2005: Retrospectiva de un año

Los mejores discos del año, de acuerdo al inverosímil, cuando no inexistente, criterio de la redacción de este blog.

50a. Hair Police & Wolf Eyes – Live!!! (Purple Stuff).
Sin duda, uno de los discos más notorios del año pasado, el cassette split de 'Hair
Police & Wolf Eyes Live!!!' (sí, así de redundante) está por convertirse en uno de los más pirateados de la escena. Con apenas 42 copias -supuestamente-, 'Live!!!' presenta una ya legendaria colaboración de los Wolf Eyes con Anthony Braxton en sax y a sus hermanos de Hair Police batiéndose en duelo en el otro lado.

50b. Magik Markers - Feel the Crayon (Apostasy)
Una serie de jams tan directas y abigarradas como puedan haber. La banda de rock más peligrosa, explosiva, coléricamente anárquista y fantástica sobre la faz de la tierra.

49. Roman Torment - Black Spring (Swampland Noise)
Furioso y neurótico como un pitbull encerrado en un cuarto lleno de espejos, 'Black Spring' es una embestida directa, sangrienta y sin el menor dejo de piedad.

48. Damaged Yellow Swans (23 Productions)
No hay mejor cisne amarillo que el dañado. En este año, los Yellow Swans ofrecieron trabajos increíblemente variados e inesperados. Su reciente giro hacia la violencia es totalmente bienvenido.


47. UTON - Substance Organic (Sloow Tapes)
Preciosista desvelo, dulces vuelos nocturnos totalmente llenos de vida de este fascinante grupo/colectivo finlandés.


46. Sunburned Hand of the Man - Puppet Heaven (Manhand)
El más ácido jam de 'la mano' hasta la fecha es también uno de los más contundentes y variados. Las características percusiones tribales del grupo ceden por momentos algo de espacio a nuevas dimensiones, nuevos espacios, nuevas drogas...

45. Sword Heaven - Horsing (23 Productions)
Como si fuera una batalla a muerte entre lo más primal de Swans y Whitehouse en un sórdido paraje industrial, 'Horsing' es un lento y tortuoso desafío a las dinámicas convencionales, con sus riffs a 1/2km por hora y los más inquietantes ímpetus eléctricos.

44.Elephant Micah and the Agrarian Malaise (Time-Lag)
Confirmando sus intenciones, Elephant Micah demuestran en cada uno de sus nuevos discos que son una banda grandiosa y que, sin importar que tanto cambie el mundo, ellos seguiran grabando su frágil, estremecedoramente bella música... aún cuando se encuentren radicando en el mismo seno de la más terrible pobreza espiritual.

43. Aaron Dilloway - Heavy (Heavy Tapes)
Dilloway regresó de Nepal con una armada de presupuestos sónicos fascinantes, grabaciones de campo, préstamos de sonidos locales y una especie de vuelta al lado más primitivo del ruido.


42. Charlie Draheim - Breaking Luck (Chondritic Sound)
Electrónica minimal saturada, sonido sin colores, música a blanco y negro, cenizas, tierra, fotocopias...


41. Taurpis Tula - Caught in the Teeth of It (Volcanic Tongue)
En algún extraño paraje entre la improvisación libre, el free-folk y el noise, Taurpis Tula crean música sombría, indefinible que es tan mundana como sublime como y que puede ser tan sumamente física como etérea. Su improvisación de 25 minutos para 'Caught in the Teeth of It' es descuidada, sucia y, sobre todo, enorme y majestuosa.

40. Vodka Soap - The Infinite Way Class (New Age)
Tras esas horribles portadas, los cassettes de New Age esconden alguna de la más intoxicante música hecha en épocas recientes. Muestra de ello es 'The Infinite Way Class' de Vodka Soap, delirante panteón de deidades químicas en pleno baile. De miedo.

39. Sick Llama - Barf Throat (Fag Tapes)
La creación de Heath Moerland, Sick Llama, se especializa en producir una variación noise no muy recurrente, el ruido como una potencia grave y discreta, pero sobradamente constante, capaz de provocar, aún a volúmenes bajos, sensaciones guturales e incomodidad abrumadora. El Único defecto de su última entrega para su propia Fag Tapes, 'Barf Throat', es que dure tan poco.

38. Vertonen - One Telescoping Spine (Chondritic Sound)
Una brutal cadena de contradicciones compone la estructura de este minidisco, que en veinte minutos tiene suficiente para referenciar y agredir, violentar y consolar. Pura androginia sonora, pura ironía, desnuda y mordaz.

37. Wapstan - Trompe la Mort (X Died Enroute Y Records)
Muerte en invierno. Paisajes eléctricos tornándose en puro infierno blanco. Lo que sale de las bocinas, ¿es estática o nieve?


36. Hive Mind - Metallic Thaumaturgy (Chondritic Sound)
Empleando básicamente equipo análogo, Greh crea sonidos que parecen ondulantes serpientes. En su largo e incansable movimiento, las ondas sonoras reptan sinuosas, profundamente amenazantes en su belleza. Nocturno.

35. Shackamaxon (HP Cycle)
Un punto perdido en el tiempo y no explorado por ningún cartógrafo. Frecuencias que corren mesméricas desde la corteza de la tierra; un palpitante corazón de las tinieblas sonoras.

34. Unusuable Signal/Failing Lights (Gods of Tundra)
Violentísimo split lleno de veneno. El proyecto más individual de Connelly chocando con el más solitario delirio de Olson en dos tracks totalmente carroñeros, sin descanso.

33. Robedoor - Sloths in Thrones (Chondritic Sound)
Violento y místico a la vez, 'Sloths in Thrones' muestra el lado más imaginativo y primitivo de la escena con sus drones vocales y sus lentísimas evoluciones llenas de polvo y de espacio absorto, atemporal.

32. My Cat Is An Alien - The Cosmological Eye Trilogy
El término 'música espacial' jamás había sido tan perfectamente llevado a cabo, como en esta trilogía de limitados cdrs, aquí reunidos en una casi perfecta, mucho más asequible edición.

31. GHQ - Hea (Arbitrary Signs)
Pura jodida psicodelía y delirio en cuerdas y percusiones con un trío magistral.




30. Sunroof! – Sabbath Electric Rainbow
Sunroof! es el diametral contrario a Zaika en cuanto a métodos y fines, pero no en cuanto a intensidad. El super dueto de los legendarios Mick Flowers y Matt Bower crea en este cdr atmósferas embotadas envueltas en cortinas de saturación pura, que, sin embargo, suenan tan dulces como un profundo sueño.

29. Irr.App. (Ext.) - Perekluchenie (Beta-Lactam Ring Records)
La fábrica de pesadillas que es Irr.App.(Ext.) sigue produciendo más monstruos. Su última creatura sónica, 'Perekluchenie' es perturbadoramente física y genuínamente concebida con la peor vibra posible.

28. Our Brother the Native (X Died Enroute Y Records)
El cuarteto Our Brother the Native creó en este cdr, a partir de viñetas y pastiches, una composición llena de alma y dirección. Partiendo desde los collages sonoros y llegando hasta la arquetípica pieza folk, Our Brother the Native somete a sus escuchas a un viaje a través de los escenarios más contradictorios e impensables en poco menos de diez minutos.

27. Hive Mind/Workbench - Flashflood (Chondritic Sound/Heavy Conversation)
Dos titanes del ruido divergente, las dos proyectos que casi se encuentran en esta placa llevaron sus mejores ropas y mostraron sus más atrevidas estrategías, imponiendo marcas que, aún a ellos, les costará mucho trabajo superar. Bocinas ahuyentadas a discreción, psiques inestables y tímpanos rotos.

26. Wooden Wand & the Vanishing Voice - Buck Dharma (Time-Lag)
Buck Dharma es sin duda, la más longitudinaria épica del colectivo-comuna, el cual sigue dando más y más frutos, cada vez de mayor envergadura y de menores atisbos de normalidad. En el fenecido año, WW&VV fueron, induscutiblemente, los que le pusieron lo 'weird' a América.

25. Zaika (Eclipse)
Una serie ininterrumpida de atisbos a la eternidad a cargo de dos de los más capaces maestros de la guitarra moderna, Tom Carter y Marcia Bassett, quienes prácticamente eliminan cualquier remanente sonoro de sus otros proyectos -Charalambides, Friday Group, Badgelore, Hototogisu, Double Leopards, Zaimph, etc.- y se concentran perfectamente en el aquí y ahora del tiempo real de la grabación de una jam que suena casi apenas circunstancial. Un verdadero templo a la dama de seis cuerdas.

24. Speculum Spyked (American Tapes)
Certero y directo ataque de Damion Romero, desbaratando la caja de los Spykes y rearmándola en un doce pulgadas crudo, seco y maloliente. Los remixes jamás habían sido tan brutales.


23. Keijo - In this Direction (Sloow Tapes)
Como con cada una de sus muchas producciones, el finlandés Keijo Virtanen en 'In this Direction' vuelve a ofrecer a su público otro paisaje intimista, detallado y lleno de magia. Esta cinta, la cual marca el comienzo de la historia para la genial Sloow Tapes, deslumbra con su ingenio y austeridad.

22. Virgin Eye Blood Brothers - Monkey Glands in the Skull Orchard (Black Velvet Fuckere)
Develando paisajes acústicos que van arbitrariamente de lo súblime a lo grotesco, 'Monkey Glands in the Skull Orchard' reúne tres grabaciones del misterioso dueto, incluyendo el clásico 'Live in the the Deepest Hole of Lousville' en una cinta de noventa minutos, cuyos más breves y preciosos instantes nos conectan con el propio pulso del universo.

21. Double Leopards - Live in Chicago 9.26.4
La última entrega de su colección de cdrs en vivo, 'Live in Chicago' es una abrasiva y violenta sacudida que raya en el chamanismo y sus visiones como nada que se haya hecho recientemente. Decididamente el fin de una era para los leopardos.

20. Fe-Mail - Voluptuous Vultures (Psych Form Records)
Relativamente olvidadas en estos momentos, Fe-Mail arrasaron los lugares por donde pasaron el año pasado y lo mismo con lo desgraciadamente poco que grabaron. 'Voluptuous Vultures' es muestra perfecta de que el noise es un lenguaje universal, sin exclusividad genérica y capaz de evolucionar a grados insospechados.

19. Axolotl/D Yellow Swans/Gerritt (Collective Jyrk)
Tres piezas largas y meditativas, que no se dejan contener, que se enlazan tan perfectamente que parecen ser una misma, conforman una marátonica función triple que avanza entre estados, sensaciones y pensamientos de una profundidad inmensa. Tres piezas que van de los espejos pastorales y la introspección a la abierta catársis sonora.

18. v/a - By the Fruits You Shall Know the Roots (Eclipse/Time-Lag Records)
La inverosímil reunión de las dos disqueras más representativas del underground free-folk y la conjunción de algunos de los músicos más importantes hoy en día, 'By the Fruits You Shall Know the Roots' es un manifiesto de la belleza y la grandeza tan enrarecidas que caracterizan a la música más libre y sin ataduras que ha existido jamás.

17. Hum of the Druid - Wall of Arms (Barbituarian Media)
Los sonidos secos y oscuros de 'Wall of Arms' son muestra perfecta de lo que el industrial más puro, frío y punzocortante siempre debió haber sido. Uno de los discos más brutales y directos que se han hecho en años, este cdr revisa los manifiestos ocultistas del 'Soliloquy for Lilith' y les inyecta la adrenalina y el veneno de la pulsión noisera.

16. Golden Oaks/Brothers of the Occult Sisterhood (Time-Lag)
Ragas inmensos, llenos de drones eternos y atmósferas que rayan en el preciosismo, este split es uno de esos cantares espirituales dedicados al alba. En sus tres poderosas odas de palabras ausentes al astro solar, estas bandas seducen al tiempo y dejan sentir sus pulsos fuertes y repletos de sustancia vital.

15. v/a - Invisible Pyramid (Last Visible Dog)
Con sus casi siete horas de duración y más de una treintena de actos de casi todos lares del mundo, es prácticamente imposible superar un álbum tan enorme como 'Invisible Pyramid'. De hecho creo que no es ético que le ponga en esta lista; sólo lo hago para enfatizar qué tanto llegará a pesar algún día, y qué tan esencial ya es para entender lo que está pasando en el subsuelo.

14. Dead Machines - Tales from the Darkside (American Tapes)
Una portentosa sesión de jams en el contradictorio vórtice del torbellino post industrial; violento, visceral, profundo y, por qué no, también divertido.


13a. Steven R. Smith - Crown of Marches (Catsup Plate)
Prácticamente armado únicamente de su entendimiento y de sus capacidades como intrumentalista, Smith nuevamente nos enseña hasta donde puede llegar un tipo con una guitarra y un montón de juguetes para representar sus sueños y sus visiones.

13b. Hototogisu - Brooming Mephitic Blast (Esquilo)
Paralizante, 'Brooming Mephitic Blast' es testimonio de como las líneas paralelas de Marcia Bassett y de Matt Bower se encontraron sólo para conducir juntos hacia el más delirante abandono, al tiempo que veían a su música convertirse en algo tan material que era casi tangible y con vida propia.

12. The Nath Family - Sounds of the Indian Snake Charmer (Hanson Records)
Aaron Dilloway tuvo una idea genial, documentar los sonidos de las calles de Nepal y, más precisamente, los de los encantadores de serpientes, uno de los pocos residuos casi intactos de tradición oral que persisten en el mundo y, cuyos sonidos, mimetizados y reconocibles por y para todo el mundo, nos comunican con la relativamente breve longevidad de la raza humana.

11. Coil - ...And the Ambulance Died in His Arms (Threshold House)
Un testamento consecuente: un profundo atisbo a algunas de las piezas en progreso a la muerte de Jhonn Balance tal y como fueron planeadas para interpretarse en vivo. Un testamento de violencia, caídas, sueños y oscuridad.

