro con esos trabajos ya editados y en forma física en este bello empaque bajo la rúbrica de la ICR del propio Potter y descubro que de nuevo, contra lo que pudiera esperarse después de veinticinco años de ininterrumpida carrera, Stapleton sigue poseyendo una capacidad inigualable para sorprender. De un buen tirón, 'Shipwreck Radio' pulveriza cualquier noción establecida por otros trabajos recientes como 'She and Me Fall Together in Free Death' o los tres volúmenes de 'Angry Eelectric Finger' y aterriza a Nurse With Wound en una variedad de aspectos sin precedentes en su propia historia. Este primer volúmen es una de las actualizaciones más radicales que la enfermera haya sufrido en bastante tiempo, sin duda.
Presentes están muchos de los elementos habituales de otros trabajos. Los antiguos recortes de conversaciones que engalanaban sus anteriores trabajos han llegado finalmente a la era digital y sin demeritar, puesto que siguen siendo igual de estremecedores. Asimismo, la deformación aural de los sonidos más naturales del mundo -las gaviotas sobrevolando, el murmullo del viento, la lluvia- sigue ajustándose a las alucinógenas costumbres artísticas del -ahora- dueto.
En adición a esto, las herramientas de la banda han sido pulidas y sus capacidades han madurado de tal manera que, con la mayor naturalidad, el sonido es, honestamente, sobrecogedoramente confuso. La ilusión de estar escuchando caer la lluvia -sólo para descubrir que la lluvia se trata en realidad de una cortina de aplausos, que en realidad se trata de estática manipulada- es impactante. Los ruidos de fondo se entrelazan de una forma tan exacta que por momentos son tan corpóreos como si estuviesen al otro lado de los muros.
Y ni que decir del aspecto campy, que, a últimas fechas, se ha vuelto tan estremecedor en los trabajos de la enfermera. La deformación de una banda de guerra, la manipulación con la cual convierten su jolgorio en marcha fúnebre es así, precisamente, de estremecedor. Ésta, a pesar de las iniciales vicisitudes, ha sido sin duda una gran década para NWW, y este cd doble una buena muestra de ello. (S.S.)

Tarantism - Tarantismo! (Bent Over Cowboy, s/n, 2005)

Tarantism es uno de los grupos más extraños de la escena. Teniendo la costumbre de salir a tocar disfrazados con los más extraños atavíos vistos desde los años de G-War y ofreciendo improvisaciones bizarras e impredecibles, la banda ha ido ganándose a pulso una reputación como acto de culto que no parece estar pronta a acaecer. Dentro de la serie de discos que han puesto en circulación recientemente, 'Tarantismo!' me llamó la atención sobre todo por la fantástica portada del caricaturista Jim Osborne. Y contrario a lo que dice el dicho, la cubierta, esta vez, fue muy buena orientación; después de todo, a cualquier disco que tenga una portada como ésta, hay que escucharle.
El ambiente bizarro y ácido representado por la fabulosa ilustración es una perfecta extrapolación del turbio material sónico contenido aquí. La banda deja el sonido correr por extraños paisajes, jamás cayendo directamente en el noise ni tampoco obviándolo definitivamente. Casi todo el sonido de las siete piezas que le componen parece haber sido tan ambiguamente coartado como si ni una sola de las elocuciones perteneciera junto a la siguiente; mas digo ambiguamente porque todo, visto con un poco de perspéctiva, es claramente parte de un total abrumador y dinámico. 'I Am in the Jungle of Cellular Automata' resume en poco más de quince minutos el atemorizante sinsentido de Nurse With Wound circa 'Automating', con las mismas espirales de samples y manipulación de efectos, y, sobre todo, con un efecto similarmente devastador. 'Rear Back and Pinch' es una descarga dada sumamente retorcida y sacada de pedo, que cae en ese profundo abismo de la socarronería y que transmite una sensación de incertidumbre plena: anti-estructural, anti-melódico, anti-musical, perfectamente anárquico.
De allí en adelante todo va de lo tópico -el más definido free-noise de 'Cry me an Egg'- a lo invérosimil -el splatter-spaguetti-jazzy Western de 'Wipe Out/Rub in'. Un disco perfecto para quienes extrañamos lo fascinante y gratuito de sacudir las cabezas de los roomies sin tener que subir demasiado el volúmen. Da da da da da da daaaaaaaaaaaaaaaaaa!!!! (S.S.)