10. Wooden Wand - Harem of the Sundrum The Witness Figg (Time-Lag Records)
'Harem of the Sundrum & the Witness Figg' es una muestra idónea de la canción folk en su estado más depurado. Sin mayor herramienta que una guitarra, Wooden Wand es capaz de hipnotizar a cualquier audiencia con su dulce y melancólico canto y, afortunadamente, esa sensación se ha reproducido con creces en este disco, sonando tan atemporal e intangible como si hubiese sido grabado en otro mundo.

09. Dead Machines & Double Leopards (American Tapes)
Dos de las más grandes bandas de esta década unen fuerzas aquí ante el reto de demostrar que tan profundo en el inconsciente de los pobres que les escuchen pueden llegar. Fastuoso.

08. Painting Petals on Planet Ghost - Haru (Time-Lag Records)
Ininteligible, exótico, inexplicable, cada uno de los bordes de 'Haru' posee una belleza perfecta y abrumadora. Divagando entre el ensueño y el desvelo, este disco se traga el tiempo y el espacio, les absorbe.

07. Graveyards - Monument Centers (American Tapes)
El estruendoso y fascinante trío de John Olson ataca en 'Monument Centers' con toda su carga y demuestra que las capacidades instrumentales de sus miembros van más allá del eterno zumbido que caracteriza a las más de las American Tapes. Dentro de la de por sí notable línea de grabaciones de este torcido proyecto de también torcido free jazz, ésta es definitivamente la mejor.

06. Thuja - Pine Cone Temples (Strange Attractors Audio House)
Reinventando la música, reentendiéndola, en 'Pine Cone Temples', Thuja desnudan la composición musical a sus más raquíticas composiciones y explosivas posibilidades y la convierten en sonido puro; la voz de la tierra, sintiéndose libre, habla a través de sus místicos registros.

05. Wolf Eyes - Asylum Style Vol. 10 (American Tapes)
Una gigantesca, enorme colección de música/ruido/drones/ambientes proveniente de los archivos recientes de Wolf Eyes, la conclusión de la serie 'Asylum Style', dividida en seis cdrs, suena como un box-set con veinte bandas distintas, y todas, jodidamente buenas. El mejor muestrario que puede haber de este versátil colectivo.

04. Mouthus - Slow Globes (Troubleman Unlimited)
Ritmos vagabundos y flexibilidad en registros. Mouthus, en 'Slow Globes', hacen del delirio un lenguaje validado y del eterno orbitar una ley. Su soltura al combinar los más dispares elementos es fascinante y adictiva.


03. Eyes and Arms of Smoke - A Religion of Broken Bones (Cenotaph)
Ecos de psicodelía pura, instrumentación pesada en el lado de los alientos, percusiones intermitentes, atmósferas, escalas exóticas, inmanencia; Eyes and Arms of Smoke no retoman nada, sólo lo vuelven a crear por entero

02. Roxanne Jean Polise - Leave Your Wet Brain in the Hot Sun (Audiobot)
Por si no hubiera hablado ya suficiente de Roxanne Jean Polise, quiero nuevamente enfatizar cuán necesaria es su música y hasta qué grado queda impreso en este 'Leave Your Wet Brain in the Hot Sun' su control, capacidad y determinación en cuanto a crear música nueva y fascinante, nunca regida por los parámetros regulares. Éste -y más de sus discos- son evidencia firme de los pasos gigantes que el artista independiente puede, con dedicación, llegar a dar.

01. Growing - Live! (Archive)
Gloria absoluta. Caminos de sueños. Visiones. Totalmente esencial.




Ahora, para cerrar con broche de oro, los discos favoritos de algunos de los músicos que nos deleitaron con sus propios álbumes durante el año:

Carlo Steegen (Audiobot)
10 FLAMANTES GOLPES AL SISTEMA

CLIMAX DENIAL
ROXANNE JEAN POLISE
TALIBAN
SICK LLAMA
OUBLIETTE
THE CHERRY POINT
THE GOSLINGS
MUTANT APE
PRIVY SEALS
NIELLERADE FALLIBILISTHORSTAR

Carlos Giffoni
Mis 10 discos favoritos del 2005

SUNN O))). Black one.

Un tremendo estallido de obscuridad de este ya legendario grupo de metal underground. Incluye como invitados especiales la participacion de dos de mis musicos más estimados John Wiese y Oren Ambarchi.

Ultra fuckers. Psychedelyc Warriors
El disco mas raro que he escuche en 2005, psycodelia? Punk? Rock marciano? Hormigas que bailan en el plano astral? Incluye una cancion tributo al grupo norteamericano Hanson.

Prurient- Black Vase.
El estallido de feedback sinfónico, el estilo único del residente de Bushwick en Brooklyn Dominick Fernow y su sistema de destruccion masiva.

Pita- Get Off-
El legendario sonido del pionero de la electronica Peter Rehberg, un disco nuevo lleno de trampas, drone masivo y experimentos sonoros que sin lugar a duda pone a los
incrédulos a llorar y sufrir.

Hive Mind-Tunnel Birth-
LP doble del respetado grupo de Detroit Hive Mind. El sonido análogo llevado a lo mas extremo. Nos perdemos en el túnel del tiempo, nos desintegramos y salimos al otro lado completamente nuevos y con una idea inesperada.

Burning Star Core-Mes Soldats Stupides
CD doble que compila varias grabaciones limitadas/agotadas. Una variedad interesante que recorre una multitud de géneros de composición e improvisación característicos de este grupo de Cincinnati liderado por el ninja Spencer Yeh.

Aaron Dilloway-Beggar Master.
El Sonido de una de las figuras mas interesantes en la nueva escena experimental americana. Este disco fue grabado durante su visita cultural de 6 meses a Nepal. Un
sonido violento y concentrado, inexplicable, amorfo pero completamente calculado.

Double Leopards- A Hole Is True.
La eternidad y su repetición. La suma algebraica de las cuerdas vocales y
sus diferenciales geométricos. En una vida no se pueden vivir tantas cosas.

James Twig Harper.Intuitive American Esoteric Volume 2.
Siguiendo los clasicos experimentos electrónicos de Berio, Stockhausen, y Jean Pierre Schaeffer nos llega el ilustre volumen 2 de la serie todavía en continuación de uno de
los vanguardistas de la música moderna americana. James Twig Harper. Indispensable para todo coleccionista de música interesante.

Metalux. Victim of Space.
Éste es un dúo de siniestras mujeres que han encontrado el sonido perdido. electrónica, destrucción, sinceridad, paz, y sobre todo muerte.

Heath Moerland (Sick Llama, Fag Tapes)

PENGO " a nervous splendor " lp
THE HAUNTING " tissue rots " cass.
NICOLE CHAMBERS " N C" cass.
GRAVEYARDS " endings vol. 1 "
STEELY & CLEEVIE " sleepy dog "
FAILING LIGHTS " evening tomb "
HIVE MIND / WORK BENCH split lp " flash flood "
HAIR POLICE " constantly terrified " lp
NEIL HAMBURGER " laugh out lord "
THE DEAD MACHINES " human brain wasting syndrome " lp

Jazon Zeh

aaron dilloway: bad dreams (cd)
john wiese: sad psychics (7")
hivemind: sand beasts (cd)
hair police: constantly terrified (cd)
burning star core: the very heart of the world (lp)
sukora: oeo (lp)
brent gutzeit: grey city (cassette)
bob marinelli: coated in flesh (cassette)
jessica rylan: new secret (picture disk 12")
withdrawal method: live at killzone (cassette)

Joe Denardo (Growing)
lo mismo que Kevin más...
GET HUSTLE
BOREDOMS 'Seadrum / House of Sun'
MAMMAL 'Let Me Die' (out soon).

Kevin Doria (Growing)
gang gang dance "gods money"
black dice "broken ear record"
all routes lagos (compilation)
lagos chop up (compilation)
konono number one "congotronics"
orthrelm "ov"
lightning bolt "hypermagic mountain"
mammal "misery"
blood on the wall "awesomer"
pan sonic

Mike Shiflet
01.Joe Colley - Psychic Stress Soundtracks (Antifrost)
02. Hair Police - Constantly Terrified (Troubleman)
03. Bird Show - Green Inferno (Kranky)
04. Sufjan Stevens - Illinois (Asthmatic Kitty)
05. Dead Machines - Futures (Troubleman)
06. Keith Rowe, Otomo Yoshihide, Sachiko M & Toshimaru Nakamura - Erstlive005 (Erstwhile)
07. Nedelle - From the Lion's Mouth (Kill Rock Stars)
08. Times New Viking - Dig Yourself (Siltbreeze)
09. Rafael Toral - Harmonic Series 2 (Headz)
10. Open City - for Chone, We Quit (Thin Wrist)
11. Low - The Great Destroyer (Sub Pop)
12. Magnolia Electric Co. - What Comes After The Blues (Secretly Canadian)
13. Devillock - These Graves (PACrec)
14. Slim Thug - Already Platinum (Geffen)
15. Eyes and Arms of Smoke - Religion of Broken Bones (Cenotaph)
16. Silver Jews - Tanglewood Numbers (Drag City)
17. Kanye West - Late Registration (Rocafella)
18. Hive Mind/Workbench split LP (Chondritic/Heavy Tapes)
19. Astromero - Astromero (P-Tapes/PACrec)
20. Walter Carson & Three-Legged Race - Primitive Ash (Mountaain)

Nemo Bidstrup (Drona Parva, Time-Lag Records)
1) death chants "natural history" cassette (self released)
2) lau nau "kuutarha" lp (locust)
3) damin eih, A.L.K. and brother clark "never mind" reissue lp (orange doubledome)
4) virgin insanity "illusions of the maintenance man" reissue lp (destijl)
5) damon "song of a gypsy" reissue lp (guerssen)
6) beauregard ajax "deaf priscilla" (1968 recordings) lp (shadoks)
7) family underground "familiar places" lp (into the lunar night)
8) GHQ "hea" cdr (arbitrary signs)
9) visitations "untitled" cdr (mang disc)
10) ilyas ahmed "between two skies" cdr (self released)

Pete Nolan (Magik Markers, Shackamaxon, Virgin Eye Blood Brothers, Spectre Folk, The Cops)
mejores doce... déjame pensar... podría no ser totalmente acertado... no les voy a poner un ranking, aquí van con descripciones

let's play wild like wildcats do... Burning Starcore... Hospital Productions.... Creo que éste es el más fuerte y puro ejemplo que he visto de la particular visión de C. Spencer Yeh... el mundo cabe allí... el tipo es un genio a mitad de la pinche Norteamérica... alias la mitad de la nada... benditos sean aquellos que trabajen en oposición....

Mick Flower cdr... self released....... los cds que Mick vendió en la gira son jodidamente excelentes... este tipo es el mejor guitarrista vivo... agudos ragas en retroalimentación.... perfectos... si practico veinte años quizás seré tan bueno como este cuate... otra poderosa y particular visión desde Leeds

Tower Recordings ... Message from the Celestial Explosion.... Holoscanner Consciousness HOLO 1 Number 5....
Este disco es una muy jodida visita a alguna suerte de universo folk a la ra... mi disco favorito de Tower Recordings... pintado con spray dorado... sin sentido... pero perfectamentamente organizado... cuélgalo en el relicario...

Astral Social Club volume 1 - ésto es uno de mis discos de noise favoritos... patrones cerebrales expuestos... bellamente

Henry Flynt Prandit Pran Nath ...purified by the fire... locust ... la primera vez lo escuché en Mordern Tower en Newcastle... los güeyes de Jazzfinger lo tocaron antes de un set e hizo que el cuarto resonara perfectamente... los drones más auténticos y un violín eléctrico... me lleva a los mismos lugares que una visita diurna a la casa de los sueños....

Bridget Hayden... films of ... dvd realmente, un genio psicodélico de nuestros días... te lleva a través de tubos, espejos y estática de t.v. a otro jodido universo...

Heathen Shame... speed the parting guest... twisted village ... este cd suena realmente bien... en el estilo de Metal Machine Music... mi banda favorita de noise... bien hecho... con guitarras y trompetas...

Virgin Insanity... De Stijl... Realmente me gustan estos jams polvosos hechos en Texas... especialmente esa canción acerca de tocar el cielo siempre acaba en mi cabeza... de la misma forma que una verdaderamente agradable mañana soleada....

Alvarius B Blood Operatives Of The Barium Sunset... Abduction ... éste es el más chido de los discos de Al B hasta el momento... producción totalmente lush... buenas canciones....