Visteclaro - 12 Hélices
Viste Claro - 12 Hélices (2005)
Empleando una serie de elementos generalmente considerados antagónicos, el dueto argentino Visteclaro parece buscar darle continuidad a los volátiles experimentos sonoros de bandas como Déficit Des Anneés Anterieures o Hirsche Nicht Aufs Sofa. En un sólo track de larga duración, el dueto intercala todo tipo elementos musicales, llendo desde el ruidismo al sin sentido, pasando incluso a través de sendos pasajes silenciosos y los gritos de monotónicas guitarras.
Ante una breve ojeada a la primera sección de '12 Hélices', la orientación del álbum parece ser sobre todo campy, con un buen dejo de teatral absurdismo y el vaivén de contestaciones, casi insultos, en instrumentos por parte de ambos músicos. Sin embargo, conforme el disco prosigue, queda claro que el dueto no tiene problemas entrometiéndose en los rubros de la abrasión ruidosa, permitiéndose introducir elementos tales como un motor zumbando persistentemente en el fondo, a manera de feedback, y el persistente y rudo rasgeo de cuerdas distorsionadas girando vertiginosamente. Hacia el final del disco, las sensaciones son tanto más amenazantes y repletas, lo cual sólo se incrementa a partir de la tétrica y casi absoluta ausencia de ejes rítmicos, apenas substituidos, por momentos, por la ocasional, inclemente persistencia sobre una frase o un acorde.
Sería imperdonable delimitar hasta qué grado el trabajo de bandas como ésta difiere del de las de las más populares escenas europeas y norteaméricanas. Para empezar, es inevitable notar un claro gusto por parte de la agrupación de ofrecer material grabado cualitativamente. La grabación, en estudio, sin demasiados artilugios, da oportunidades a los músicos que la improvisación u otros medios, menos logrados, no darían. Y no es que el disco haya sido grabado como parte de una sagrada búsqueda por el disco perfecto, en general las impresiones más persistentes que el disco deja son de persistente experimentación, muy púlida, pero a fin de cuentas, alucinante experimentación. Descarguen su disco aquí.

Knife City - Eternal Winter (X Died Enroute Y Records, XDEY66, 2006)

Una improvisación lenta en cimbales que crece al tiempo que devora una somera base de teclados abre 'Eternal Winter'. Este debut por parte del proyecto Knife City sorprende sobre todo por su elocuente, paciente, dedicada construcción. A veces ambiental, a veces ensordecedoramente directo, este cdr se extiende a través de una laberíntica senda de paisajes musicales que hacen de cielo e infierno a discreción.
La glacial entrada de 'Encased in Ice', con su mesurada y envolvente cortina de drones eólicos, parece más un paisaje que música, ofreciendo un escape perfecto al correr del tiempo. Por diez minutos, el mundo se convierte en límpidos cristales. A la manera de su padrino, Steev Thompson (Roxanne Jean Polise), Knife City ofrece creaciones sonoras que claramente responden a intereses materializantes, virtiendo imágenes en la manufactura de sus reflejos acústicos.
Lo que más parece importar aquí es evidentemente la calidad de representación; los medios que se requieran para conseguir dada resultante son lo de menos. Por ello, la instrumentación es tan impactantemente variada y hasta contradictoria, todo en aras de conseguir, al mayor grado posible, una imagen sonora pertinente. Un disco imaginativo que rechaza la simpleza en que incurre en gran medida la escena, 'Eternal Winter' es un manifiesto alquímico que busca llevar al escucha al propio éter. Creo que todavía hay unas copias en Hanson.

Robedoor - Grendel Glare (Sycophanticide, Sycophanticide 003, 2005)

Una de las bandas que me ha dejado una impresión más fuerte en tiempos recientes ha sido este dueto, llamado Robedoor. Este pequeño conjunto tiene la capacidad de producir un sonido sumamente amplio y complejo a partir de elementos muy reducidos: electrónica ambiental -densa y abismal-, sonidos acústicos disonantes y arrítmicos, pero, sobre todo, a partir de intensos drones con bases en efectos vocales.
En este reciente 'Grendel Glare', Robedoor ofrece un trabajo mucho más inclinado hacia un aspecto eléctronico negro y estremecedor, gracias a los violentos vaivenes de estática sacudiendo cualquier inocente expectativa de musicalidad. El resultado es uno de esos sonidos tan intensos que te retuercen las entrañas. Y eso únicamente en referencia a los físico, ya ni mencionar su capacidad evocativa, la cual parece querer trazar el propio rumbo de los vientos primordiales.
'Grendel Glare' es abrumador. En este caso, al igual que después de haber escuchado su anterior 'Sloths in Thrones', me queda la impresión de que la intención del dueto es comunicar algo más profundo que lo que puede expresarse a partir de los lenguajes humanos, algo que rebasa la llana composición musical y que busca vertirse de manera discreta en la propia naturaleza del sonido. Y todo en un pinche cdr. Un gran, gran disco.