Big Whiskey... White Tapes.... éste es realmente grandioso... una de las mejores cosas de rock que he escuchado en un buen rato... casero... rock psicodélico ruidoso

Steev Thompson (Roxanne Jean Polise)
queens of the stone age "lullabies to paralyze"
gang gang dance "god's money"
the goslings "between the dead"
magnolia electric co "what comes after the blues"
patrick wolf "wind in the wires"
aarktica "bleeding light"
odd nosdam "burner"
eyes and arms of smoke "birthing timbers"
robedoor "sloths in thrones"
raccoo-oo-oon "the cave of spirits forever"

Steven R. Smith (Thuja, Mirza, Hala Strana)

Lungfish “Feral Hymns”
High on Fire “Blessed Black Wings”
Arvo Part “Lamentate”
Vibracathedral Orchestra “Tuning to the Rooster”
Keijo “Palla, Blown from Here”
Konono No. 1 “Congotronics”
Skygreen Leopards “Jehovah Surrender”
Om “Variations on a Theme
Animal Collective “Feels”
Current 93 “Earth Covers Earth” (LP reissue)

Tovah Olson (Dead Machines, Wooden Wand & the Vanishing Voice)

1. Graveyards - "Monument Centers" LP (American Tapes)
2. Dead Machines and Double Leopards - "Fuck Victoriaville" one-sided LP (American Tapes)
3. Hair Police - "Constantly Terrified" (Troubleman Unlimited)
4. Kronos Quartet and Asha Bhosle - "You've Stolen My Heart: Songs from R.D. Burman's Bollywood" (Nonesuch)
5. Nath Family - "Sounds of the Indian Snake Charmer" LP (Hanson)
6. Sufjan Stevens - "Illinois" (Asthmatic Kitty)
7. Unusable Signal/Failing Lights LP (Gods of Tundra)
8. John Wiese /Dead Machines collab LP "Failing Lights" (Rococo Records)
9. Wooden Wand - "Harem of the Sundrum and The Witness Fig" LP (Time Lag)
10. Wooden Wand and the Vanishing Voice - "The Flood" LP (Tr

Spectre Flux (Black Velvet Fuckere Recordings, s/n, 2005)

Spectre Flux es el proyecto solista de Pete Nolan, sobradamente conocido por su trabajo con Magik Markers, Shackamaxon, Virgin Eye Blood Brothers y muchos más. Y aunque me es inevitable mencionar el currículo, en realidad no es buena idea alimentar tantas premisas con base en lo dicho; 'Spectre Flux' es seriamente diferente de cualquier otra cosa que le haya escuchado a Nolan. Este cassette contiene una serie de jams compilados, cada uno de los cuales es inédito e independiente del resto en todo sentido.
Para comenzar, el sonido varía de pieza en pieza tanto como pueda pensarse, pasando de la electrónica que no se decide a tornarse abiertamente ruidosa de la primera, a su consecuente, que parece una más austera rendición del 'Tunnel of Goats' de Coil, en una larga y monolítica carga de caústicos drones. Incluso en los momentos que Nolan nos deja soñar un poco, como en la tercera pieza, el bajón del órgano que parece tejer un nuevo rumbo es ultimado por el corte abrupto.
El viaje es tal, que para el momento que el cuarto jam entra, ya no queda claro que es lo que se ha estado escuchando; si hay algo que no existe en absoluto en este artefacto es la cuestión genérica. Así,la pléyade de estilos culmina en una mística y larga interpretación de tintes orientales que, ligeramente tocados por una electrónica discreta y super viajada, nos dejan ante el ineludible silencio (bueno más bien el traca-track del cassette) que persiste hasta el final de la cinta.
El track único del lado b ofrece una corta y misteriosa improvisación en teclados con fuertes ecos de algunos de los más bizarros momentos del Ummagumma. En plena euforía psicodélica, la cinta arrastra su contenido magnético y deja en claro por que es el medio exacto para materializar estos estados psicotrópicos, atemporales e idílicos. Y así, con apenas cinco cortes, 'Spectre Flux' culmina.
Si esta nueva creación de 'Spectre Flux'es un indicador, entonces definitivamente hay que echar también un vistazo al sorprendente catálogo de la resurrecta Black Velvet Fuckere. Un gran cassette a escucharse compulsivamente.

Dead Machines

Tras escuchar el famoso 10”que Dead Machines grabaron para Troubleman, ‘Futures’, decidí que no estaba demasiado seriamente interesado en la banda. Así es que dejé pasar varias oportunidades que sonaban tentadoras: un cassette para Fag Tapes, un split con John Wiese y un montón de cosas más las cuales ya ni siquiera quiero mencionar. Y, como sucede siempre, me volví a topar con el trabajo de Dead Machines en algún momento y –sorpresa- quedé muy impresionado.
La música de Dead Machines no se entrega a la norma drone ni a la noise a pesar de que la agrupación tenga su fundación precisamente el epicentro de estas escenas. Mediante una conjugación de elementos que van del abandono a la electrónica intempestiva a la creación de un sonido abierto y ambiental, Dead Machines pueden demostrar con sólo un puñado de sus -decenas de- grabaciones cuán sorprendente es su capacidad de lograr un sonido variado, a veces sencillo, a veces auto condescendiente, a veces totalmente regenerativo.

Plays Tales from the Darkside (American Tapes, AM508, 2005)

Si el primer disco que hubiese escuchado de Dead Machines fuera este cdr, definitivamente las cosas serían diferentes. ‘Tales From the Dark Side’ consiste de cuatro piezas, dos aparentemente “en estudio”, una improvisación en vivo y otra grabación casera para cerrar. Probablemente lo más sorprendente de este cdr sean las dos primeras piezas, sendas improvisaciones atmosféricas a base de portentosos loops de fondo, teclados graves, percusiones aisladas, samples tomados de programas de televisión y amenazantes manipulaciones tanto en efectos sonoros como en los instrumentos de viento. En su mayor parte, ambas piezas evitan el ruidero brutal y se concentran en un sorprendentemente mesurado seguimiento, que raya, por momentos, en lo armónico.
La tercera pieza se aleja un tanto de ese ámbito, lógicamente, y muestra una faceta bastante divertida del dueto, con el carismático John tomándose su tiempo para elaborar un par de chistes y hasta una hilarante narración de extraños eventos relativos a su llegada a Canadá. La pieza se debate entre ser una suerte de drone elaborado o una muy radical versión de free-jazz con Olson en clarinete. En general, la interpretación de la banda es mesmérica y bien llevada y, si acaso, muy hacia el final, puede sentirse un poco suelta. La última pieza es la menos consistente, de hecho, con más variedad sonora, pero también mucha menor consistencia y trabajo. Con todo, sigue eficazmente la misma vertiente y es indudablemente una buena manera de cerrar este excelente trabajo.
Demandante e inquietante, ‘Tales from the Dark Side’ exige que el escucha se tome su tiempo y se deje atrapar por sus ondulantes vaivénes sonoros. Música para oírse con audífonos y viajar.

Before, During and After (American Tapes, AM506, 2005)

De los trabajos recientes de Dead Machines, sin duda ‘Before, During and After’ es el más oscuro e inasible, con la sumamente abrasiva electrónica de Tovah proporcionando un marco seguro y secas variaciones a los ejercicios pulmonares de Olson. Con apenas dos piezas, los Olson ofrecen a los escuchas un trabajo abstracto, amorfo y complejo, pero sobre todo original y abiertamente carente de deudas declaradas.
Los sonidos de ‘Before, During and After’ son una serie de, muchas veces, inconexos destinos musicales. Ocasionales cuerdas de guitarras deformadas y hasta oscilaciones y la representación sonora de movimientos mecánicos –máquinas muertas a fin de cuentas- son desconsideradamente arrastradas minuto a minuto, a veces a partir de un declaradamente furioso duelo entre los recursos de Tovah y John, otras como un simple designio del momento.
En conclusión, este reciente, constante traslado de elementos de proyectos como The Graveyards en la órbita de los otros, más definidos, proyectos de Olson –ni mencionar la colaboración entre Wolf Eyes y Anthony Braxton- está dando, como en este caso, muy buenos resultados. La relativa imposición del formato free jazzero le ha caído decididamente bien a Dead Machines, como puede verse en los sesenta minutos de este sórdido y lúgubre cdr, cuya angustiante falta de definición es adictiva.

Birchville Cat Motel - Beautiful Speck Triumph (Last Visible Dog, LVD053/54, 2004)

El anuncio de la cercana extinción de 'Beautiful Speck Triumph' del catálogo de Last Visible Dog me motivó, hace apenas unos días, a ordenarlo. Desde que escuché la colaboración de su autor, Birchville Cat Motel, a 'Invisible Pyramid', ya estaba convencido que debía conseguir alguno de sus discos, y, qué puedo decir, valió la pena. Desgraciadamente, toparse con un proyecto como éste siempre implica un retroceso terrible, al dejar al descubierto "otro" mundillo oculto en la gran serie de cajas chinas que es el underground. De procedencia neozelandesa, Birchville Cat Motel es el proyecto del multiinstrumentista Campbell Kneale, quien además se encarga de dirigir la fantástica Celebrate Psi Phenomenon en su tierra natal, la cual se ha dedicado, desde mediados de los noventas, a difundir música local independiente a lo largo de todo el mundo.
La música de Birchville Cat Motel se acerca a muchos rubros aunque afortunadamente no cede a dejarse definir fácilmente. El mayor componente es indicutiblemente el drone, formalizado a partir de teclasy cuerdas, y adornado por cuidadosas frases de percusión aleatoria, ruido incidental y feedback. La resultante es una serie de piezas sumamente largas (el disco doble en su extensión total apenas abarca seis piezas) de avances minimales, llenas de belleza, aún cuando ésta sea una belleza tensa, difícil e incluso, en buenas proporciones, atemorizante. 'The Romance of Certain Clothes', por ejemplo, es una monolítica carga de drone etéreo y suave, eventualmente violentada por ocasionales araños en metales, golpes en láminas, gruñidos distantes, jugueteos con micrófonos de contacto y otras disrupciones que dejan lugar, incluso, para un par de musitadas notas de guitarra que intentan ayudar a a dar cauce al profundo túnel sonoro. La impresión general que el álbum dejó en mí es, como después de haber escuchado algo como 'Kill the King' o 'Spiral Insana', 'cómo demonios puede una sola persona hacer TODO esto'. No sólo es Kneale capaz de convocar todos estos elementos y reunirlos, sino que además, al forjarlos, tiene la capacidad intuitiva de hacerlos sublimes y precisos a la manera de otros mágicos drone masters como Pelt u Organum.
Kneale conoce tan bien sus capacidades que de hecho se atreve con una pieza final-manifiesto que redondea todos sus statements sonoros anteriores. Krautrockera, pesada, espacial y mágica, esta 'Beautiful Speck Triumph' rompe con cualquier preconcepción y apunta a los cielos, ahogando la aparente quietud en un furioso mar de retroalimentación.
Sea quien sea el pobre aquel a quien Kneale considere su maestro seguramente tendría una verdadera batalla para superar algo tan logrado y apabullante como lo que Kneale plasmó en este cd doble. Este disco sin duda puede y debe ser degustado por cualquiera con un par de oídos que funcionen. Otra razón, y muy buena por cierto, para vivir. Por cierto, ya lo he dicho y lo repito, luego no se quejen, está a punto de agotarse. (S.S.)

Double Leopards & Dead Machines - Fuck Victoriaville (American Tapes/Heavy Conversation, AM496/HC25, 2005)



Este elusivo split 12” de los titanes Double Leopards y Dead Machines es una de las más logradas colaboraciones que un servidor haya escuchado en años. ‘Fuck Victoriaville’ presenta los sonidos de dos de las bandas más hardcore del underground actual fundiéndose en un coito sonoro perfecto. Del delirio al sopor, los seis músicos que participan en este festín sonoro van uniéndose, soltándose y atacándose desde sus trincheras con ahínco. La tónica tiende más hacia el lado habitual de los leopardos, lleno de drones largos, pesados, subterráneos, pero sazonada con las magníficas contribuciones de los Olson en percusiones e instrumentos de viento, agregando una potencia fantástica al esoterismo de los primeros. Un disco que promete alcanzar el estatus de legendario en breve.

Roxanne Jean Polise – Michi-Gone Again (Chondritic, tba)

Hace unos cuantos meses, Steev Thompson abandonó Michigan para establecerse en Chicago. Para su despedida, preparó la salida de un disco que se llamaría ‘Michi-Gone Again’. Aparentemente el trato con la disquera se vino abajo y el material que comprendería este disco quedó a la deriva. Afortunadamente, Chondritic Sound ha decidido rescatarlo y, con un poco de suerte, el disco verá la luz muy pronto.
‘Michi-Gone Again’ es un material que se ubica en los mismos parajes atemporales y profundos de la mayor parte de la discografía reciente de Roxanne Jean Polise. El marco de la primera parte de la pieza está formado por oscuras oscilaciones electrónicas con apenas ligeras variaciones de amplitud. Las intromisiones de otros sonidos, tales como teclados, guitarras severamente distorsionadas y ¿voces?, son sumamente minuciosas y discretas. El flujo, el movimiento constante de esta primera pieza es muy claramente marcado, lo cual contrasta severamente con la divergente naturaleza de la segunda pieza.
Ésta pudo haber sido arrancada de cualquiera de los trabajos más oscuros de Mirror o Coil. La música aquí es profunda y abismal y revela una vertiginosa sensación de caída interminable. Muy en el fondo pueden distinguirse sonidos más profundos y percusivos, y, muy a diferencia de lo que ocurría en la primera parte del disco, las ocasionales intromisiones, que se quedaban en un segundo plano, aquí terminan haciéndose más y más persistentes, al grado que terminan por definir el rumbo completo del disco. Una violenta erupción, un espasmo electrónico pone fin a la disrupción y el paisaje, oscuro y letárgico, vuelve a sumirse en su ignominiosa paz. Pura poesía pura.

Coil - The Ape of Naples (Threshold House, s/n, 2005)



Si hubo una sombra que no nos pudimos sacudir a lo largo de todo 2005 fue la de la terrible muerte de Jhonn Balance. Indudablemente, fue un trago amargo saber que, tras el terrible deceso, Coil ya no volvería a producir más música; en voz del propio Sleazy: ‘Coil era Balance y Balance era Coil‘. Con todo, muchos cruzábamos los dedos ante la posibilidad de que algo del fragmentario e inacabado material de las legendarias sesiones de grabación de Coil viese la luz pronto. Recibir este ‘Ape of Naples’, tras una tan relativamente corta ausencia, fue una gran sorpresa.
De acuerdo con reportes, Peter ‘Sleazy’ Christopherson trabajó durante casi todo el año para poder armar el primer registro post-mortem del trabajo que proyectaba finalizar con su amante y compañero. Así, ‘The Ape of Naples’ sale a la venta hace apenas unos cuantos días desde la ya casi inactiva Threshold House. Y sin tener que escuchar mucho de éste, es fácil predecir que será un disco indudablemente polémico.
‘Fire of the Mind’ es una de esas funéreas piezas heredadas de Nico que Coil sabían hacer tan bien. Con fuerte carga en los órganos pesados y graves, la canción parece una reelaboración del ‘Janitor of Lunacy’ de la alemana; asimismo, es inescapable lo autoreferencial de la pieza, formulada a partir de la constante repetición del mántrico ’Man Is the Animal’ que viene persiguiendo a Coil desde hace ya algunos ayéres. ‘The Last Amethyst Deceiver’, como su nombre lo indica, es probablemente la última, que no la definitiva, versión del clásico de la última etapa de la banda. Ésta, que debe ser la décima versión que puedo contar, incluyendo las versiones en vivo, falla en el intento de agregar un nuevo elemento a las previas. El fondo sigue siendo el mismo, la voz de Balance, aún cuando un tanto más definida, persiste en sus líneas y la melodía apenas goza de un par de cambios en cuanto a la interpretación y la instrumentación. Dado el furor con que insistían en incluir la pieza en sus últimas grabaciones desde su creación en 1998, sonaba natural que una versión de la misma fuese incluida en el primer disco póstumo.
‘Tattooed Man’ es una de las piezas más sobresalientes del disco. En ella, Coil puede escucharse en un humor a la Tom Waits, conjurando el ambiente cabaretesco y las visiones tras copas y humo de bares al alba de la misma forma torcida que ’Love’s Secret Domain’ lo hizo hace ya algún tiempo. Prestando atención a la letra, es posible reconocer al demonio que persiguió a Balance susurrarle al oído, nuevamente, añoranzas por su propia muerte (There’s a man lying down/in a grave somewhere/with the same tattoos as me/and I love him). Cómo podría suponerse, escuchar los ebrios soliloquios de Balance a la muerte tras los sucesos de 2004 es cuando menos sobrecogedor.
‘Triple Sun’ rescata nuevamente material de discos anteriores con breves variaciones. ‘It’s in my Blood’ muestra a Balance en su temperamento más violento, haciendo chocar mantras y balbuceos contra la electrónica post-industrial de Sleazy en un ambiente muy a la Horse Rotorvator, aunque bastante más delirante. ‘I Don’t Get It’ cae en la misma lìnea sin mucha distancia. Por momentos, esta pieza se llega a sentir concisa, pero, en su mayor parte, se escucha rota, incompleta, distante. Valdría la pena revisar de que época data este track, definitivamente.
‘Heaven’s Blade’ es otra pieza original que se siente un tanto vieja, mayormente gracias a las secuencias rítmicas electrosas, las cuales recuerdan fuertemente a las que predominaban en el trabajo noventero de la banda. ‘Cold Cell’ suena un tanto más reciente con sonidos oscuros y fluidos enmarcándole, de nuevo, esta canción fue rescatada de algún oscuro rincón, habiendo sido previamente presentada en una mucho más conmovedora y compleja versión en ‘Live Three’. Asimismo, ‘Teenage Lightning 2005’ retoma el clásico original de ’Love’s Secret Domain’ sin agregar mucho a la bizarra pieza original.
’Amber Rain’, otra de las pocas piezas originales, es, de nuevo, otra de las poco agraciadas. En definitiva, aquí se siente la falta de acuerdo entre ambas partes, con una letra que difícilmente sigue la música y una participación instrumental que no puede redondear la voz, tras lo cual, el disco vuelve a recurrir a antiguas y más seguras estancias -‘Going Up’.
La mayor parte del material que compone ‘The Ape of Naples’ fue previamente grabado y empleado en anteriores ofertas de la banda. Por momentos, los diversos materiales que forman ’The Ape of Naples’ parecen querer hacer coincidir sus registros. Sin embargo, en la mayor parte de los casos, la capacidad de reunirlos se queda corta y la ausencia se hace más presente que el fantasma de Balance; su guía, su dirección, su carisma y hasta su incompetencia hacen falta en este disco.
Sí, es Coil. Y también es un buen disco. Pero no es el disco definitivo de Coil en estudio ni mucho menos. Quizás hubiese sido pertinente esperar un poco más, trabajar el material un poco más. Creo que las últimas palabras de Coil debían haber tenido más peso.

Hum of the Druid – Societal (SNSE, SNSE71, 2005)

Hum of the Druid han sido sin duda uno de los proyectos más asequibles este año, ofreciendo una serie de individualistas producciones en ediciones limitadas que han sacudido al underground en muchos niveles. Quizás una de las razones por las cuales Hum of the Druid hayan encontrado tan buena aceptación radique en el hecho de que no aluden nunca a un género específico. Claro, la mayor parte de la gente podría argumentar que la música del proyecto es primordialmente noise, pero el hecho de que todos los ambientes que Eric Stonefelt recrea en sus grabaciones sean generados a partir de una óptica tan intensamente individual hace que trabajos como ‘Wall of Arms’ sean más fácilmente entendidos como paisajes sonoros que como ensanchamientos de una rúbrica genérica.
Apenas para cerrar este fabuloso año, Stonefelt tiene a bien editar un nuevo y fulgurante disco para SNSE en bellísimo formato de lp, por cierto, en réplica de los característicos digipacks que presentan a las más de sus creaciones. Las impresiones, con el característico arte del mismo Eric, son lujosas y perfectamente adecuadas; sin más, la portada de este fantástico ‘Societal’ es muy probablemente la mejor que ha aparecido en el año.
Como podría esperarse, el material sonoro de ‘Societal’ es un vasto vistazo en un paraje lleno de desoladoras villas apocalípticas con la alta tensión de cables vivos sacudiéndose y dando apenas espacio para las pesadas, difíciles atmósferas agitándose en el fondo. ‘Sores’ es muestra de ambos extremos, con sus límpidas descargas de estática amenazando con provocarle un derrame cerebral al escucha al tiempo que teclados van abriendo el tiempo por fuerzas forzando a la pieza a, abruptamente, aterrizar.
‘The Arms Never Sleep’ recoge esa sustancia mágica que hizo del ‘Soliloquy for Lilith’ un clásico de proporciones místicas, para dejarse atrapar por la presencia agobiante de drones largos y amenazantes brotando y llenando el espacio mismo. En corto, la pieza se ha convertido en una asfixiante máquina con los zumbidos y los crujidos del más hostil y frío industrial.
Sin duda, un gran acierto de SNSE editar algo de material de Hum of the Druid en oscuro chapopote. De lo mejor del año, apenas tirado en una raquítica edición de 291 copias y que además promete llegar a convertirse en un objeto legendario, a correr por él.

Painting Petals on Planet Ghost – Haru (Time-Lag Records, Time-Lag 30, 2005)

Uno más de los proyectos de los prolíficos hermanos Opalio, Painting Petals on Planet Ghost es un ensamble compuesto sobre todo por Roberto Opalio y Ramona Panzini, con la ayuda provisional de Maurizio. Ocupando todo tipo de instrumentos, la agrupación genera fantásticos juegos de atmósferas y armonías, sobre todo, gracias a la fantástica y evocativa voz de Panzini, cantando o recitando poemas en japonés.
Las piezas que integran este lp son a su vez tan tangibles como si se estuviese junto a la banda, y etéreas y fantasmales como si fuesen ecos de un profundo, místico bosque. La convicción y el cuidado con el cual las piezas son interpretadas es otro aliciente, con los hermanos Opalio produciendo música detallada y expresiva hasta la última nota.
Editado por la gloriosa Time-Lag en dos ediciones, una especial limitada a cien copias y otra normal limitada a ochocientas, ‘Haru’ es un disco perfectamente redondeado y estilizado, en el cual, la expectativa que provoca el silencio tiene tanto que ofrecer como el más abrumador gong. Otro asombroso artefacto para cerrar el año.

Steven R. Smith – Kohl (Emperor Jones, s/n, 2005)

¿Es posible que exista algo más glorioso que un cd de Steven R. Smith? Pues por supuesto, un lp de Steven R. Smith. ‘Kohl’, editado originalmente por Jewelled Antler en 2002 acaba de ser reeditado por Emperor Jones en un perfecto acetato con cubiertas en serigrafía, insert y un también perfecto booklet en papel revolución con souvenirs naturales. Cada una de las piezas, de hecho, están representadas por una de las imágenes u objetos que ilustran este folletín; una suerte de labor antropológica se atisba por momentos, como en el caso de ‘Kohl’ en donde la guitarra de Smith se entrelaza con un cantar de tintes tradicionales
Casi todo ‘Kohl’ se trata de Smith sacándole filo a sus guitarras con una soltura que se siente incluso superior a la del casi perfecto y más reciente ‘Crown of Marches’. La fluidez, el instinto, el arraigo sentimental, por momentos, son simplemente abrumadores. La pieza que da título al álbum por ejemplo, es una maraña de fibras, un corazón arrancado y entregado al sol. Otras piezas son explosiones de colores de campiñas a toda velocidad (‘Tent Pegging’) o perfectos ecos de lugares desparecidos hace mucho (‘Barkane’).
‘Divide y vencerás’ dice el dicho y es cierto. Las cualidades expresivas de las piezas de Smith se ven claramente potenciadas gracias a la división temática. Las referencias a imágenes son perfectas y claras, la intenciaón de su autor parecer ser, sobre todo, comunicarlas desde una óptica distinta. Smith definitivamente debió haber sido pintor. Pero afortunadamente no lo fue.

Dead Machines – Live With The Way Out Band (PTapes, 2005)

En ‘Live with the Way Out Band’, Dead Machines ofrece una jam en cuatro partes de su electrónica sucia y rítmica. Una vez más, los sonidos grises y ríspidos de las máquinas muertas vuelven a recordarnos a los más primales jams de Throbbing Gristle y SPK. En cuatro breves muestras, Dead Machines ponen de manifiesto los límites de la erosión acústica. La constancia rítmica no son sino las espasmódicas convulsiones de animales eléctricos en una jungla de estática y herrumbre sonora. La última pieza, la más sorprendente, presenta una jam entre la electrónica, a cargo de Tovah Olson, y el sax de John en una guerra de ambientes y estática. La edición de P Tapes, por supuesto, tampoco tiene desperdicio, con su austero empaque y sus fundas réplica de lps. ‘Live with the Way Out Band’ es violenta e intensa malformación sonora que inunda, hasta el último momento, todo el lugar.

Giggle the Ozone/Roxanne Jean Polise (Brise-Cul Records, s/n, 2005)

Giggle the Ozone es uno de los más excéntricos artistas en el ya de por si excéntrico catálogo de X Died Enroute Y Records. Se trata de un cuate llamado Dylan Sparrow, quien se dedica a componer sus canciones –no puedo dejar de sentirme incómodo utilizando el término, por si alguien pregunta- a partir de un piano que pelea con una batería, una caja de ritmos, grabaciones sacadas de la televisión (¡los pequeños Muppets en español en ‘Eco Vibe’!) y la desquiciada voz del mismo Sparrow gritando a más no poder. El resultado es igualmente devastador. Por ejemplo, ‘Global Groove’ yace en un campo indefinible entre Boredoms, Captain Beefheart y Screaming Jay Hawkins, pasando de una aparente apertura glam a súbitas entonaciones blueseras y cayendo en el violento frenesí del hardcore. En ‘RUV Radio’, Sparrow incluso echa mano de una grabación para su propia contestadora telefónica a manera de despedida. Su discurso no tiene desperdicio, por supuesto, pero su última línea, ‘mantain a safe flight’ parece ser la de mayor sentido.
Y para hacerlo todo más ambiguo aún, después de las cinco abruptas y coléricas incursiones de Giggle the Ozone en este breve split, nos encontramos con los profundos drones de Roxanne Jean Polise en un track llamado ‘Thank You Cloud, Fuck You Deerfly’. De mucha menor capacidad en cuanto a su producción imaginativa física –un poco menos visual que la mayor parte de su trabajo reciente, digamos-, esta pieza ofrece una primera parte relajada y abierta, cuya relativa calma se ve coartada tras la incursión de frecuencias más extremas hacia el final de la pieza. El final, abrasivo, terroso, es una suerte de paisaje erosionado similar a los de Hum of the Druid, si acaso, un tanto menos seco y con más ecos musicales. El único problema es que la pieza, apenas pasando de los diez minutos, difícilmente tiene tiempo de arrancar y de aterrizar. Los cambios de atmósferas se sienten un poco forzados por la cuestión del tiempo limitado y el final es tristemente tajante, no como los dramáticos, longitudinarios e impredecibles finales a los que nos ha acostumbrado Thompson.
La presentación es sencillamente genial. Una tarjeta de invitación impresa inserta en un sobre que apenas dice los nombres de las bandas y de la disquera Brise-Cul Records. La tarjeta está impresa con dos fantásticas y torcidas imágenes salidas de la mente del creador de Giggle the Ozone y el 3”cdr está inserto en una fundita pegada a la tarjeta.
Éste es sin duda uno de los splits más contrastantes que yo haya escuchado jamás. En sus apenas 20 minutos de duración, estas dos bandas tienen todo para poner al cuarto de cabeza y para hacer sentir a tus vecinos muy ansiosos. Realmente no puedo dejar de pensar, ¿qué demonios haría Giggle the Ozone’ con setenta minutos libres para el solito?