Hototogisu - Brooming Mephitic Blast (Esquilo, Live Series 001, 2005)

¿Qué mejores cartas de presentación se le pueden dar a una banda que los nombres de los jodidos Matthew Bower y Marcia Bassett? Cuando estos dos titanes del underground, dueños de sus propios reinos psicodélicos a cada lado del Atlántico respectivamente, se reunieron para forjar la versión más consistente de Hototogisu, dieron forma a una de los más impactantes, abrasivas y legendarias creaturas que han circundado la tierra. Hototogisu es mucho más bestial, que no necesariamente mejor, que los propios, magníficos grupos que le dieron fama a la insigne dupla -Skullflower y Double Leopards-. Y, con todo, después de tantas entregas de violencia sonora, en este documento en vivo, Hototogisu parece estar llegando a un suelo mucho más estable; sí, perdiendo un tanto de su originalidad -es inegable que por momentos este disco suena demasiado a Double Leopards- y no tanto dejando en absoluto de producir un disco sumamente consistente.
Los brutales cismas guitarreros que caracterizan algunos de los más conocidos trabajos de la banda, similares a serruchos en los tímpanos, aquí son por largos momentos reducidos a placenteros drones, que mezclan el arqueo consistente, característico de Bassett, con las atmósferas ruidosas, ensimismadas, viciadas tan comúnes de Bower. Por momentos, 'Brooming Mephitic Blast' parece incluso agradable, a la manera de 'Exquisite Fucking Boredom' o de algunos tracks de 'Halve Maen', pero es sólo apariencia. La vertiginosa
espiral que marca el sendero al dueto sólo crece en intensidad y volúmen, convirtiéndose en el ojo de un huracán furioso hacia su consumación.
Tristemente limitado a 100 copias -y prácticamente desaparecido ya-, 'Brooming Mephitic Blast' es un tremendo volúmen a agregar a los trabajos de este consistentemente fascinante proyecto. Como anécdota se menciona que el ingeniero de sonido, al darse cuenta del volúmen al que la banda tocaba, decidió apagar el P.A. a la mitad del concierto. Lo que está registrado en este cdr es, pues, el sonido puro de los amplificadores de Bassett y Bower en escena, imaginen al pobre edificio sacudiéndose...

Hans Buetow & Ben Hall - The Accuracy of Coincidence (Brokenresearch Editions, s/n, 2005)

Apenas inició funciones la disquera Brokenresearch Editions a fines del año pasado y su labor ya se está dando a notar con fuerza. Uno de los cuatro primeros cdrs que la novel compañía presenta es precisamente 'The Accuracy of Coincidence' de Hans Buetow y Ben Hall, encargados de la disquera y quienes, en un movimiento muy inteligente, supieron enganchar a la gente cercana a los American Tapes ofreciendo producciones de bandas usualmente asociadas a la compañia, como Abscess y Graveyards, al tiempo que promovían sus propios proyectos.
Pero que no se confunda ésto con oportunismo. El dueto, de hecho, está un poco más involucrado de lo que parece a primer oído, sirviendo de sostén a los alientos de John Olson en Graveyards. Y, sin embargo -afortunadamente- otra cosa son ellos dos solos. Es inegable que la óptica a partir de la cual ofrecen su propia música podría muy fácilmente distanciarles del común denominador de proyectos de la disquera de su compañero Olson, pero también lo es que ese espíritu de reinvención, de dinámica que caracteriza las más recientes ofertas de dicha compañía permea a través de cada segundo de la grabación.
Otra vez, como Graveyards, el dueto vuelve a caer en esa intentona torcida y sagaz del pseudo-jazz, ofreciendo un disco totalmente opuesto a formas estblacidas, e incluso precedentes obvios de fusión. De hecho, a diferencia de la citada banda, o de sus versiones como Death Knell y Burning Graveyards, Buetow y Hall jamás dan muestras de querer insertar elemento alguno de noise o de otras corrosiones post-industriales.
Esto viene claramente restringido a partir de la instrumentación que la banda emplea, con Hall a cargo de la percusión -sensacional- y Buetow del contrabajo -tremendo- siendo además complementados por Jason Shearer y Jason Murphy en siempre presentes flautas y por Joe Westerlund en marimba.
El resultado es una serie de improvisaciones que se mantienen en una tónica baja, discreta, en la cual las dispersas melodías de las flautas persisten en el absortamente ensanchado tiempo de la sección rítmica y que, de vez en vez, se disfrazan de maquinaría y chocan unas con otras, a veces para volver a las sombras, a veces para volcarse terminantemente hacia el escarnio de una solitaria marimba corriendo en frenesí. El flujo y la inasibilidad son permanentes, la música corre sin descanso a destiempo por vertientes insospechadas, acarreando ecos de tradiciones musicales confusas y fragmentarias, cuando no totalmente rotas.
Si ofertas como éstas marcan alguno de los muchos rumbos que la música undergound seguirá, el futuro se antoja sumamente alentador. 'The Accuracy of Coincidence' es sin duda una de las grandes omisiones del chart de fin de año.