Heterophobic Officers (White Rose, wrn-112, 2005)

Heterophobic Officers crean música a partir de pulsos deformados, loops y ritmos incidentales. Como podría esperarse los resultados son seriamente difíciles de definir. La primera parte de la primera, monolítica pieza de este cdr es bastante elusiva, con los Officers decidiendo no definir el rumbo de su grabación y ofreciendo a su vez ritmos torcidos y fragmentos melódicos bastante difíciles de seguir. La segunda parte deja las medias tintas de forma directa, volcando todo el contenido en una violenta carga de estática a gran velocidad y haciendo de una pieza que era originalmente bastante misteriosa y peculiar algo más bien convencional.
Esta mala decisión es decididamente evitada en la segunda pieza, en la cual el ritmo permanece abstracto y diferente gracias a sus constantes cambios. En esta pieza final, por momentos, los Heterophobic Officers llegan a alturas hipnóticas de drones pesados y herrumbrosos para, tras unos instantes, volverse a dejar ir sobre los pulsos ultrajados. Esta pieza posee, asimismo, cualidades bastante alucinantes gracias a su cuidadosa selección de sonidos, con frecuencias cargadas de estática, atmósferas repletas de reverberación y zumbidos agonizantes pululando e intercalándose en el espacio de la grabación.
Este cdr de Heterophobic Officers es excepcional, a la manera de algunos de los trabajos de Hum of the Druid, en cuanto a que se echa mano muy insistentemente de elementos propios del noise sin querer definir a la música como tal. Lo arbitrario está presente sin duda; pero arriba de ello se puede ver una mano diseñando y dando cauce a los sonidos de manera clara y ensimismada.

Música para soñar: Entrevista con Steev Thompson de Roxanne Jean Polise

Steev Thompson es mejor conocido por su rol como artífice de la máquina de sueños que es Roxanne Jean Polise. Bajo este sobrenombre, ha sido responsable directo de algunas de las mejores entregas aurales que se han producido durante este año. Pero el que su música apenas vaya dándose a conocer más ampliamente no implica que Steev sea un novato en estas cuestiones. Thompson, de hecho, ya lleva varios años grabando placas sonoras que podrían insertarse en prácticamente cualquier género musical anómalo.
Su primer proyecto, llamado Athenian Mercury, junto a su amigo Chris Peebles, se remonta a 2002. El grupo fue, de acuerdo con el mismo Thompson, “un proyecto bastante duro, pero con mucha variedad, como con instrumentación rota. Picos y valles... no sólo puro martilleo.” Tras grabar casi una decena de discos en diversos formatos, Athenian Mercury se separa. Chris comienza a trabajar en su propio proyecto, Eat Your Makeup, y Thompson a dar forma a varios de sus muchos proyectos, entre los cuales, quizás uno de los más importantes sea el de la disquera X Died Enroute Y Records.
“Comencé X Died Enroute Y Records en marzo de 2003 como una manera de editar nuestras grabaciones y las de nuestros amigos de manera relativamente legítima. Poco me imaginaba, apenas internándome en la escena noise, que otras 47384737945734 compañías ‘diy’ ya existían en ese momento.”En X Died Enroute Y, Thompson comienza a trabajar en varios proyectos propios bastante esporádicos, como Oighsoi, Solder Teenage Daughter y My Game of Loving, así como una serie de colaboraciones. Para principios de 2005, X Died Enroute Y Records ya se encuentra en plena forma, editando más de media centena de discos de una sensacional gama de actos locales. Bandas con cierto culto, como Scissor Shock o Ruinhorse, editan algunos de sus discos allí. Sin embargo, el alcance de la disquera de Thompson parece no haber dejado de ser local sino hasta fechas recientes, en que bandas como Sick Llama, Anthony Milton o D Yellow Swans comienzan a publicar discos en ella. Con tantas buenas bandas alrededor resulta muy difícil comprender esta tajante cerrazón.
Al respecto, Steev comenta que, hace algunos años, no estaba demasiado informado acerca de lo que pasaba a su alrededor: “Chris era el que se mantenía informado y que estaba en todo. Yo era el chavo tímido que vivía en las afueras y realmente no le prestaba atención a ni madres.” Esta actitud resulta curiosa, tomando en cuenta que ya tenía algunos años dedicándose a producir música independiente en su hogar en Michigan, cuna desde finales de los noventas de una escena subterránea que, prácticamente sin difusión alguna, ha sacudido al mundo. Steev comenta que al comenzar sus proyectos “en Michigan ya había una escena bastante grande de la cual yo realmente no sabía.”
El descubrimiento, como para casi toda la gente que se ha topado con esta escena, tuvo tintes epifánicos: ‘Simplemente observé lo que todos estaban haciendo y eso abrió mi mente a muchas cosas nuevas. Ver a todo mundo poner las cosas en marcha por sí mismos, en cuanto a su propio sonido, producciones, conciertos, etcétera, es bastante inspirador siendo que antes ignoraras que todo aquello sucediera.’
Después de un tiempo, Thompson no sólo compartía locación, sino además medios con la escena de Michigan, aunque no necesariamente raíces ni sonido. En fechas recientes es común ver discos de Roxanne Jean Polise circular en disqueras tan variadas como Audiobot, Knife in the Toaster, Apop o Chondritic.
En el presente, Steev se encuentra viviendo en Chicago, lugar al que emigró hace apenas un par de meses. Desde allí sigue manejando su disquera al tiempo que pone en marcha sus muchos proyectos, de los cuales, sin duda, sobresale el intenso y prolífico Roxanne Jean Polise.

Dream Music
Al escuchar algunos de los más recientes trabajos de Steev bajo el alias de Roxanne Jean Polise, su proyecto principal, se entra en contacto con música de naturaleza sumamente divergente al de las más de las bandas de Michigan. La música reciente de Roxanne Jean Polise es de inspiración material, plenamente evocativa y llena de imágenes, cuyas raíces son sobre todo ‘experiencias, pensamientos extraños al azar, imágenes, sonidos incidentales, sueños, parálisis durante el sueño y epilepsia’.

¿Cómo es que los males que mencionas influyen en tu trabajo? ¿Es posible verlos representados en tu música? ‘Es difícil describirlo... Después de tener un ataque (de epilepsia), vives en una neblina absoluta por las siguientes dos o tres semanas. Eso podría explicar por qué mi música suena distante y nebulosa.’
‘Con la parálisis durante el sueño... uno se encuentra bastante consciente, pero no te puedes mover. Tiendes a alucinar porque aún estás en un estado parcial de sueño. Es algo realmente jodido y confuso... aunque bastante sorprendente también a veces. El hecho de no poderte mover o hablar o hacer nada puede hacerte sentir extremadamente ansioso y atemorizado. Algo de mi trabajo refleja esa sensación.’
Y no es exageración. Esa sensación de claustrofobia y horror se vuelve inmediatamente verosímil ante las experiencias sonoras ofrecidas en producciones como ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ y ‘Changing the Light Patterns of the Underwater Forest 1 &2’. Pero no todo es pesadilla y parálisis en el mundo de Roxanne Jean Polise. En muchas de sus grabaciones se encuentra latente una sensación de taciturnidad y profundidad características del ensueño, de ese momento intermedio presente entre la realidad y el reino de Morfeo. Es claro que el factor inconsciente pesa muy, muy fuerte sobre la obra de Thompson, y, además, que el balance entre ambos lados del espectro es a veces demasiado frágil.
La música de Roxanne Jean Polise es música en tensión constante por su angustiante falta de polaridad. Esta ambigüedad le ofrece un carácter de androginia patente a su música, una fascinante falta de definición. La música capturada en los trabajos de Thompson no es ni calma ni brutal y mucho menos parece ajustarse a la cuestión genérica. Precisamente, la tensión entre estados y géneros parece ser lo que ofrece mayor novedad con respecto a ella.

A mi parecer, ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ es el disco que mejor balancea el sonido material, acuático de tu trabajo con tu lado más ruidoso y violento. ¿Posee tu trabajo una naturaleza ambigua?
“Estoy de acuerdo. Me siento muy orgulloso de ese álbum y parece ser que ha sido el mejor recibido por la crítica de todos. Creo que si fuese a mostrarle a alguien lo que hago, ése sería el disco que le sugeriría (escuchar). Espero poder volverlo a poner en circulación en algún momento."
¿Cuál de tus discos crees que esté más polarizado, es decir, que posea un sonido más fuertemente delineado?
"En cuanto a cuál es el (álbum) más polarizado, probablemente lo sean los dos volúmenes de ‘Changing the Light Patterns of the Underwater Forest’. Ambos permanecen bastante en el fondo del espectro ensoñado, húmedo y acuoso de las cosas -aunque intenté hacerlos un poco diferentes… el primero, para Chondritic, es realmente oscuro y el segundo, para Russolo, suena más ligero. Eventualmente pondré a la venta una tercera parte que esté en la misma vena, pero ligero y que suene bonito… como si se pasara lentamente de noche a día a través de tres discos.”
¿Cuáles son tus influencias principales en cuanto a música?
“My Bloody Valentine, Nurse With Wound, Glenn Branca, White Noise, Black Cat #13, Slowdive, SPK, Stars of the Lid.”
¿Clasificarías tu música como noise o drone –ambient quizás? ¿Consideras que exista algún término que pueda definir tu música?
”Creo que podrías decir que mi música tiene elementos de todos esos géneros en sí. Pero no creo que se me pueda encasillar en ninguno de ellos –claro que a todo artista le gusta pensar eso. Yo llamaría a muchos de mis trabajos ‘dream music’ (música de sueños). (La música) es realmente nublada y nebulosa y suena como suena la música en los sueños... puede ser bella o sucia, llena de sonidos oscuros -tiene esa vibra distante y nublada. ¿Cómo catalogarías mi música?”
Nunca pondría una etiqueta a tu música, pero tus discos parecen balancear muy bien elementos de los tres géneros que mencioné. De hecho, la definición que ofreciste (‘dream music’) me parece muy adecuada. Quizás podría decirse que algunos discos de bandas como Mirror, Organum e incluso Nurse With Wound comparten esa misma cualidad surreal, profunda.
“Si, creo que (el término)‘dream music’se ajusta a la mayor parte de mi trabajo bastante bien, de cualquier modo, también tengo algunos álbumes bastante abrasivos...
Nurse With Wound probablemente sea una de mis mayores influencias... sólo piensa en aquel mundo torcido al que eres arrojado al escuchar sus discos. Además, realmente admiro cómo (Steven) Stapleton mantiene su trabajo variado disco tras disco. Muchos artistas no prueban cosas nuevas lo suficiente y creo que evolucionar y ramificarse en nuevos sonidos es muy importante. (Stapleton) mantiene una vibra característica de Nurse With Wound en cada álbum y, aún así, todos son muy diferentes. Creo que yo intento y hago algo de eso, sin embargo, no me molestaría hacer un disco que realmente saque de onda a la gente. Iba a hacer un álbum colaborativo con un cuate que hace synth-fuzz, pero aparentemente ya no se hizo. Ésa pudo haber sido una muy interesante mezcla de estilos. Con un poco de suerte quizás se pueda dar luego.”
La música de sueños reposando en los discos de Roxanne Jean Polise es todo menos idílica. Al escucharla, uno tiene la doble impresión de estar presenciando algo que es a su vez en extremo bello y sórdido, atemorizante. La música de Roxanne Jean Polise revela un lado oscuro y primitivo fluctuando constantemente en las pulsiones artísticas de Thompson.

¿Cómo percibes tu propia música?
‘Mi música, en mayor medida, es una extensión aural de mí mismo. Sea lo que sea que esté experimentando o sintiendo, (mi música) es la banda sonora registrada para encuadrarle. Puedo escuchar algunas de mis canciones viejas y éstas activarán en mi mente emociones y sensaciones que estaba sintiendo al momento de grabarlas. En lo que respecta a los sueños, muchas de mis piezas son bandas sonoras para ciertos sueños que siento que encajarían perfectamente en ese sueño o pensamiento’.
¿Podrías comentar algo con respecto a tu discografía?
“He hecho demasiada mierda (risas). El hecho de ser algo introvertido y haber estado desempleado por un periodo de tiempo relativamente largo ayudó. Todo lo que quise hacer por meses fue sólo estar sentado en mi cuarto grabando.”
¿Cuáles de tus discos podrías decir que son cruciales para entender tu trabajo?
“Probablemente ‘Projecting the Universe...’, ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’, ‘Changing Ligh Patterns of the Underwater Forest 1 & 2’ y ‘Thought Pattern Not Well Worn’. También definitivamente la caja para Audiobot cuando salga. Cinco discos con todo tipo de cosas que te harán sentir completamente harto de mí, incluyendo un par de los álbumes que acabo de mencionar.”

El músico tras el experimentalistaLos sonidos de muchas de las producciones de Roxanne Jean Polise parecen contener tanto elementos compositivos, como aleatorios. Sin embargo, la sensación de complitud y redondeo que su música ofrece debe obedecer a una idea y una meta claras. En cuanto a si su música es composición, improvisación, o ambas, Thompson aclara que ‘muchos de mis trabajos son ambas cosas. Algunas partes pueden estar compuestas de muchos fragmentos compuestos diferentes, otras tantas pueden ser sesiones de ‘jam’ completamente improvisadas.’
El elemento del azar, situaciones como los sonidos incidentales, ¿cómo afectan tu trabajo?
‘Los sonidos incidentales me hacen pensar en la capacidad al completo de un sonido si fuese arreglado o mezclado con otros sonidos –transformar sonidos no musicales en algo más musical. Creo que se me clasifica como un tipo ‘noise’ o experimental, pero sigo pensando musicalmente.’
Precisamente en cuanto a la cuestión musical, las raíces musicales de Steve parecen centrarse en la guitarra. Entre toda la densidad y bruma, por momentos es aún posible observar las notas del instrumento paseando por los oscuros paisajes de sus proyectos.

¿Qué fue lo que te llevó de ser un guitarrista a volverte un músico experimental?
‘Evolución natural. Después de cierto tiempo, todo mundo se cansa de una cosa y comienza algo nuevo. Entre más descubría, más eran las cosas que quería intentar y crear. Tan solo la cuestión de “cómo sonaría esto si combinara estos instrumentos.”
Aún hay un chingo de cosas que me gustaría incorporar a mi música, sólo que no tengo el dinero o los medios para conseguirlos.’
¿Has considerado hacer música para películas o algún otro tipo de performances?
“¡Si! Iba a comenzar a estudiar para dedicarme a eso pero no pude seguir. Lo haré cuando pueda costearlo. Supuestamente, debía musicalizar una película de horror que se estaba filmando en los alrededores de Chicago pero perdí contacto con el cuate que estaba moviendo toda la cosa. Mucha de mi música es accionada por imágenes y escenas extrañas que llegan a mi cabeza, así es que hacer que escenas e imágenes raras de una película produzcan música en mi cabeza sería realmente genial.”
Recientemente te mudaste a Chicago, ¿cómo te ha afectado hasta el momento?
“Mi cerebro está congelado. En definitiva no estoy acostumbrado a estar aquí. La mayor parte del tiempo me siento muy ansioso y deprimido así es que estoy teniendo problemas para sentirme motivado, aunque estoy comenzando a hacer cosas de nuevo. El hecho de vivir en un departamento pequeño con otras dos personas tampoco ayuda. Es muy difícil encontrar el tiempo necesario para grabar sin fastidiar a alguien más. Necesito conseguirme un buen sótano por allí.”
¿Es posible para ti sobrevivir siendo un artista underground?
“Por supuesto que para mí no, pero conozco gente que lo hace y me parece fantástico que sea posible.”
¿Por qué producir tantos discos distintos en números tan reducidos?
“Constantemente grabo y evoluciono, así es que edito muchas cosas. Las variables son cuántas copias se hacen, la demanda, abastecimiento, dinero, etc. Es difícil hacer ediciones de unos cuantos cientos de cada título cuando no tienes ni el tiempo ni el dinero para hacerlo, sobre todo si no hay siempre mucha demanda –viene y va. Si realmente algo me gusta mucho, intentaré como sea posible mantenerlo editado.”
¿Cuáles son tus planes para el futuro inmediato -proyectos de estudio, tocadas en vivo, proyectos a lanzar en tu disquera?
“En cuanto a mis cosas, un split en 12” con Hive Mind que sale a la venta este invierno, un 3” para Apop en diciembre, el box-set para Audiobot para antes de navidad, y otra caja super-limitada para Knife in the Toaster. Probablemente algunas otras cosas que en este momento no puedo recordar.
Tocadas... no por el momento. He tenido ofertas, pero desgraciadamente todas han sido por lo menos a tres horas de camino de aquí y estoy muy pinche jodido para hacer cada uno de los viajes. Uno pensaría que hay cosas chidas ocurriendo en Chicago, ¿no?Para XDEY, ¡Un montón de cosas fregonas! Cdrs de Knife City, Quilts, PBK, Evening, De Fenestra y 3” de 7/13 (Moons), D Yellow Swans, Dream Things, Lapdancer, Robedoor y más cosas, muy probablemente, puesto que siempre estoy fastidiando a la gente para que me pase sus discos.”

Uno podría llegar a darse una idea muy equivocada con respecto a X Died Enroute Y Records si se le juzgase exclusivamente tras sólo escuchar un par de las grabaciones que tiene en su catálogo. La disquera de Thompson es otro aspecto muy importante de su trabajo, la cual refleja en mucho su interés por la música de otros artistas y por la gama sonora que se produce en el subsuelo. La variedad es impactante. De los alucinantes y retorcidos cánticos superpuestos de Giggle the Ozone, al divertido metal industrial de Ruinhorse, pasando por el sensacional folk cargado de loops de Our Brother Native y la abierta ofensiva aural de Nkondi, no es difícil apreciar como X Died Enroute Y es más propositiva que muchas otras disqueras en la tradición del cdr.

Como jefe de tu propia disquera, ¿qué requisitos tiene un artista que cumplir para que pueda sacar algo en X Died Enroute Y Records?
“Me tiene que gustar mucho. El artista no debe ser un huesero. Lo que más me agrada es que (los artistas) tengan una vibra propia e ideas y que no sólo estén intentando sacarle varo al sonido de moda.”
¿Qué disco de un artista que hayas publicado en X Died Enroute Y Records con quien no hayas colaborado te ha hecho sentir más orgulloso?
“Giggle the Ozone es encabronadamente bueno. El tipo es un jodido genio loco. También Ruinhorse, definitivamente. Me gustaría que esos tipos ya dejaran de cogerse a sus hermanas y que empezaran a cogerse uno a otro y que hicieran otro fantástico álbum. Definitivamente, más gente debería escuchar los discos de esos cuates que he sacado.”
Con las nuevas tecnologías, los artistas independientes han prácticamente eliminado al intermediario. Esta situación ha tenido buenas y malas consecuencias en definitiva tanto para los artistas como para el público. ¿Cuál es tu opinión al respecto?
“Es genial porque es tan sencillo llevar tu trabajo a la gente. Sólo tienes que ponerte a trabajar y ser creativo con el paquete completo para que se te pueda separar de los otros tantos cdrs en estuches delgados y arte mal impreso. Ese es el problema con los cdrs, cualquiera puede producir algo, así que mucha gente se ha vuelto más escéptica y no dan un segundo vistazo a las cosas porque piensan que podría ser basura convencional. ¡Quizás lo sea!”
¿Qué estarías haciendo de no ser por esta situación?
“¡Siempre puedes usar cassettes! Probablemente me estaría quebrando el culo enviándole demos a toda compañía disquera de la cual pudiera conseguir la dirección.”
Para finalizar, estás por estrenar una caja de cinco discos en Audiobot, ¿qué incluirá?
“Demasiadas cosas. Carlo me convenció de hacerla hace un par de meses, así es que intenté hacerla tan bien y variada como fuera posible. Contiene toneladas de cosas descatalogadas y super limitadas, como lathes viejos, splits, tracks para recopilaciones, un montón de material que jamás fue publicado por una u otra razón y un disco de grabaciones en vivo de nueve o diez shows distintos. Probablemente sea el mejor lugar para comenzar si no has escuchado nada mío. O Soulseek. Lo que sea que prefieras.”

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Discografía Selecta Roxanne Jean Polise:
Una alucinación, una profunda pesadilla de la cual parece por momentos has podido despertar y en realidad nunca lo haces, una caja china, un malestar que ha parecido eterno hacia el final de la noche, eso es ‘Changing Light Patterns of the Underwater Forest’. En apenas poco menos de veinte minutos, Roxanne Jean Polise recrea en este 3”cdr un ambiente portentoso cubierto de pesadas y lentas oscilaciones que pretenden –muy afortunadamente por cierto- fungir como las voces de las aguas oscuras moviéndose entre las corrientes subterráneas y abismales del mundo. Thompson logró preservar la ilusión gracias a la discreta inserción de elementos que realiza. En vez de embotar todo el espectro con frecuencias de todo tipo, cada uno de los instantes del paisaje acuático está adornado y enfatizado por breves detalles.

La segunda parte de ‘Changing the Light Patterns of the Underwater Forest’ rescata la idea de su antecesora aunque confiriendo sensaciones menos intensas. La composición, tanto más abierta, emplea sonidos que reflejan más lunas acuáticas y corrientes que abismos y aguas estancadas. Ésta es una obra con un espíritu vital muy fuerte e igual de poderosa que la primera parte.






A pesar de tener su carga ambiental bastante presente, ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ se aleja de la mera representación material para crear música llena de sustancia y ecos sobre una atmósfera surreal y ensoñada. Durante algún tiempo, la pieza se centra en profundos cristales sonoros reminiscentes de cantos infantiles, cajas de música, espectros maternales. Luego, todo se vuelve lucha. Las frecuencias noiseras entran a combatir con las ambientales y el caos se apodera de la pieza, que se transforma, abruptamente, en un sueño torcido repleto de visiones deformadas. Tras algunos minutos de escucharle, queda claro que ‘Leave Your Wet Brain in the Hot Sun’ es un sube-y-baja emocional, que recurre a la calma, a la introspección, a la catarsis y a la regresión en imágenes sonoras poderosas y constantemente cambiantes. Sin duda una experiencia muy intensa, este cdr para Audiobot es uno de los trabajos más balanceados y completos de la escena reciente.

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Discografía Selecta X Died Enroute Y Records:

Scissor Shock – How To Make a Scream Queen Cream (X Died Enroute Y Records, XDER53, 2005)


Scissor Shock es un esquizofrénico proyecto sonoro que combina elementos de experimentalismo, noise, rock ácido y hasta garage rock con manipulación de cintas y grabaciones encontradas. Muy al estilo de algunos de los momentos más dedicados a los collages sonoros de Nurse With Wound, Scissor Shock ofrece música que no es ni pedante ni artsy-fartsy, sino declaradamente campy, inexpresiva y, sobre todo, absolutamente carente de sentimentalismos.
A través de toda esta densa bruma de inconstancia y debris sonoro hay sin embargo también algunos elementos sumamente persistentes, como son sin duda una buena dosis de sentido del humor y una carga enorme de valemadrismo. Y esto no quiere decir que ‘How to Make a Scream Queen Cream’ no posea sus instantes de belleza. Como en los trabajos de otros asalariados de las pesadillas, como Irr. App. (Ext.), en este cdr hay suficientes momentos rotundos de conjugación sonora como para dejar en claro que estos cuates conocen bien las reglas de su propio juego de shock y terror anti-formal. Totalmente ácido.

Wapstan – Trompe la Mort (X Died Enroute Y Records, XDEY55, 2005)
Wapstan es un proyecto que centra su sonido en el lado más oscuro y frío de los espectros. Su música emplea casi puras tonalidades graves y es de ésas que proyectan una gran calidad de movimiento y dinámica en un plano muy discreto. En abierta oposición a la música de los Pixies, ‘Trompe la Mort’ es un disco cuyo más claro objetivo es romper con la forma estricta. Las piezas son largas y sumamente independientes una de la otra.
Las dos primeras piezas son odas nocturnas, y éstas cantan las notas de los parajes más recónditos y oscuros del mundo. La tercera es una pieza con un ataque más abiertamente tonal y directo, empleando un violento teclado desnudo, apenas redondeado por las atmósferas del ambiente descuidado y sucio.
Hasta este momento, el disco es remarcablemente fuerte, sin embargo, lo mejor apenas está por venir. La pieza que definitivamente se lleva el disco es la cuarta, la cual pareciera ser una suerte de banda sonora para la ilustración de la portada: un paisaje gélido con vientos que soplan furiosos. Los detalles son minuciosos y los sonidos parecen tonos de grises fluctuando a lo largo del paisaje de un blanco estático, ensordecedor.
‘Trompe La Mort’ finaliza con una pieza centrada en los sonidos pesados de órganos, recordando bastante a los trabajos más taciturnos de Coil. Un final adecuado para un disco sumamente intenso y lleno de imágenes y poder.

Lap Dancer/AODL - Carpet Hag (X Died Enroute Y Records, 2005)

Creadores de abrumadoras forjas de estática abiertas y brutales, AODL y Lap Dancer ofrecen en Carpet Hag un terrible, violento split lleno de crueles contorsiones de retroalimentación y frecuencias altas. A pesar de que ambas bandas se puedan ubicar en zonas aurales más o menos igual de extremas, Lap Dancer es claramente más abrasiva y agobiante, gracias a su pulsión por hacer de cada momento un violento vendaval de óxido sónico.
AODL responden más a la cacofonía menos transgresora aunque igualmente violenta y desalmada. Sin duda, ‘Carpet Hag’, escuchándolo a detalle, tiene sus momentos. Desgraciadamente, desde que comienza el cdr hasta que acaba, es casi imposible dejar de pensar que cada fragmento es perfectamente predecible. De lo menos sobresaliente de XDEY, ‘Carpet Hag’ es desafortunadamente un documento de la gratuidad con que algunos proyectos actuales se llevan a cabo.


My Game of Loving -Prolongued Sunlight (X Died Enroute Y Records,XDEY67, 2005)

My Game of Loving muestra el lado más abrasivo del trabajo de Steev Thompson. En ‘Prolongued Sunlight’, el dueto crea atmósferas tanto más portentosas, hostiles y anárquicas, con pulsantes nubes de estática y drone en constante ensanchamiento. Los ambientes van del drone meditativo a la psicodelia en un viaje pesado, hipnótico largo y estático. En ‘Prolongued Sunlight’, My Game of Loving ofrecen un maleable trabajo de amplia carga anímica e introspectiva, el cual se presta incluso al absurdo jugueteo rockabilly del final. Ácido y sobrecargado, este 3”cdr es otra buena sacudida neuronal.


Quilts - Deep Pond (X Died Enroute Y Records, XDEY71, 2005)

Quilts es un combo de improvisación bastante indefinible, lo mismo echan mano de instrumentos acústicos que de secuencias rítmicas pregrabadas y percusiones llenas de efectos. Su énfasis en la percusión, mezclada con ligeros trabajos de power electronics y armonías rotas, parece hacer referencia a antiguos clásicos underground como 23 Skiddoo, A Certain Ratio e incluso SPK.
‘Deep Pond’ transmite una fuerte sensación de descuido, con su música incidental e inacabada serpenteando a lo largo de la grabación. ‘We’ es puro industrial primal abierto y amorfo, ‘Paper Mountain’, un retorno a lo asible, ‘Deep Pond’, la cual da título al disco, una fantástica jam en percusiones volátiles, las gemelas ‘Knees’ son violentas muestras de temperamento. En fin, ‘Deep Pond’ es un álbum que busca y encuentra la más extrema variedad en un sonido paradójicamente cerrado.
Sin duda, el mayor acierto de Quilts es hacer música con un eje percusivo tan fuertemente marcado en una época en la cual el énfasis está puesto, casi inexcusablemente, en la etérea divagación de la electrónica y el drone. ‘Deep Pond’ se siente original y logrado en bruto, pero, sobre todo, diferente. (S.S.)

Death In June – Abandon Tracks (NER, BAD VCCD49, 2005)
‘Abandon Tracks’ hace referencia a aquella, aparentemente perdida, época de gloria de Death In June, con una serie de canciones rescatadas de lados B’s y tracks extras exclusivos de viniles y ediciones especiales. Quizás finalmente Douglas Pearce se haya dado cuenta de que el pasado importa -o quizás no.
Bastantes de los tracks, de hecho, son versiones de piezas claves en el repertorio de DIJ, como ‘Thirteen Years of Carrion’, ‘Rocking Horse Night’ o ‘Europa the Gates of Heaven and Hell’. Y aunque, como podría esperarse, algunas de las versiones son totalmente innecesarias, mostrando apenas ligeras, anecdóticas diferencias con respecto a las originales, otras son patentes, sustanciales reconstrucciones de las originales.
Quizás de estas últimas, el caso más polémico sea el de ‘Punishment Initiation’, canción en la cual la vehemencia con la cual Pearce decide cortar la voz de David Tibet y colocar la suya se siente escalofriante.
Asimismo sorprende la presencia de algunas piezas instrumentales como ‘The Concrete Fountain’, las cuales abandonan el tan quemado modelo de fraseo/coro de Pearce y se enfocan en un universo bastante libre y nuevo en las órbitas de DIJ.
Del otro lado del espectro, otra pieza que vale la pena mencionar es sin duda ‘Unconditional Armistice’ que hace ver a la dramática chaqueta mental de ‘Lay me Low’ de Nick Cave & the Bad Seeds como un crooning maduro y sensible. La letra no tiene precio (‘Can I trust a human?/Can I trust his soul?/They all live together in a selfish hole .... I wish I had a gun/Which set us all free/This is my dream’), dejando atisbar nuevamente en la naturaleza dolida, rencorosa y, lo siento, ridícula de Pearce, quien, últimamente, parece estar más preocupado por decirles a los demás cuán equivocados –y feos- están que en hacer algo decente.
Asimismo, otro rasgo negativo es la necedad de Pearce por querer rescribir el pasado y eliminar cualquier rastro que delate que en algún momento colaboró con gente como Rose MacDowall, John Balance o el ya mencionado Tibet. Afortunadamente, la versión de ‘My Black Diary’ tomada del álbum ‘Beauty Reaps the Blood of Solitude’ de Nature and Organisation –el proyecto de Michael Cashmore- conserva las voces originales de Tibet, McDowall y Pearce interactuando intactas, demostrando que incluso Pearce -hasta cierto punto- sabe que no se puede hablar de la historia de Death In June sin mencionarles.
‘Abandon Tracks’ vale la pena tanto para el coleccionista en busca de nuevas piezas que le ayuden a armar el rompecabezas de Death In June como para el neófito curioso. Desgraciadamente, su mera existencia hará a más de uno preguntarse si aún existe algo remotamente substancial en el futuro de la banda, si Pearce dejará de una vez por todas de soltar recopilaciones y rediciones de su backcatalogue para dedicarse a hacer un disco nuevo que tenga valía propia.

Abscess (American Tapes, AM505, 2005)

Abscess (American Tapes, AM505, 2005)
Al abrir el último paquete de American Tapes descubrí este cdr. Sin mayores datos que la fecha (Nov 15 2005) y un número de serie (AM505) inscritos en el sobrecillo decidí averiguar de que se trataba el misterioso objeto. De acuerdo con la discografía de American Tapes, se trata de disco de una banda llamada Abcess. No hay nada más mencionado. No sé quien forma parte del proyecto, dónde fue grabado... nada.
El sonido de Abscess deja entrever a una persona torciendo perillas y golpeando piezas de metal, probablemente platillos microfoneados y manipulados con arcos. En sus trece piezas, este cdr ofrece violentas variaciones de esta dualidad instrumental. Su sonido es cáustico en extremo, similar al las primeras grabaciones de Einstürzende Neubauten pero aún más abrasivo y amorfo. Hay instantes, como el del track 6, en los que las altas frecuencias son simplemente intolerables e inescuchables.
Sobra decir que Abscess no es precisamente el cáliz sagrado sino más bien uno de esos discos que únicamente pones cuando te sientes seriamente autodestructivo.

OK... Aún para Blixa Bargeld, esto es algo totalmente inusitado...

Bauhaus (Palacio de los Deportes, 30.11.2005)

Para beneplácito de las peluchinas y pijamudas huestes darkies de la Ciudad de México, Bauhaus se presentó ayer por la noche por segunda ocasión en la capital, y, bueno, qué se puede decir: Bauhaus nunca han tenido problemas para sobrepasar -por el lado sonoro- el estigma gótico que se les impone a muchas bandas. Su sonido, a casi veinticinco años de haber encontrado su fundación, sigue sonando sorpresivamente actual y único. Asimismo, sus integrantes, gracias a la falta de reposo, siguen tocando con un vigor poco común en las bandas de su propia generación.
El cuarteto interpretó prácticamente cada uno de sus éxitos –quizás con un par de excepciones si acaso. ‘Silent Hedges’, ‘Passion of Lovers’, ‘In the Flatfield’, ‘God in an Alcove’, ‘Stygmata Martyr’ sacudieron el domo del Palacio de los Deportes con una intensidad feroz. Daniel Ash rescataba los sonidos que le hicieron mítico como guitarrista de la banda y éstos sonaban frescos y precisos. Pasando de la guitarra eléctrica saturada de efectos a la aterciopelada guitarra electroacústica de doce cuerdas, Ash demostró su maestría. Y ni que decir de la potente y consistente sección rítmica de Kavin Haskins y David J., sonando impecable; especialmente la batería de Haskins, la cual, para el primer encore, jugueteaba como si nada con las embotadas secuencias del delay que caracterizan el himno gótico de ‘Bela Lugosi Is Dead’. Quizás el único punto bajo en este sentido haya sido la deplorable forma física con la cual Peter Murphy se presentó. Aún cuando su voz sigue estando en perfectas condiciones, la intensa presencia física del cantante se hecho mucho de menos.
Tras el primer encore, Bauhaus regresó a escena para presentar ‘Slice of Life’ con la voz de Ash en primer plano. La capacidad explosiva de la banda se dio a notar con una pieza que podría considerarse prácticamente acústica y que curiosamente hizo que la audiencia se sacudiera furiosamente. Inmediatamente después, la estática en la guitarra anunciaba que la oscuridad entraba. ‘Dark Entries’, una de las piezas más agresivas de la banda, dio ímpetus a los miembros de la audiencia que, al frente del escenario, se revolcaban y azotaban entre sudores propios y ajenos. Para el cierre, la banda interpretó su excelente y potente versión de ‘Ziggy Stardust’, el clásico de David Bowie, y dejó a un público visiblemente satisfecho tras apenas hora y media de tocar. La clave, sin duda alguna, fue el hecho de que, ininterrumpidamente, Bauhaus presentara éxito tras éxito de su limitada, pero adorada, discografía.
Para muchos, la reputación de una banda que revive una y otra vez glorias pasadas tras un periodo tan largo de desintegración podría quedar en entredicho. Sin embargo, las electrizantes vibras de esta banda, la garra con que atacan su discografía y la apasionada respuesta del público transmiten una sensación de vigencia que por momentos hace pensar que el tiempo, para Bauhaus, jamás se detuvo.

Der bekannte post-industrielle Trompeter – Freak Nerve Cell from Outer Space (Chondritic Sound, CH-75, 2005)

Con apenas poco más de dieciséis minutos divididos en tres piezas, Der bekannte post-industrielle Trompeter es capaz de electrizar todo el espacio a través del cual sus notas circulan. Con una serie de fraseos de trompetas loopeados y apoyados por la electrónica de Cristiano Laciani, el trompetista tiene a bien improvisar estrambóticas combinaciones melódicas a veces directas, a veces modificadas por efectos sonoros. El efecto es similar al de muchos de los trabajos más experimentales de Nurse With Wound en cuanto al empleo de sonidos caricaturescos y una suspensión casi espacial del elemento melódico en el líquido amniótico de la nebulosa reverberación.
Para la tercera pieza, ‘e.a.a.m. (Esperimento Andato A Male)’, el trabajo es mucho más intenso y la atmósfera se encuentra mucho más cargada y pesada. El rumbo va marcado de la apertura y libertad temporal de las dos partes de ‘Cerebral Mud’ a la trepidante sucesión obsesiva de sonidos de esta última pieza, en la cual la razón ya se ha vuelto llanamente abrumadora. ‘Freak Nerve Cell from Outer Space’ es un trabajo precioso, intenso y dedicado, que no deja de perder el sentido del humor y que abandona, afortunadamente, el rumbo opresivo en que a la escena, a últimas fechas, le ha dado por converger. (S.S.)

Family Underground – Slingshot Feud Vol.2. (Sloow Tapes, Sloow Tapes Juli, 2005)

Pocas veces me he sentido tan culpable de no haberle hecho caso a mis instintos como al descubrir el nuevo material de Family Underground, ‘Slingshot Feud Vol.2’, editado hace unos meses por las increíbles Sloow Tapes. Debí conseguir algo de esta banda antes. En fin, bienvenido sea este grandioso –pequeño- objeto. En primer lugar está la portada que adorna a este cassette, dibujada e iluminada cuidadosamente, dedicadamente a mano, una por una de las cien copias. Luego están los fantásticos sonidos contenidos a lo largo de aproximadamente una hora de intensos trabajos de retroalimentación, reverberación y delay.
Realmente no hay mucho que decir respecto a esta deliciosa entrega sino que el sonido invocado en ella es portentoso y amenazante, perfecta reflexión sonora del bello e inquietante arte de portada. Ideal para los amantes del drone más abrumador e intenso. Aparentemente no soy el único despistado, así es que con algo de suerte podrán aún conseguir copias en Fusetron, Volcanic Tongue o Time-Lag. Ahora hay que ir a por los bellos lps que Qbico tiró para la banda. ¡Adiós quincenas!

Rainbow & the Red Eye – When It’s Time to Play at Being Human (Heavy Tapes, 2005)

Una de las últimas entregas de Heavy Tapes, Rainbow and the Red Eye consiste en una serie de grabaciones que los miembros de Double Leopards realizaran antes de formalizar su banda propiamente. El sonido de ‘When It’s Time to Play at Being Human’ es similar al de otras de sus grabaciones contemporáneas, como el de Axe Halve LP, ofreciendo piezas con bordes mucho más ríspidos, llenos de herrumbre acústica y mucho más similares a asuntos de improvisación noisera, que a los profundos paisajes que han venido invocando en tiempos más recientes. El lado A es tan libre y disperso como puede esperarse que los leopardos sean; aquí, la banda conjuga los loops de feedback más abigarrados que pudieran llegar a generar, intentando llevarlos, sin escalas, al tope.
El lado B se muestra un tanto más mesurado, incluso podría sonar un tanto como el ‘God & Beast’ de NON, con sus turbios ambientes y oleadas de guitarras sometidas a arcos metálicos, evocando esas colmenas de furiosas avispas de Boyd Rice, prestas a atacar. Su sonido es paradójicamente simple y portentoso, amenazante y casero.
Sin duda, cualquier amante de la primera época de los Double Leopards será feliz con este breve documento de los inicios de la banda, sónicamente, mucho más convincente que otros proyectos como Religious Knives y con una idea de orientación que remite tanto más al germen de los leopardos. Su enorme desventaja es su prácticamente inexistente longitud, tocando los quince minutos, a lo mucho. Ojalá y Heavy Tapes siga editando más del material archivado de los inicios de sus múltiples proyectos, y que, la próxima vez, sean asimismo un poco más generosos

Double Leopards – A Hole Is True (Troubleman Unlimited, TMU159, 2005)

‘A Hole is True’ muestra a los Double Leopards desde su lado más brutal y animalesco. Grabado en 2005 en The Tar Pit, este nuevo lp, puesto a la venta por Troubleman Unlimited, consta de tres muestras más de la música eterna e inmanente que los leopardos tienen el poder de invocar. La primera de ellas, ‘The Inmost Light’ (¿ecos de Current 93, acaso?), es una árida conjugación de loops y frecuencias bajas al más puro estilo neubauteniano. En esta pieza, la característica mala vibra de algunas de las grabaciones de la banda se hace más que presente, forjando visiones hostiles y decadentes llenas de polvo y óxido. El resuello pasajero de una distante voz loopeada se extiende y deforma mientras los escasos remanentes de ritmo se convierten en mera estática lenta, abierta, febril.
La segunda pieza, ‘Chemical Wedding’, es un tanto menos abigarrada, menos tensa pero igualmente asfixiante. Los profundos drones de los leopardos, absortos en vibrante retroalimentación, se convierten en mares de lava y rugidos prehistóricos en un mundo regido por la atonalidad y los torbellinos sonoros.
La cerradora ‘White Cadillacs’ forja su entrada a partir de un loop mántrico que es violentado y llevado a extremos punzocortantes de agudos tonos y sobreposiciones de octavas. El loop se convierte en drone y su ciclo se cierra sobre sí mismo en un eterno despliegue de monotonalidad. La fundación de la pieza, la inquietante voz que se enmarca a lo largo de ésta, es apenas matizada por breves intervenciones de electrónica y un metálico martilleo de secuencia aleatoria.
Quizás uno de los menos exuberantes trabajos de la banda de Brooklyn, ‘A Hole Is True’ es un documento tanto más angustioso de la lenta, inmanente evolución de la banda. Los stickers del lp parecen hacer referencia al ya clásico ‘The Axe Halve LP’, con las emblemáticas caricaturas de Miller adornándoles; sin embargo, la música que Double Leopards han vertido aquí parece estar perdiendo la espontaneidad que caracterizaba aquellos primeros trabajos. ¿Tiene futuro Double Leopards, o es que su futuro siempre fue la inmanencia?

Roxanne Jean Polise - Off Path On Time (X Died Enroute Y Records, xdey65, 2005)

El proyecto de Steev Thompson, Roxanne Jean Polise, es conocido por sus trabajos ambientales, sutiles invocaciones de imágenes subterráneas y acuáticas. Sin embargo, en este nuevo 3"cdr llamado 'Off Path on Time', Thompson ofrece una creación seriamente distinta. La pieza única que conforma este disco se prolonga hacia los veinte minutos y se centra en un rítmico loop, que pasa de correoso engranaje falto de aceite a pieza central del tema. Las variaciones que se presentan en torno a éste son, asimismo, bastante atípicas del trabajo de Roxanne Jean Polise. Casi toda la atmósfera va enfocándose en los sonidos agudos y chirriantes abandonando de tajo sus carácteristicas exploraciones abismales.
'Off Path in Time' es en general tiempo bien ocupado, sin descanso ni remordimiento y con mucha energía electrizando las atmósferas. Desafortunadamente fue tirado en una sola edición de 23 copias y vendido exclusivamente en el sitio de la disquera de Thompson, X Died Enroute Y Records, disquera a la que, por cierto, vale la pena echarle un ojo de vez en cuando.

Davenport - The Hands of Worm Heaven (Time-Lag Records, s/n, 2005)

Nemo había mencionado que ésta sería la última entrega del combo de improvisación de Clay Ruby, Davenport, aunque tras la última y reciente oleada de publicaciones por parte de 23 Productions, no sé si estoy dispuesto a creerle. A decir verdad, este más reciente trabajo de Ruby sigue siendo igualmente reticente con respecto a entregarse fácilmente; la música de Davenport sigue siendo grabada con las mismas limitantes y es inevitable notar que todo cobra forma durante las sesiones, durante el 'jam'. Sin embargo, es también inevitable notar que la calidad de los jams es muy superior a la de la mayoría de sus contemporáneos, conuna variedad de músicos aportando un amplio espectro sonoro y una punzante sensaciónde imprevisibilidad.
'The Spells We Know' es una pieza francamente mágica, con contagiosos himnos corriendo al tiempo de la efusiva percusión y los drones acústicos y electrónicos para rendirse en un final glorioso. 'Frozen Country Dub' es como una suerte de jam electroacústica entre The Dirty Three y Hair Police, con tiempos espaciados e intervenciones alucinantes en las percusiones y en una electrónica muy de fondo. Por su lado, 'Cough It Up' y 'Call To Worm Heaven' parecen hacer referencia a antiguas ofertas de la banda en una tónica mucho más ambiental y mucha menor participación instrumental. Bueno, al menos parcialmente...
Davenport, tras haber editado ya un gran número de discos, se han conservado íntegramente fieles a sus principios, ofreciendo música desde una trinchera anónima y minoritaria. La banda ciertamente no tiene necesidad de retirarse ya que no tienen absolutamente ningún compromiso que cumplir. Precisamente por ello, su música, como la de muy pocos es tan libre y se siente tan honesta. Y qué mejor ejemplo que éste. 'The Hands of Worm Heaven' hace tanta referencia a las estrategias de choque de Swans y al misticismo de Current 93 como a los sonidos pastorales de Blithe Sons sin dejar perder jamás su propia identidad. Editado en cdr por Time-Lag, 'The Hands of Worm Heaven' viene acompañado por siete láminas y un empaque de cuatro caras con ilustraciones de Dylan Nyoukis impreso en papel de lujo. Para variar está limitado a tan sólo 223 copias.

v/a - Naturalism (Tape Nature Limb, s/n, 2005)

Aún no puedo dejar de asombrarme ante el hecho de que este cdr sea tan poco conocido, sobre todo tomando en cuenta que presenta ampliamente el trabajo de uno de los combos más en boga en la escena underground de hoy en día, The Skaters -y toda su prole. 'Naturalism' es una recopilación que Nature Tape Limb pone a la venta en -obviamente- un tiraje mínimo y que presenta a solistas como Anthony Milton y Neil Campbell trabajando al lado de la mayoría de los proyectos solistas y colaboraciones de James Ferraro y Spencer Clark, como The Wooden Cupboard y The Candle Magicians. En su afán por ser ejemplarmente herméticos, los encargados de poner en marcha este proyecto han decidido no incluir siquiera un track listing que establezca quién toca qué -ya ni decir del nombre de las piezas-, mencionando, si acaso, el orden en que las bandas van presentándose a lo largo de la grabación.
A decir verdad, el sonido de todo este álbum es tan monolítico que de hecho resultaría imposible distinguir a primeras oídas a cada una delas bandas. Casi todas emplean con maestría los trucos del underground contemporáneo, aunque en su mayoría, evitando los drones y priviliegiando la percusión minimal o la rítmica de los instrumentos acústicos. La variedad sonora se concentra aquí en grabaciones en lo-fi y en improvisaciones regidas por la combinación de electrónica manipulada y el uso de instrumentos acústicos, como acordeones, órganos y guitarras. En sí, el álbum se siente sumamente orgánico; la presencia de los mismos elementos -tanto de alineación como instrumentales- hace que cada pieza se sienta como una suerte de recreación de su subsecuente -a veces en sentido de deformación, a veces en franca progresión. 'Purpal Haze' se muestra como una torcida ensoñación salida de un cuento de hadas y parece incluso revertir el tosco ritmo impuesto por 'Hot Smoke' en su diminuta, pero persistente, colaboración. Y aún así, en ambas piezas -de hecho en todas- el enigma, la extrañeza, persisten. 'Naturalism' es muestra de como se hace la música hoy en día, como un proceso de introspección que no admite las complacencias de la música convencional; la disonancia lacerante, la intervención punzante, el corte descuidado, son todos elementos sustanciales del radical enclave de nuestros tiempos. Así, volviendo a la pieza de 'Purpal Haze', cabría preguntarse cómo una melodía tan prístina y colorida como la que se empleara aquí pudiera llegar a transformarse en una serie de visiones tan turbias y violentadas. Esta suerte de fascinación por lo macabro de la ruptura, por lo aterrador de la forma, es sorprendente; el impulso artístico como pulsión deformante.
'Naturalism' nos muestra a una generación de artistas que se notan sumamente inocentes en cuanto a sus propias nociones de producción e interpretación, pero que escuchan a la música con oídos experimentados. Su entendimiento de la música no es sencillo. Su acercamiento a la musa es dado por las rutas más difíciles, las de la ruptura. De las ingenuas muestras folk de The Wooden Cupboard a la estática abierta de Anthony Milton, pasando por el anti-todo que es el sonido de The Skaters, hay una conexión clara, la luz de la novedad entrando a los ojos sorprendidos de un anciano.

Steven R. Smith - Crown of Marches (Catsup Plate Records, #CPR722, 2005)

Steven R. Smith, en sus numerosas contribuciones a las discografías de Thuja y Hala Strana, se ha consagrado como un multiinstrumentista cuyo trabajo tiene cualidades evocativas únicas. Para su más reciente cd, 'Crown of Marches', Smith tomó su guitarra, y, a la usanza de aquel solitario Neil Young de la banda sonora de 'Dead Man', creó pulsante música nocturna y pasional inmersa en la más fascinante oscuridad.

(fotografía tomada del sitio oficial de Steven R. Smith)

A pesar de que en 'Crown of Marches' se emplee a las guitarras como intrumento principal, Smith no puede dejar de echar mano de algunos de sus muchos recursos intrumentales, empleando desde pianos eléctricos y órganos, hasta timpanis y platillos arqueados. La pieza única que compone este trabajo, es una suerte de oscuro lienzo, cuyas tonalidades son plasmadas por la insistente reverberación y el cauce de las marejadas de feedback de las guitarras eléctricas. Lo demás en 'Crwon of Marches' es casi todo matiz y brillos logrados por las ocasionales y esporádicas incursiones de los muchos otros instrumentos que Smith tuvo a bien de usar.
De cualidades hipnóticas y taciturnas, el álbum está repleto de ensoñaciones y misterio sin perder su elemento violento y sorpresivo. Las notas que fluctúan entre las pesadas oleadas de herrumbre acústica son a veces dulces y precisas y, sin aviso, se tornan veloces y punitivas, llenas de tensión y distorsión. Música para degustar y para dejarse llevar a ojos cerrados, 'Crown of Marches' muestra una faceta de Smith desafortunadamente no muy recurrente, la del músico en control y dominio del marco sonoro al completo, cuyo esfuerzo aquí, a diferencia de lo que ocurre en muchos otros de sus trabajos, no admite ni colaboradores ni acción sin intención. 'Crown of Marches' viene presentado por Catsup Plate en formato de cd con un perfecto diseño en digipack y es, sin dudas, algo de lo más notable de este agonizante año.

Wooden Wand - Harem of the Sundrum & the Witness Figg (Time-Lag Records, Time-Lag 028-029, 2005/Soft Abuse , SAB012, 2005)

El joven 'Harem of the Sumdrum & the Witness Figg', ha pasado prácticamente por todos los formatos por los que pudo haber pasado; de una edición inicial en cassette a los presentes lp y cd. El enigma del por qué lo resolví al poco tiempo de recibir el disco. Tras escucharlo por primera vez, me fue evidente el por qué esta escueta, discreta música ha ido superando instancia tras instancia, convenciendo a cada vez más y más gente no sólo de su patente calidad, sino también de la necesidad de que sean más los que puedan escucharla. Se trata de un pequeño catálogo de canciones que a veces adorna las presentaciones de Wooden Wand & the Vanishing Voice, y que ha ido creciendo con una cohesión perfecta. La tónica para cada una de los temas que forman este cancionero parece estar tan bien encajada al grado de volverse prácticamente la misma: Letras con ecos de temas religiosos, míticos, ambientes folkies, melodiosos y llenos de ensueños, melodías apenas rasuradas por una distante guitarra eléctrica -acompañando el constante rasgueo de la acústica-, y la fantástica voz de Wooden Wand -James Toth-, a veces recordando a Marc Bolan, otras a Shane MacGowan. Siempre grandiosa.
A la manera de Devendra Banhart, Wooden Wand tiene la capacidad de evocar los momentos más brillantemente iluminados de su herencia folk americana. 'Leave Your Perch' es una de esas canciones que suenan como si hubiesen sido grabadas hace treinta años por un oscuro artista folk que la tierra se tragó. La atmósfera en las más de las piezas recuerda a la del 'Songs from a Room' de Leonard Cohen, con su reberveración natural, distante y profunda, y la manera en que el espacio se adecua a los preciosos y precisos rasgeos de las cálidas guitarras acústicas. Y pesar de que se siente la magia del mencionado disco del canadiense, la pesadumbre y lo taciturno aquí sobran. 'Vengeance, pt.2', uno de los temas claves del disco, ilustra con voz bohemia, la verdad eterna: '...and God said 'Vengeance is mine'' y lo terrible de estos argumentos se resbala delicioso a través de las ágiles rimas de Toth. 'Sundrum Ladies' es de esas canciones arquetípicas como 'Teachers', 'Fly' o 'It Ain't Me, Babe' que parecen arrancadas de algún momento en el tiempo que no podemos trazar. Es de esa música eterna, perfecta que vale una década completa.
Las versiones a encontrarse ahora mismo son dos: El lp de Time-Lag, limitado a setecientas sesenta copias y acompañado de un 7", exclusivo, de Wooden Wand Jehova, o la exacta réplica editada por Soft Abuse en cd.
'Harem of the Sundrum & the Witness of the Fig' es un disco cubierto por un halo de perfecta inocencia, un trabajo noble hecho por un artista totalmente desinteresado en términos impositivos de 'seriedad' o 'producción', absortamente concentrado en la cuidadosa confección de sus graciosas, bellas canciones. Cada una de las cuales suena tan fresca como grabada al primer corte y con la voz de James Toth brotando como una cascada de color, sin cuidados, sin preocupación y con el desgarbo que caracteriza a los grandes, a Barrett, a Dylan.
Así es que me he convertido en un eslabón más de la cadena que insiste a gritos: ¡'Harem of the Sundrum & the Witness Fig' es un disco totalmente n e c e s a r i o y sin desperdicio!

Crane / Toth Duo - Live (Polyamory, Polyamory 050, 2005)
Uno pensaría que limitar el instrumental de una banda a dos piezas resultaría en una cerrazón inevitable. En este set de siete improvisaciones a cargo del dúo de Bones Crane y James Toth se demuestra lo contrario. La pareja genera música que va del espacio libre y abierto al rugir de la locomotora con sólo una batería y una trompeta. La trompeta de Crane silba lo mismo que ruge sobre el persistente martilleo de Toth. La batería de Toth en ningún momento llega a sonar delgada, y ni que decir mesurada; cada golpe dado, cada ataque sobre la tarola es dado con severidad y provoca esa tétrica sensación de inminente fragilidad. Un esquema que parece por instantes aletargado, tranquilo, como el de la sexta pieza, es abruptamente roto, violentado por el torrente del pulsante dueto y vuelto a una fácilmente corruptible tensión, que amenaza con explotar en cualquier instante.
La música en este cdr no tiene ni un sólo dejo de formalismo; ni un sólo tema, ni un sólo fraseo refiere a una melodía. La tercera pieza, por ejemplo, es un ataque impetuoso que por momentos parece querer convertir los quebrantos de la trompeta en himno, ante lo cual Crane debe someter su instrumento a violentos, agudos espasmos y, tras el parcial silencio ofrecido por la batería de Toth, forjar, de la unión de ambos, un inmenso monstruo sonoro. Ésta es bella, intensa música para quienes estén hartos de las restricciones impuestas por los formatos del pop. Editado en formato de cdr como punto final de la agonizante Polyamory, Crane/Toth es un grandioso documento de uno de los lados menos explorados de los colaboradores de Wooden Wand & the Vanishing Voice.